Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo

[Luisma]

Quatuor Ebene (Stacey Kent & Bernard Lavilliers) - Brazil (Edition Studio Masters) (2014)

https://open.spotify.com/album/4ZfijPsvkBtwZWiGScdvOs

https://listen.tidal.com/album/68735660


Quatour Ebene (Ébène Quartet) es "un cuarteto de cuerda que puede transformarse fácilmente en una banda de jazz", escribió el New York Times después de una actuación de Quatuor Ebene en 2009. El conjunto abrió con Debussy y Haydn y luego improvisó sobre un tema de música de cine con exactamente el mismo entusiasmo y pasión.

Lo que comenzó en 1999 como una distracción en las salas de práctica de la universidad para los cuatro jóvenes músicos franceses se ha convertido en una marca registrada del Cuarteto Ebène, y ha generado reverberaciones duraderas en la escena musical. Los cuatro respiran una nueva vida en la música de cámara a través de su perspectiva directa y de mente abierta sobre las obras. Independientemente del género, abordan la música con humildad y respeto. Cambian su estilo y, sin embargo, se mantienen a sí mismos, con su pasión y su experiencia, y llevan al escenario y a sus audiencias directa y auténticamente.

No hay una palabra que describa su estilo: han creado el suyo propio. Su repertorio tradicional no incluye su compromiso con género alguno; más bien, su asociación libre con varios estilos trae una emoción productiva a su música. Desde el principio, la complejidad de su trabajo ha sido recibida con entusiasmo por el público y la crítica.

Después de los estudios con el Cuarteto Ysaÿe en París y con Gábor Takács, Eberhard Feltz y György Kurtág, el cuarteto alcanzaba una victoria sin precedentes en el Concurso de Música de la ARD en 2004. Esto marcó el comienzo de su ascenso, que ha culminado con numerosos premios y distinciones.

Los conciertos del Ebony Quartet están marcados por un aura especial. Con su juego carismático, su nuevo enfoque de la tradición y su compromiso abierto con las nuevas formas, los músicos han tenido éxito en llegar a una amplia audiencia de jóvenes oyentes; comunican sus conocimientos en clases magistrales regulares en el Conservatorio de París.

El cuarteto fue uno de los ganadores del Borletti-Buitoni Trust en 2007 y recibió el apoyo del BBT entre 2007 y 2017.
En 2005, el conjunto ganó el Premio Belmont de la Fundación Forberg-Schneider. Desde entonces, la Fundación ha estado trabajando en estrecha colaboración con los músicos, que actúan con instrumentos elegidos por Gabriele Forberg-Schneider desde 2009. Pierre Colombet: Violín de Francesco Rugeri, Cremona (ca.1680) / Arco de Charles Tourte (París, siglo XIX). Gabriel el Magadure: violín con una etiqueta Guarneri (mediados del siglo XVIII) / Bow de Dominique Pecatte (ca.1845). Raphael Merlin: Violoncello por Andrea Guarneri, Cremona (1666/1680).

Los CDs de Quatuor Ebène, con grabaciones de música de Haydn, Bartók, Debussy, Fauré, Mozart y los hermanos Mendelssohn han ganado numerosos premios, incluido el Gramophone Award, el ECHO Klassik, el BBC Music Magazine Award y el Midern Classic Award.

Su álbum de 2010 ‘Fiction’ con arreglos de jazz, ha consolidado su posición única en la escena de la música de cámara, así como su CD crossover 2014 ‘Brazil’, una colaboración con Stacey Kent, y su reciente grabación con Michel Portal, ‘Eternal Stories’ (Mai 2017).
En otoño de 2014, Erato lanzó ‘A 90th Birthday Celebration’, una grabación en vivo (en CD y DVD) del concierto de celebración de cumpleaños de Menahem Presslers con el Quatour Ebène en París. En 2015/2016 los músicos colaboraron con Philippe Jaroussky para el CD ""Green (Mélodies françaises)"", que ganó el Premio de la revista de la BBC Music 2016 y publicó un CD de Schubert. Por un lado, incluye Lieder, grabado con Mathias Goerne (arreglado para cuarteto de cuerda, barítono y bajo por Raphël Merlin) y, por otro lado, el quintett de cuerda, grabado con Gautier Capuçon.

El repertorio clásico fundamental para el cuarteto de cuerda seguirá siendo una piedra angular: esta temporada, el Quatuor Ebène se centrará en los cuartetos de cuerdas de Ludwig van Beethoven. El cuarteto de hecho presentará el ciclo completo de Beethoven en 2020 para su vigésimo cumpleaños, así como para el 250° aniversario del compositor.

 En la temporada 2017/2018, el Quatuor Ebène actuará en la Filarmónica de Berlín, el Palais des Beaux-Arts de Bruselas, la Philharmonie de Paris, el Wiener Konzerthaus, el Stockholms Konserthus y el Carnegie Hall de Nueva York (entre otros) y en festivales como el Musikfest Bremen y el Verbier Festival.
 Como nota local el cuarteto colaboró con Luz Casal, en su disco “Un ramo de rosasâ€�. Ver la canción 09. Amado Mío (Featuring – Quatuor Ebène)

En el álbum que os cito el Ébène Quartet, está Brasil como nunca antes lo habías escuchado. Siguiendo su aclamado álbum de fusión Jazz / rock / pop ‘Fiction’ (uno de los mejores álbumes de NPR, todos los géneros 2011), el Ébène Quartet ha mezclado bossa nova y samba, transformado en un cóctel de ritmos y melodías de una amplia gama de culturas, países y tradiciones musicales. La música incluye la partitura de la película de Terry Gilliam, Brasil, el tango argentino de 1985 y números de una variedad de escritores de canciones como Stevie Wonder, Sting y Charlie Chaplin. Uniéndose al Ébène Quartet para agregar aún más picante a un álbum ya estelar son el cantante y compositor francés Bernard Lavilliers y la elegante cantante estadounidense de jazz Stacey Kent, a la que nos referiremos más detenidamente en su espacio correspondiente.

Este álbum es intensamente musical y un tanto mágico, que reúne a la maravillosa vocalista de jazz Stacey Kent y su impecable saxofonista Jim Tomlinson, al cantante francés Bernard Lavilliers, al brasileño Marcos Valle, al excelente cuarteto de cuerdas Quatuor Ebene y otros excelentes músicos. Las canciones son eclécticas, atractivas, mezclando francés, portugués, inglés, jazz, MPB, chanson, compositores de Marcos Valle a Sting, de Lavalliers a Astor Piazolla, de Ary Barