Autor Tema: Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo  (Leído 432624 veces)

casper3127

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #960 en: Noviembre 22, 2017, 10:51:57 pm »
¡Cuidate Luisma!

Un poco de calor de hogar, una mantita echada mientras escuchas buena musica y tomas algo caliente, hacen milagros. Ni comparacion con todo el paracetamol que te puedan recetar esos medicos que tenemos hoy en dia.  :D


Un saludo.

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #961 en: Noviembre 22, 2017, 10:59:09 pm »
¡Cuidate Luisma!

Un poco de calor de hogar, una mantita echada mientras escuchas buena musica y tomas algo caliente, hacen milagros. Ni comparacion con todo el paracetamol que te puedan recetar esos medicos que tenemos hoy en dia.  :D


Un saludo.

Gracias Iñaki:

Ya estoy en ello, aunque hago a todo, al caldito, a la manta, a la miel y al paracetamol. Que no sea por falta de medios.  ;)

Saludos

Luisma

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #962 en: Noviembre 24, 2017, 09:57:20 pm »
Buenas noches compañeros:

Espero que ya lo habréis comprado todo. El viernes se acaba.

Para que probéis vuestro cacharros nuevos os acerco una cuantas voces femeninas del jazz contemporáneo más.




Melody Lou - Follement 30' (2017)

https://open.spotify.com/album/2QVVnzi9R2Af3aW66xggEl


Melody Lou - Follement 30' (2017): Melody Louledjian formará parte de la temporada 2017/18 de Troupe des Jeunes Solistes del Grand Théâtre de Genève. Interpretará los papeles de Barbarina / Nozze di Figaro, Elsbeth / Fantasio, Arsena / The Baron Gypsy, Lola / Cavaliera Rusticana. También estará en una serie de conciertos con la Orchestre National d’Ile de France en enero de 2018, con  La Damoiselle Elue de Debussy e interpretará su primera Violetta / La Traviata en la Ópera de Tenerife.
 Melody Louledjian comienza la música desde temprana edad. Después de un Primer Premio en Piano y Maestros de Canto con elogios en Lyon y Viena, comenzó su carrera en el Grand Théâtre de Bordeaux en 2009 en Le Balcon de Peter Eötvös, donde cantó Carmen, una joven prostituta. Ella es bien recibida por críticos y será invitada regularmente por este teatro.
 La toma de roles está vinculada entonces, y su sólida formación musical le proporciona una particular facilidad para el repertorio contemporáneo.
Se presenta en muchos festivales internacionales (Festival März en el Konzerthaus de Berlín, Festival Acht Brücken en Colonia, Festival de Argel Festival de Otoño de los Bouffes du Nord de París, el IRCAM, Musica de Estrasburgo, Festival de Archipel en Ginebra, Royaumont en París ...) y es invitada regularmente por grupos como Intercontemporain (París), Contrechamps (Ginebra), Ensemble Modern (Frankfurt), el Donné instantánea (París), Klangforum (Viena), Tippet (Dublín) . Ella trabaja con compositores como G.Pesson, S. Gervasoni, Y.Prin, B.Fürrer, P.Fénelon, incluyendo varias creaciones y direcciones en el escenario de las obras de Cage, Kurtag, Feldmann Schöllorn, Aperghis, Stockhausen. ..
 Ella encarna el papel de ópera de Feu/Le Rossignol/ L'Enfant et les Sortilèges et la 1ère Servante/Le Nain à l’Opéra de Paris et au Bayerische Staatsoper, Ciboulette/Ciboulette à l’Opera Comique, Carmen/Le Balcon, , Naïade/Ariadne auf Naxos, Oberto/Alcina, Eurydice/Orphée aux Enfers, Musetta/La Bohème au Grand Théâtre de Bordeaux, la  5ème Servante/Elektra, Adèle/La Chauve-Souris à l’Opéra de Nice, Elvira/L’Italiana in Algeri à l’Opéra de Bordeaux et de Vichy, Bergère/La Pastorale au Théâtre du  Châtelet,  Woglinde/Rheingold, Waldvogel/Siegfried au Teatro di Reggio Emilia, a la Casa da Musica à Porto, au Théâtre du Luxembourg, de Reims et à la Cité de la Musique à Paris, Elise/Le Dilettante à l'Opéra d'Avignon, Carmina Burana à l'Opéra de Saint Etienne, die Fraulein/Die Gespenstersonate à la Radio Suisse Romande, Girandole/La Cour du Roi Pétaud au Théâtre de l’Athénée et de Reims.
 Recientemente actuó en las Chorégies d'Orange durante el Festival Music Concert transmitido en vivo por televisión, así como en la Opéra de Lausanne en el papel de Gabrielle / La Vie Parisienne, papel por el cual la prensa unánimemente elogió su actuación escénica, teatral y vocal.
 También es invitada en un concierto  en la Opéra Comique con la orquesta Cercle de l'Harmonie, en la Opéra de Nancy con Glück tunes, en la Ópera de Burdeos por el noveno de Beethoven, así como en recital en el Auditorio de Lyon, el Gran Teatro de Burdeos, el Estivales Labeaume y la capilla de la reina Isabel en Bélgica, Instituto francés de Kyoto-japonés y corte Estivales en Suiza.
 Melody Louledjian regularmente da clases magistrales en la Escuela Superior de Música de Ginebra y en los conservatorios de Francia sobre temas de la música contemporánea, improvisación libre y la imagen. Ella es profesora en la Academia de Opera Europea.
Mélody Louledjian habla francés, italiano, español, inglés y alemán.
De su verdadero nombre Melody Louledjian, Melody Lou, se reconoció por primera vez la cantante de ópera (soprano) que cantó en los mejores escenarios nacionales e internacionales (Paris Opera, Opera cómica, la Ópera de Munich, Burdeos, Niza, Lausanne, Berlín, Ginebra, Reggio Emilia, Oporto ...) .
Artista multifacética, poliinstrumentista, se baña en culturas y mundos musicales tan ricos como variados. Ella creó su primer proyecto ""hors lyrique"" eligiendo el repertorio francés de los años 30 a 50, un patrimonio vocal directo de la ópera y la opereta.
En base a sus antecedentes técnicos, canta estas canciones en un estilo simple y natural, explotando así otro uso de su voz, más desnudo, original.
Para la disposición de este repertorio, recurre al guitarrista Marc Campo, confirmado en la cultura del jazz. Acompañada por su acordeón, propone, con sus músicos, un viaje de descubrimiento y redescubrimiento de las canciones de esta época, a veces en su estuche original, a veces totalmente transformadas.


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #963 en: Noviembre 24, 2017, 09:58:14 pm »



Melora Hardin – Purr (2000)

https://open.spotify.com/album/1sMZE1hrWUMs5zCLw54SYs


Melora Hardin – Purr (2000): GRAN VOZ. Melora Hardin  es quizá más reconocida por su interpretación de “jan Levinson” en la versión estadounidense de la exitosa serie de televisión ""The Office"" y películas como ""Hannah Montana: The Movie"", ""17 Again"" y ""The Hot Chick"". Aunque su impresionante carrera abarca una variedad de medios, incluyendo numerosas series de televisión, películas, conciertos en vivo y álbumes de música.
Melora ha estado cantando y escribiendo canciones toda su vida. La música fluye a través de ella y le encanta escribir, grabar y actuar. Su madre dice que escribió su primera canción cuando tenía dos años, y la cantó una y otra vez. Melora dice que todavía está en su viaje musical, y siempre está encontrando maneras de acercarse a quién es musicalmente. Puedes seguir su carrera de grabación hasta ahora con sus tres discos, ""The Meloradrama"", ""PURR"" y ""All The Way To Mars"". Melora ha tenido la suerte de poder expresarse musicalmente en muchos lugares, además del área de Los Angeles. Ella tuvo el mejor momento de su vida actuando en vivo en Broadway como 'Roxie Hart' en Chicago, y como 'Fantine' en Les Miserables en el Hollywood Bowl con Lea Michelle. En películas como ""The Rocketeer"" de Disney cantando ""Begin the Beguine"" y ""When Your Lover Has Gone"" (ambas canciones están en la banda sonora de la película original) y creadas para la película de TV ""Tower Of Terror"". En la televisión cantando The National Anthem para Nascar, The Ducks, The Dodgers y muchos otros, así como programas de televisión como ""The Office"" (episodio ""Babyshower"") y en su nueva serie ""Wedding Band"" de TBS se la puede ver cantando una de sus canciones originales ""As Boy and His Cat"".


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #964 en: Noviembre 24, 2017, 09:59:08 pm »


Mercedes Nicole - People Are Talking (2015)

https://open.spotify.com/album/10nUtT93IFWTh6uvQp6umW


Mercedes Nicole - People Are Talking (2015): GRAN DISCO. Mercedes Nicole Mercedes de voz suave y una presencia escénica íntima y atrayente que se extiende más allá de los límites del tiempo y el espacio. Su voz es inquietante y deslumbrante, se envuelve en torno a la experiencia humana, fomentando la elevación, buscando no solo el triunfo sino la curación. Ella es esa mezcla exquisita de una mezcla Mezzo-Soprano y Contralto que impregna e interrumpe los pensamientos. A menudo con un control extraño ... ella se demora.
Sus propias composiciones reconocen los momentos oscuros y melancólicos de la vida que tan fácilmente se convierten en belleza, y los viajes de la vida de los muchos rostros del amor. Su música destila fuerza en medio de la ternura y a menudo se eleva tan libremente que el oyente se ve atrapado en las alas del misterio y la intriga. Tiene sentido entonces que sus influencias funcionen desde Dinah Washington y Sarah Vaughan a Nina Simone y la reina de la narración, Nancy Wilson, con quien Mercedes comparte su cumpleaños.
La obsesión única de Nicole con la música comenzó temprano, pero siempre fue un asunto privado. A los siete años se sentó a los pies de su padre mientras reproducía los álbumes deformados que atesoraba de las grandes mujeres del jazz, Billie Holiday, Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan. Al ver su completa fascinación por el jazz, su padre comenzó a introducirla furtivamente en los clubes de Los Ángeles, donde pasó la mayor parte de su niñez, años de adolescencia viendo y escuchando a grandes como Nancy Wilson, Bobby Hutcherson y Cal Tjader. Sin embargo, siendo criada como una estricta Bautista, Mercedes no se aventuró a la música como sus compañeros en la escuela secundaria o la universidad, sino que se especializó en Sociología y Trabajo Social.
En 2000 conoció y se hizo amiga de la Matriarca de Jazz de Seattle, la Sra. Grace Holden cuyo padre, el difunto gran Oscar Holden Senior, fue acreditado por el autor y el Historiador Paul de Barros como ""El patriarca del jazz en el noroeste"". Grace reconoció el talento en la Sra. Nicole y se convirtió en mentora y amiga.
Eventualmente, su pasión oculta se hizo realidad y estalló abiertamente. En 2001, escribió, produjo y realizó su primer tributo a la nerviosa y provocativa Nina Simone para 300 personas. Microsoft Auditorio en la Biblioteca Pública de Seattle. En 2008 y 2009, debutó con su extraña habilidad para traducir las valiosas grabaciones de Dinah Washington y Sarah Vaughn en el Jazz Alley de Dimitriou, un escenario nacional muy aclamado y el favorito de muchos de los grandes artistas de gira de todos los géneros.
En 2012, al enterarse de la muerte de la miembro del Salón de la Fama Etta James, Nicole presentó un homenaje en el histórico Centro de Artes Escénicas Langston Hughes. Su nuevo CD, Alignment, es un álbum ricamente percusivo con una sección rítmica premiada que muestra su composición única y la de su coguionista Peter Tomack.
Mercedes tiene una rica resonancia y fluidez en su voz, y se conecta humanamente con el mensaje nacido en cada canción, compartiendo de forma transparente su alegría y su dolor. Le encanta alinearse con el mensaje y el significado profundo detrás de las letras que abarcan la tensión y los ritmos de la vida que le da magia a cada canción.
“Sin lugar a dudas, mis influencias más fuertes son Mahalia Jackson, Sarah Vaughn, Nancy Wilson y Rachelle Ferrell. En ese orden. Al igual que muchos otros artistas afroamericanos, crecí en la Iglesia Bautista del Sur Negro, donde la música impregnaba mi ser. Lamentablemente, no era un cantante talentoso. Mi voz era suave, y estaba plagada de miedo escénico a lo largo de mi infancia y principios de la edad adulta. Una niña de voz suave, con una voz diminuta no encajaba bien con nuestra congregación en particular y era lo más alejado de la voz en pleno auge de Mahalia.
Las diferencias entre los discos Beautiful Alignment (Self Produced, 2013) de Mercedes Nicole y People Are Talking son el crecimiento y la confianza artística. El primero fue impulsado por una ambición juvenil y un talento precoz. La evolución de Nicole a partir de ese punto se manifiesta directamente en el refinamiento del rendimiento y la práctica, que mejoran su talento existente. People Are Talking revela un enfoque maduro y completamente pulido de estándares y originales que ofrece más que una recapitulación de enfoques anteriores.
Las opciones de estándares de Nicole son una mezcla de lo familiar y lo nuevo. Ella ha perfeccionado su balada cantando como se evidencia en una toma brillantemente lenta en el clásico de Coleman / Lipton ""Would You Believe"". Se pronuncian la rica voz de alto de Nicole y el juego de bajo maleable de Clipper Anderson. Esta cantante muestra fortaleza al dirigirse a ""Moondance"" de Van Morrison, que ella entrega con una presencia tan terrenal, el oyente puede sonrojarse. La flauta de Darren Motamedy es perfecta y, ¿mencioné que la canción se balancea?
La balada original, ""Touch the Sky"" está anclada con el violonchelo lastimero de John William Smith. Nicole canta emotivamente, infundiendo en su composición una vida de blues e iglesia, un ambiente auditivo que ella también aporta a la pieza principal. El lleva este hilo a su conclusión lógica con el húmedo y fecundo ""Chicken, Biscuits & Gravy"". Aquí Nicole no muestra miedo a ensuciarse las manos en el blues.
People Are Talking es el lanzamiento que Mercedes Nicole merece hacer y todos nos beneficiamos de eso.
Personal: Mercedes Nicole: voz; Darin Clendenin: piano; Clipper Anderson: bajo; D'Vonne Lewis, Don Gunn: batería; Darren Motamedy: flauta; Susan Pascal: vibráfono; Alexey Nikolaev: saxofón; William Smith: Cello.

« última modificación: Noviembre 26, 2017, 11:45:09 pm por Luisma »

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #965 en: Noviembre 24, 2017, 10:00:04 pm »



Meredith d'Ambrosio - Silent Passion (1996)


Meredith d'Ambrosio - Silent Passion (1996): BUEN DISCO. Meredith D'Ambrosio (nacida en 1941) es una cantante de jazz americana nacida en Boston, Massachusetts.
D'Ambrosio nació en una familia musical y comenzó a estudiar voz y piano a los seis años de edad. Estudió en la Escuela del Museo del Boston en 1958-59, siguiendo estudios de pintura así como de música.
Comenzó a actuar cantando con pequeñas bandas con el pianista Roger Kelaway. Ha ejercido toda su carrera como cantante, pianista, compositora, letrista y profesora.
Una cantante de tonos suaves, cuya interpretación inteligente de letras es siempre considerada, Meredith d'Ambrosio es también una acompañante eficaz como pianista. Su padre cantaba con big bands, mientras que su madre tocaba el piano en clubes nocturnos. A los seis años, d'Ambrosio comenzó a estudiar piano y a cantar. Después de graduarse de la escuela secundaria y asistir a la Escuela del Museo de Boston (1958-1959), fue músico profesional además de ser pintora. En 1966, John Coltrane la invitó a formar parte de su gira por Japón pero, sintiendo que no estaba lista, d'Ambrosio lo rechazó. Más de una década después, su confianza fue mayor y comenzó a grabar, a menudo con su esposo, el también pianista Eddie Higgins. Una intérprete introvertida pero accesible para aquellos que escuchan atentamente, Meredith d'Ambrosio ha grabado sets gratificantes para Spring Inc. (1978), Shiah (1981), Palo Alto (1982). Sunnyside, que se convirtió en su base de operaciones permanente como artista de grabación en 1985, reeditó álbumes de todas estas etiquetas más adelante. Fue votada en la categoría Top Five for Talent Meerving Wider Recognition para Female Vocalist en Down Beat International Critics Jazz Poll desde 1982 hasta 1985 y desde 1987-1991. En 1994, fue la invitada destacada en el programa de radio sindicado Piano Jazz de Marian McPartland , y grabó y realizó giras regularmente.
Aunque trabajó principalmente como cantante y pianista de jazz, también es conocida como compositora, letrista y maestra. D'Ambrosio también es respetada en los círculos de arte visual: es calígrafa, acuarelista y creadora de mosaicos de cáscara de huevo. Ella ha grabado constantemente, si no prolíficamente, para alguien con un horario tan ocupado. Algunas de sus grabaciones sobresalientes de sus primeros años con Sunnyside incluyen, The Cove (con Lee Konitz y Fred Hersch en 1988); Shadowland (con Ben Riley , Erik Friedlander y Jay Leonhart ) en 1995; y Silent Passion de 1997(una grabación a dúo emparejando su voz y piano con el guitarrista Gene Bertoncini ).

Ella lanzó Out of Nowhere en 2000, lo que resultó en una nominación para un prestigioso premio Django por parte de la Academia de Jazz de Francia como Mejor Vocalista de Jazz Femenino. El año 2002 fue una bandera para d'Ambrosio; Sunnyside relanzó un montón de grabaciones de su catálogo anterior y un nuevo álbum, Love Is for the Birds . D'Ambrosio no volvió a grabar hasta 2006, cuando cortó el programa original Wishing on the Moon. Se tomó un descanso de la grabación, concentrándose en su pintura, gira, actuando en festivales y enseñando. Ella resurgió en 2012 con By Myself , una colección de 14 canciones del fallecido compositor Arthur Schwartz (1900-1984); fue el primero de sus 17 álbumes dedicado a un solo compositor. El único acompañamiento de D'Ambrosio en el álbum es su piano.
Alguno de los músicos con los que ha colaborado han sido: Harold Danko, Bob Dorough, Dave Frishberg, Fred Hersch, Eddie Higgins, Dick Hyman, Hank Jones, Lee Musiker, Mike Renzi, Richard Wyands, Milt Hinton, Major Holley, Jay Leonhart, Michael Moore, George Mraz, Rufus Reid, Leroy Vinnegar, Buddy DeFranco, Harry Allen, Lee Konitz, Ken Peplowski, Phil Woods, Jack Sheldon, Don Sickler, Al Grey, Johnny Frigo, Gene Bertoncini, Kevin Eubanks, Joe Ascione, Terry Clarke, Keith Copeland, Jake Hanna, Butch Miles y Ben Riley.
Publicaciones:
Lost in His Arms (Spring Records, 1978)
Another Time (Palo Alto Records, 1981)
Little Jazz Bird (Palo Alto, 1982)
It's Your Dance (Sunnyside Records, 1985)
The Cove (Sunnyside, 1987)
South to a Warmer Place (Sunnyside, 1989)
Love Is Not a Game (Sunnyside, 1990)
Sleep Warm (Sunnyside, 1991)
Shadowland (Sunnyside, 1993)
Beware of Spring! (Sunnyside, 1995)
Silent Passion (Sunnyside, 1996)
Echo of a Kiss (Sunnyside, 1998)
Out of Nowhere (Sunnyside, 2000)
Love Is for the Birds (Sunnyside, 2001)
Wishing on the Moon (Sunnyside, 2006)
By Myself (Sunnyside, 2012)



Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #966 en: Noviembre 24, 2017, 10:01:16 pm »



Meredith Monk - Mercy (2002)

https://open.spotify.com/album/335JARrFs0qzcItVXqwTi0


Meredith Monk - Mercy (2002): MODERNO. EXPERIMENTAL. Meredith Jane Monk (nacida el 20 de noviembre de 1942) es una compositora, intérprete, directora, vocalista, cineasta y coreógrafa estadounidense. Desde la década de 1960, Monk ha creado obras multidisciplinarias que combinan música, teatro y danza, grabando extensamente para ECM Records. En 1991, Monk compuso una ópera llamada Atlas con la Ópera de Houston.
Su música ha sido utilizada en películas de los hermanos Coen (The Big Lebowski, 1998) y Jean-Luc Godard (Nouvelle Vague, 1990 y Notre musique, 2004). El artista de hip hop DJ Shadow sampleó ""Dolmen Music”de Monk en la canción “Midnight in a Perfect World "".
Meredith Monk nació del empresario Theodore Glenn Monk y la cantante Audrey Lois (Zellman) Monk, en la ciudad de Nueva York. Su madre, una cantante profesional de música popular y clásica conocida bajo el nombre artístico de Audrey Marsh, era hija de músicos profesionales: el barítono ruso judío Joseph B. Zellman y Rose (Kornicker) Zellman, una pianista de concierto de origen judío alemán de Filadelfia.
Meredith Monk es principalmente conocida por sus innovaciones vocales, incluida una amplia gama de técnicas extendidas, que desarrolló por primera vez en sus actuaciones en solitario antes de formar su propio conjunto. En diciembre de 1961, actuó en el Actor's Playhouse de Greenwich Village (NYC) como solista en una adaptación teatral musical para niños de Off Broadway de Charles Dickens, A Christmas Carol, titulada Scrooge (música y letra de Norman Curtis; dirigida y coreografiada por Patricia Taylor Curtis). En 1964, Monk se graduó de Sarah Lawrence College después de estudiar con Beverly Schmidt Blossom., y en 1968 fundó The House, una compañía dedicada a un enfoque interdisciplinario del rendimiento.
Las actuaciones de Monk han influido en muchos artistas, incluido Bruce Nauman, a quien conoció en San Francisco en 1968. En 1978, Monk formó Meredith Monk y Vocal Ensemble (modelado con conjuntos similares de colegas musicales como Steve Reich y Philip Glass) para explorar nuevas texturas y formas vocales más amplias, que a menudo se contrastaban con texturas instrumentales mínimas. Monk comenzó una relación de larga duración con el Centro de Arte Walker de Minneapolis, donde continúa mostrando su trabajo hasta el día de hoy. Monk durante este período grabó “Dolmen Music“ (1979), con su primer álbum lanzado en el sello discográfico ECM de Manfred Eicher en 1981.
En la década de 1980, Monk escribió y dirigió dos películas, Ellis Island (1981) y Book of Days (1988). Aparte de la película, existen diferentes versiones de esta pieza. Dos son para la sala de conciertos, y un álbum, producido por Meredith Monk y Manfred Eicher, es ""una película para los oídos"".
A principios de la década de 1990, Monk compuso una ópera llamada Atlas, que se estrenó en Houston, Texas, en 1991. También ha escrito piezas para conjuntos instrumentales y orquestas sinfónicas. Su primer trabajo sinfónico fue Possible Sky (2003). Le siguió Stringsongs (2004) para cuarteto de cuerdas, que fue encargado por el Cuarteto Kronos. En 2005, se llevaron a cabo eventos en todo el mundo para celebrar el 40 aniversario de su carrera, incluido un concierto en el Carnegie Hall con Björk, Terry Riley y DJ Spooky (quienes tomaron muestras de Monk en su álbum Drums of Death), Ursula Oppens, Bruce Brubaker, John Zorn y los nuevos conjuntos de música Alarm Will Sound y Bang on a Can All-Stars, junto con Pacific Mozart Ensemble. Meredith Monk ha sido compositora en residencia para Carnegie Hall, concluyendo en 2015.
En una entrevista, Monk dijo que su música favorita incluye música brasileña, especialmente las grabaciones de Caetano Veloso, la música de Mildred Bailey (""la gran cantante de jazz de los años 30 y 40""), y el ciclo para piano Mikrokosmos de Bartók.
Monk ha ganado numerosos premios, entre ellos un MacArthur Fellowship y el Creative Capital Award en la disciplina de las artes escénicas. Ha recibido títulos honorarios de Doctor en Artes de Bard College, la Universidad de las Artes (Filadelfia), la Juilliard School, el San Francisco Art Institute y el Boston Conservatory. En 1979, se produjo y distribuyó el conjunto de cartas coleccionables Supersisters; una de las tarjetas mostraba el nombre y la imagen de Monk. En 2007, recibió en Italia el Premio internacional Demetrio Stratos para la experimentación musical. El 10 de septiembre de 2015, el presidente de los EE. UU., Barack Obama, le impuso a Monk la Medalla Nacional de las Artes, el más alto honor en los Estados Unidos específicamente otorgado por sus logros en las artes. Monk recibió el premio The Dorothy and Lillian Gish en 2017.
Su música fue utilizada en películas de los hermanos Coen (The Big Lebowski, 1998), Jean-Luc Godard (Nouvelle Vague, 1990 y Notre musique, 2004), y en The Rapture (1991). El artista de hip hop DJ Shadow sampleó Dolmen Music en la canción ""Midnight in a Perfect World”(Endtroducing....., 1995). La cantante francesa Camille rindió un explícito homenaje a Meredith en su canción ""The Monk” (Music Hole, 2008) que recuerda en su construcción el trabajo de Monk.
Mercy es una colaboración de teatro musical entre Meredith Monk y la artista visual Ann Hamilton, descrita como ""una meditación sobre la capacidad humana para extender y retener la compasión, la amabilidad, la empatía y la misericordia"". Se escribió para seis bailarines / vocalistas, dos teclados, percusión, violín e theremin. La música y la coreografía son de Monk, con instalaciones de Hamilton. La concepción, el desarrollo y la dirección fueron compartidos. ¿De qué se trata Mercy ? Quién sabe. Este disco es la parte de solo audio del espectáculo con una nota de trazador de líneas para resolver un poco las cosas. La misericordia representa una hermosa evolución en el trabajo de Monk, con pocas sorpresas y salidas dentro del género único y evocador que ha creado. La música es, en su mayoría, muy tonal en el sentido tradicional y arrulladora de una manera tranquilamente minimalista, aunque reflexiva y tensa, y rara vez deja que caiga en una desatención confortable. La mayoría de los cantos son vocalizaciones puras -desde cantos y cantos líricos hasta susurros y alaridos- intercambiando el sentido flagrante del lenguaje por una experiencia visceral que apunta a algo más profundo y más atávico de lo que el establecimiento de palabras puede lograr. ¿De qué sirve todo esto sin ser testigo de la puesta en escena de Hamilton y la notable danza y movimiento coreografiados por Monk? Lo suficientemente bueno como para disfrutar y merecer la atención total en el ámbito del audio solo, si uno es un fan acérrimo. Simplemente no hay forma de tener una idea de Misericordia sin el elemento visual. La puntuación musical para, digamos, Oklahoma! más o menos capta todo el sentido del espectáculo. Pero Mercy tiene secciones llamadas ""doctor / paciente"" y ""línea 3 y prisionero"", por ejemplo, que casi no tienen ningún significado despojado de los elementos intermedios. Ese es el problema con hacer que el teatro de Monk funcione en discos de solo audio.

Discografía:
Key (Increase Records, 1971 / Lovely Music, 1977 and 1995)
Our Lady of Late (Minona Records, 1973 / wergo, 1986)
Songs from the Hill/Tablet (wergo, 1979)
Dolmen Music (ECM, 1981)
Turtle Dreams (ECM, 1983)
Do You Be (ECM, 1987)
Book of Days (ECM, 1990)
Facing North (ECM, 1992)
Atlas: An Opera in Three Parts (ECM, 1993)
Volcano Songs (ECM, 1997)
Mercy (ECM, 2002)
Impermanence (ECM, 2008)
Beginnings (Tzadik, 2009), compositions from 1966 to 1980
Songs of Ascension (ECM, 2011)
Piano Songs (ECM, 2014)
On Behalf Of Nature (ECM, 2016)


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #967 en: Noviembre 24, 2017, 10:02:18 pm »



Merve Dikerman Erk – Trompet-i Ruhiye (2013)

https://open.spotify.com/album/7i3ja224Cmzmc6fndjWVcv


Merve Dikerman Erk – Trompet-i Ruhiye (2013): Merve Diker Erkmen estudió en el Conservatorio de la Universidad Estatal de Estambul un grado en la sección de música clásica occidental.
El álbum Trumpet-i Ruhiye consta de diez piezas. Nueve de ellas pertenecen a Merve Dikerman Erk. Las preparaciones del álbum fueron hechas en los estudios DoReMinT por Aydın Sarman.
TROMPETA-IR ruhi comienza incrementando la velocidad gradualmente como recordatorio de nuestra vida diaria. Se anima con la siguiente canción ""Rella Rella"", una obra llena de dinamismo y entusiasmo. Rella Rella es una obra original que realmente disfrutarás escuchando. Cuando se trata de la canción ""Passion"", la melancolía es profunda.
Todos los instrumentos del álbum se tocaron y se grabaron en vivo. Trompet-i Ruhiye es un puerto en el que refugiarse para todas las audiencias que están cansadas de los ritmos de los tambores y los efectos artificiales.


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #968 en: Noviembre 24, 2017, 10:03:15 pm »



Meschiya Lake & The Little Big Horns - Foolers' Gold (2013)

https://open.spotify.com/album/6MImUo9E3DQj9Wr75V7I9k


Meschiya Lake & The Little Big Horns - Foolers' Gold (2013): Mirando hacia atrás, no sorprende que cuando una precoz Meschiya Lake de nueve años subió al escenario para un concurso de canto en un asador de la ciudad de Rapid City, Dakota del Sur, ella ya creía que podía defenderse con los mejores. Ella había estado cantando en la casa, y competir contra adultos que pensaban que era ""tierna"" no la intimidaba. Cuando ganó el concurso, que contó con un premio de $ 500 y una actuación semanal como cantante, tuvo sentido que, de una forma u otra, se sentaron las bases para una carrera.
Durante varios años más, cantar por diversión y alegría continuó triunfando sobre la música como vocación para Lake, pero solo tenía poco más de veinte años durante su paso como miembro del Know Nothing Family Zirkus Zideshow and End of the World Circus que mezclaba las artes tradicionales del circo con el entretenimiento moderno de los espectáculos secundarios; que finalmente se dio cuenta de lo que quería hacer siendo adulta.
Pasaron las noches vistiendo disfraces ridículos, comiendo chinches, tragando vidrio y bailando alrededor del escenario mientras giraban nunchucks en llamas. Extraño, ridículo, hermoso y cambiante de vida, era el mejor trabajo que jamás había tenido. Lake estaba fascinada por el estilo de vida nómada y amaba la camaradería entre los actores y la conexión que harían con las audiencias de los pueblos pequeños que no sabían que este tipo de cosas eran posibles.

El cronograma del circo de seis meses encendido, seis meses de descanso en última instancia llevó a Lake a Nueva Orleans por un prolongado período de inactividad. Después de conducir sola durante un día entero para llegar a la ciudad y encontrarse con sus cohortes, Lake se detuvo en el French Quarter para localizar a sus amigos y se sorprendió de inmediato por una abrumadora sensación de atemporalidad. Fue su primera visita, y al igual que cuando tomó un micrófono por primera vez décadas antes, al instante sintió la llamada de la ciudad a cosas que son diferentes, un poco extrañas. Sin querer, ella había regresado a casa.
Eso fue hace más de diez años, y Nueva Orleans ha sido su hogar desde entonces. En 2007 comenzó a cantar con Loose Marbles, un atuendo tradicional de jazz en Royal Street; un año más tarde formó el dúo influenciado por el país Magnolia Beacon con Erika Lewis; en la primavera de 2009 creó la banda de jazz The Little Big Horns.

El CD debut de Little Big Horns, Lucky Devil, presenta a Lake utilizando toda la gama de habilidades vocales y de composición que ha desarrollado a lo largo de los años, y en 2010, David Kunian honró a Lucky Devil en All Things Considered como una de sus álbumes favoritos del año. Su segundo esfuerzo con Little Big Horns, Fooler's Gold, se lanzó en septiembre de 2013 y mezcló la extraordinaria maestría tradicional del jazz que demostró en Lucky Devil con una sensibilidad audaz y contemporánea. Y ahora, con el lanzamiento de Bad Kids Club, su tercer álbum de acertado título, los Little Big Horns se encuentran tomando su bien merecida posición como algunos de los mejores embajadores de Nueva Orleans de jazz tradicional ligeramente retorcido.
Fronting the Big Horns ha llevado a Lake a todo el mundo con paradas en escenarios tan venerables como el Lincoln Center y los principales festivales internacionales en los Estados Unidos, Brasil, Dinamarca, los Países Bajos, Rusia y el Reino Unido. En el camino Lake and the Little Big Horns cosecharon elogios internacionales, incluida la coronación de la Primera Dama de Jazz en el Sun Valley Jazz Festival 2013. Pero lo más importante, en Nueva Orleans, Lake fue reconocida como el Mejor Intérprete del Año durante los tres años consecutivos en los Premios Big Easy, fue nombrada Mejor Cantante Femenina en la encuesta Best of the Beat de la revista Offbeat en 2013 y 2014, y en 2013 Little Big Horns fue honrado con el codiciado premio Best Trad Band de Best of the Beat.
Pero ya sea en el disco o en el escenario, los Little Big Horns son una fuerza a tener en cuenta, un grupo de profesionales experimentados liderados por una intrépida fuerza de la naturaleza en la persona de la Sra. Lake. Ha recorrido un largo camino desde su show de talentos en Dakota del Sur y sus días de circo ambulante, y aún le falta un largo camino por recorrer.



Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #969 en: Noviembre 24, 2017, 10:05:04 pm »



Meshell Ndegeocello - Comet, Come To Me (2014)

https://open.spotify.com/album/7nqQvrEF0jvReFusmaiPtN


Meshell Ndegeocello - Comet, Come To Me (2014, FLAC): Meshell Ndegeocello (nacida Michelle Lynn Johnson el 29 de agosto de 1968) es una cantante, compositora, rapera y bajista. Ella se ha hecho llamar Meshell Suhaila Bashir-Shakur, que se usa como crédito de escritura en algunos de sus últimos trabajos. Su música incorpora una amplia variedad de influencias, incluyendo funk, soul, jazz, hip hop, reggae y rock. Ha recibido importantes elogios de la crítica a lo largo de su carrera, y ha recibido diez nominaciones al Premio Grammy. Se le atribuye el haber ""desatado el movimiento neo-soul"".
Ndegeocello nació Michelle Lynn Johnson en Berlín, Alemania, hija del sargento mayor del ejército y saxofonista Jacques Johnson y de la trabajadora de la salud Helen. Se crió en Washington, DC, donde asistió a la Escuela de Artes Duke Ellington y a la Escuela Secundaria Oxon Hill. En los primeros comunicados de prensa de Maverick Records, su año de nacimiento se incluyó erróneamente en 1969. La fecha de nacimiento de 1968 fue confirmada por un gerente anterior y amigo de toda la vida.
Ndegeocello, que recibió el nombre de Michelle Lynn Johnson al nacer, adoptó su apellido a la edad de 17 años, que dice significa ""libre como un pájaro"" en swahili. La ortografía ha cambiado en las manos de las discográficas varias veces durante su carrera; sin embargo, la ortografía correcta de su nombre artístico es ahora Meshell Ndegeocello.
Ndegeocello perfeccionó sus habilidades en el circuito DC go-go a finales de la década de 1980 con las bandas Prophecy, Little Bennie and the Masters y Rare Essence Intentó sin éxito para el puesto de bajista de Living Color. En solitario, fue una de las primeras artistas en firmar con Maverick Records, donde lanzó su álbum debut, Plantation Lullabies. Esta grabación presentó una persona distintivamente andrógina.
Su mayor éxito es un dúo con John Mellencamp, una versión de Van Morrison ""Wild Night"", que alcanzó el número 3 en las listas de Billboard. Su único otro éxito de Billboard Hot 100 además de ""Wild Night"" ha sido su autodenominado ""If That's Your Boyfriend (No fue la última noche)"", que alcanzó su punto máximo en el número 73 en 1994. También en 1994, Ndegeocello colaboró con Herbie Hancock en ""Nocturnal Sunshine"", una canción para el álbum de compilación de Red Hot Organization, Stolen Moments: Red Hot + Cool. El álbum, destinado a crear conciencia y fondos en apoyo de la epidemia del SIDA en relación con la comunidad afroamericana, fue anunciado como ""Álbum del Año"" por la revista Time.
Ella tuvo un hit número 1 Dance en 1996 con una canción de tapa de Bill Withers llamada ""Who Is He"" (Brevemente presentado en la película Jerry Maguire ) y Dance Top 20 hits con ""Earth"", ""Leviticus: Fagot"", ""Stay"" y el mencionado ""If That's Your Boyfriend.. Last Night)"". Ndegeocello tocó el bajo en la canción ""I'd Rather be Your Lover"" para Madonna en su álbum Bedtime Stories. Ndegeocello también fue aprovechada, en el último minuto, para realizar un rap en la misma canción. Esto vino después de que Madonna y los productores decidieran eliminar Tupac Shakur El rap (que hizo mientras él y Madonna estaban saliendo en 1994), después de que se presentaron cargos criminales contra él. Ndegeocello también interpretó un rap en el single de Chaka Khan ""Never Miss the Water"", del álbum Epiphany: The Best of Chaka Khan, Vol. 1. 1, lanzado en 1996.
Su música ha aparecido en varias bandas sonoras de películas incluyendo  How Stella Got Her Groove Back, Lost & Delirious, Batman & Robin, Love Jones, Love & Basketball, Talk to Me, Tyler Perry's Daddy's Little Girls, The Best Man, Higher Learning, Down in the Delta, The Hurricane, Noah's Arc: Jumping the Broom, and Soul Men.
Ha aparecido en grabaciones de Basement Jaxx, Indigo Girls, Scritti Politti y The Blind Boys of Alabama. En el álbum de The Rolling Stones 1997, Bridges to Babylon, toca el bajo en la canción ""Saint of Me"". En el álbum de Alanis Morissette de 2002 Under Rug Swept, ella toca el bajo en las canciones ""So Unsexy"" y ""You Owe Me Nothing in Return"". En el álbum ReCreation (2009) de Zap Mama, toca el bajo en la canción ""African Diamond"".
También se la puede ver en el documental Standing in the Shadows of Motown, cantando ""You've Really Got a Hold on Me"" de The Miracles y ""Cloud Nine"" de The Temptations. A finales de la década de 1990, realizó una gira con Lilith Fair. También hizo un remake de la canción ""Two Doors Down"" en el lanzamiento de 2003 Just Because I'm A Woman: The Songs of Dolly Parton.
En 2016 proporcionó la canción ""Nova"" para el espectáculo producido por Oprah Winfrey Queen Sugar.
En diciembre de 2016, el estreno mundial de Ndegeocello's Can I Get a Witness? El Evangelio de James Baldwin, una nueva obra teatral de música y arte fue lanzada en Harlem, Nueva York.
En 2002, Ndegeocello colaboró con Yerba Buena en una canción que presentaba a Ron Black para el álbum tributo de Red Hot Organization a Fela Kuti, Red Hot y Riot. Las ganancias del álbum fueron a varias organizaciones benéficas contra el SIDA, según la misión de Red Hot Organization.
En 2010, Ndegeocello contribuyó a la antología de ensayo It Gets Better: Coming Out, Overcoming Bullying, y Creating a Life Worth Living, editado por Dan Savage y Terry Miller en la línea del It Gets Better Project.
Ndegeocello es bisexual y anteriormente tuvo una relación con la autora feminista Rebecca Walker. El primer hijo de Ndegeocello, Solomon, nació en 1989. A partir de 2011 había estado casada con Alison Riley durante cinco años, con quien tiene un segundo hijo.


Nada más por hoy. Que las disfrutéis.

Saludos

Luisma

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #970 en: Noviembre 26, 2017, 06:22:48 pm »
Buenas tardes compañeros:

Os traigo una cuantas voces femeninas de jazz contemporáneo.

Sigo con la M:




Meta Roos - Meta Sings Ella (2007)

https://open.spotify.com/album/2gl3f1Pz1cdtoumB6xKXpB


Meta Roos - Meta Sings Ella (2007): BUEN DISCO. Wiveca Margaret ""Meta"" Roos, nacida el 23 de febrero de 1954 en Boda en Dalarna, es una cantante de jazz sueca y artista de revista.
Meta Roos nació y creció en Boda Kyrkby en la parroquia de Boda, Dalarna, pero vive desde 2002 en el condado de Bålsta Uppsala. Debutó a la edad de dieciséis años cuando comenzó a cantar con varias bandas de baile en Dalarna, el mayor éxito que logró con Nippe Sylwéns Band. Desde 1984, se ganó la vida como artista a tiempo completo. En la década de 1980, cantó en una orquesta de baile de Rose Band que se hizo popular en toda Europa.
Roos jugó un espectáculo de Año Nuevo en Borlänge y vino unos años más tarde Peter Flack en Örebro, donde actuó en cuatro revistas.
Meta Roos ha actuado como cantante en varias películas, su debut fue en 1994. Cantó el tema musical Un mundo lleno de vida en la película de Walt Disney El Rey León, e hizo la voz materna de Vesslas en The Animals of Farthing Wood. Ella ha cantado con varias grandes bandas famosas en Suecia y realizó una gira con su propio programa Mi vida como cantante. Meta Roos también es muy conocido por el popular programa de radio Tele Chip Arna.
En 1988, Meta recibió la beca Ulla Billqvist, y unos años más tarde debutó en la película ""1939"" como cantante. Meta, conducida por una curiosidad increíble quería probar nuevos retos, por lo que su amigo Åke Strömmer la recomendó a revistas Peter Flacks. Fue un éxito, y Meta fue incluida en los cuatro conjuntos de revistas. Allí, Meta también tuvo la oportunidad de mostrar su talento cómico. Meta Roos ha trabajado como cantante a tiempo completo durante más de veinte años.
La lista de todos los músicos con talento y colegas de canciones que Meta reunió es interminable, incluyendo: Solista de Claes Cronas trío, Trio X (Uppsala), Georgie Fame, Kjell Öhman, runa Gustavsson, Putte Wickman, Arne Domnérus, Svante Turesson, hayati Kafe, Roger Pontare, Anders Berglund, Pierre Sward, Verre Ulf Johansson, Jan Ottesen y Jörgen Smeby.
En la primavera de 2003, lanzó el CD ""Soft Winds"".
En 2007 estrena ""Meta Sings Ella""
En 2008 Meta fue galardonada con el Premio Anita O'Day.
En 2009 fue otorgado a Meta la beca Monica Zetterlund.
2011 Estreno de' Viveca Margareta Meta 27"" por sus 25 años en el escenario.





Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #971 en: Noviembre 26, 2017, 06:23:59 pm »



Metaharmoniks – Butterfly (2013)

https://open.spotify.com/album/04Epyr9Q2CsBguU8sFyINE


Metaharmoniks – Butterfly (2013): ELECTRONICA. SIN INFORMACION. El grupo se formó en 2009, como un proyecto piloto conceptual. Metaharmoniks no se adhiere a un cierto estilo musical, "solo queremos mostrarle a la gente la visión de la música sin formatear, mezclando sonidos absolutamente diferentes, estilos absolutamente distintos".

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #972 en: Noviembre 26, 2017, 06:24:51 pm »


Metropolitan (Beate S. Lech) - Love Is Blind (2004)

https://open.spotify.com/album/02Gqq2e5HXGEd2Xhv1Og6R


Metropolitan (Beate S. Lech) - Love Is Blind (2004): Beate Slettevoll Lech (nacida el 10 de abril de 1974 en Volda, More og Romsdal, Noruega) es una cantante de jazz noruega, compositora y letrista en el jazz moderno y la música relacionada, criada en Ovre Ardal, Sogn og Fjordane. Creció en Volda, More og Romsdal como hija del violinista de jazz polaco Zdzislaw Lech, conocido por bandas como ""Folk & Rovere"", la banda de Jon Eberson Metropolitan (dos álbumes y su aparición en Moldejazz 1999) y Beady Belle con su marido jazz el bajista Marius Reksjo, y ha llamado la atención en conciertos internacionales.
Lech es graduada de la Universidad de Oslo y Norges Musikkhogskole en Oslo. Ha colaborado con músicos como Bugge Wesseltoft. En el álbum en solitario Min Song Og Hjarteskatt (2011), muestra su estrecha relación con himnos y canciones populares, y su fuerte deseo de hacer visibles voces femeninas en este ámbito dominado por hombres. Con la ayuda de las letristas Marit Kaldhol, Hilde Myklebust y Bente Bratlund, y poemas de su difunta abuela, presenta este álbum lírico junto con los músicos Marius Reksjo (bajo), Erlend Slettevoll (piano), David Wallumr? D (teclados), Knut Alefjor (batería) y Georg Riedel (contrabajo).
En el disco que os cito colabora con Morten Halle y Jon Eberson componentes del trio Metropolitan que también ha publicado un álbum homónimo en 1999.

« última modificación: Noviembre 26, 2017, 11:44:08 pm por Luisma »

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #973 en: Noviembre 26, 2017, 06:26:16 pm »



Mette Juul - Coming In From The Dark (2010)

https://open.spotify.com/album/7DeE5Yw2yYeor0UNejH2pf


Mette Juul - Coming In From The Dark (2010): GRAN DISCO. Mette Juul creció en la pequeña ciudad danesa de Hornsyld.
Desde muy temprana edad, cantar y escribir canciones se convirtió en una parte natural de la vida de Juul.
Obtuvo su título de The Rhythmic Music Conservatory en Copenhague.
Mette Juul ha realizado giras internacionales desde 2007.
En 2007, Mette Juul ganó el Concurso Internacional de Jartistas en Tallin, en el que participaron 12 cantantes de 8 países y recibió como premio actuar para muchos festivales internacionales de jazz. Ella apareció dos veces en mm. Pori Jazze y Turku Jazze. También ha tenido tiempo para actuar en otros escenarios internacionales como París, Nueva York y Estambul. Está constantemente presente especialmente en el área de Copenhague, pero también en muchos festivales de Jazz, con su propia banda y con otros artistas como solista. También canta solo con su guitarra y hace actuaciones de dúo.
El CD que os cito lo forman cinco de las doce canciones del álbum propias, seis estándares de jazz de moda que han llegado a interpretar estrellas como Chet Baker, Billie Holiday y Dinah Washington. El álbum también presenta una Bossanova lenta, la composición de Bruno Marinon, ""Estate"".
Pone su propia habilidad para cantar fácilmente sin tocar. Su forma natural y delicada de aparecer crea una atmósfera cálida e íntima para los oyentes, que fascina. Además de un buen rendimiento, su canción es clara y está inspirada en la capacidad inherente y el deseo de crear una relación relajada pero profunda con sus oyentes. Ella tiene la voz brillante y amplia, la presentación liberada y atractiva, por lo que el placer de escuchar está garantizado.
En este nuevo álbum, colaboran el baterista Alex Riel, que ha sido reconocido por los círculos de jazz durante décadas. El bajista Jesper Lundgaard que hizo su debut a mediados de la década de 1970 y ha aparecido en cientos de grabaciones. También hay dos invitados en el álbum, de los cuales el trompetista Palle Mikkelborg también es miembro de los concursantes de jazz (su carrera comenzó a principios de la década de 1960), y el otro visitante, el guitarrista Poul Halberg, solo está involucrado con el álbum ""I Wish You Love"" , donde la obra de Poul aporta sentimentalismo basado en el blues a la canción de Metten. Se siente bien para la canción de Metten de una manera armoniosa.
Todas las canciones están dedicadas a la lentitud y la atmósfera, con el contenido del amor, la unión, la cercanía, el miedo a la perseverancia, la soledad y los sueños del futuro. La cercanía de la naturaleza a las canciones también es clara y poderosa, la oscuridad, los vientos tempestuosos de la tormenta, la luna en el cielo, la lluvia, la nieve y la primavera. La canción de Mette te lleva a estos paisajes, con gran emoción y devoción. Es un gran debut para esta joven compositora.
Mette Juul , canción y guitarra; Alex Riel , batería; Heine Hansen , piano; Jesper Lundgaard , bajo; Visitantes: Palle Mikkelborg , trompeta (pistas 2, 5 y 9); Poul Halberg , guitarra (pista 12)
Mette Juul lanzó su segundo álbum ""Moon On My Shoulder"" en 2012 con el trompetista Ambrose Akinmusire, Lars Danielsson - bajo, Morten Lund - batería y Nikolaj Hess - piano.
Mette Juul lanzó su tercer álbum ""There is a Song"" el 18 de septiembre de 2015 en Universal Music Group. Música de Mette Juul, grabada con el pianista danés Nikolaj Hess, el trompetista Ambrose Akinmusire, el baterista Rodney Green, Joe Sanders al bajo y Mike Moreno a la guitarra.


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #974 en: Noviembre 26, 2017, 06:28:18 pm »


Michael Gamble & The Rhythm Serenaders (Laura Windley) - Michael Gamble & the Rhythm Serenaders (2016)

https://open.spotify.com/album/1BUVfExPZF2QlmbVgPo0bi


Michael Gamble & The Rhythm Serenaders (Laura Windley) - Michael Gamble & the Rhythm Serenaders (2016): DISCO 5 ESTRELLAS. MUCHO SWING. Aunque de esta voz ya hemos hablado en su momento y en este disco no se deja escuchar mucho, el disco y el grupo son tan divertidos que no he podido dejar de citarlo. Nada profundo o inescrutable aquí, simplemente un buen swing, limpio y apetitoso servido con gusto por el bajista Michael Gamble y los Rhythm Serenaders. Si bien el tamaño y la composición del grupo varía de una pista a otra, no hay duda de que todos en el local están en el estado de ánimo adecuado y totalmente en sintonía con el propósito de Gamble, que es dejar al oyente sonriendo ampliamente y moviendo sus pies.
El álbum fue grabado en el Isis Music Hall en Asheville, NC (la etiqueta no dice en qué año) durante el anual Lindy Focusfestival de swing, baile y música, del cual Gamble es el propietario. Como tal, pudo enlistar a algunos de los músicos de swing más importantes del país para formar parte de la empresa. Juntos transportan al oyente a una época anterior en la que swing realmente era el rey, presentando una variedad de música que entrelaza los principios básicos de la Era del Swing con una serie de composiciones originales que transmiten el espíritu de la época.
Benny Goodman, Count Basie, Billie Holiday, Charlie Christian, Sweets Edison, Ben Webster y Roy Eldridge están representados, al igual que Gus Kahn, Al Jolson, Irving Berlin, Bert Kalmar / Harry Ruby y Jerome Kern. Holiday's ""Fine and Mellow"" es interpretada por Laura Windley, al igual que ""Back in Your Own Back Yard"", el raro pero encantador ""He Is not Got Rhythm"" de Berlín, y ""What a Night, What a Moon, What a Boy"", y hay voces del baterista convertido en cantante Russ Wilson en ""There'll Be Some Changes Made"" y ""Who's Sorry Now"". Están bien, comparables a lo que uno podría haber escuchado de los cantantes de la banda durante la verdadera Era Swing.
El resto de los sidemen son igualmente eficientes. Gamble y el clarinetista / saxofonista Keenan McKenzie actúan en cada número mientras los otros se alternan: los bateristas Wilson y Josh Collazo, Craig Gildner y James Posedel. El guitarrista Jonathan Stout toca en todos menos dos temas, el guitarrista rítmico Brooks Prumo en diez, mientras que Paul Cosentino dobla el tamaño de la sección de lengüeta en una docena. Las bandas Swing también tenían solistas, y los Serenaders no son la excepción, con breves pero atractivas declaraciones a lo largo del camino por trompeta, clarinete, saxofón, trombón, guitarra y piano. Como se señaló, todos están pasando un buen rato, y también deberían hacerlo los que sintonicen las Rhythm Serenaders.
Michael Gamble y los Rhythm Serenaders son un conjunto de swing duro y estilísticamente fiel creado en el molde de la banda de baile de finales de los años 30 y principios de los 40. Su sonido se caracteriza por una agresiva sensación de cuatro tiempos, arreglos gruesos y de cuerno riffy, y un cancionero ecléctico que toca lo dulce y lo sentimental así como lo caliente y lo molesto. Normalmente, la banda toca como sexteto u octeto, y cada versión del grupo explora diferentes avenidas del repertorio clásico.
El Sexteto se especializa en transcripciones cuidadosas y sutiles adaptaciones del Sexteto de Benny Goodman, con incursiones reflexivas en los pequeños combos Duke Ellington, Count Basie y Artie Shaw. Los muchos sidemen famosos y ex alumnos de esas diversas bandas también reciben mucho amor. Con Laura Windley en la voz, la banda también explora el maravilloso cancionero dejado por Billie Holiday durante sus años con Brunswick, donde ella y Teddy Wilson reunieron a algunos de los músicos más duros para darle vida a algunas de las mejores canciones pop jamás escritas.
El octeto realiza arreglos que fueron popularizados no por las grandes orquestas o pequeños combos, sino por los muchos conjuntos medianos que funcionaron durante el tiempo como los dirigidos por Fletcher Henderson, Coleman Hawkins All Stars, varios grupos secundarios de Duke Ellington y Lionel Hampton, las orquestas Dickie Wells y Willie Bryant, y más. Desentierran material que será instantáneamente familiar para los aficionados a la música vintage y bailarines de swing, incluso si nunca llegaron a las compilaciones de Greatest Hits.
Los más de 15 años de Bandleader Michael Gamble en la escena internacional del swing informan todos los aspectos del repertorio y el gusto de la banda.
Otra Publicación: Get Rhythm In Your Feet "
« última modificación: Noviembre 26, 2017, 11:43:03 pm por Luisma »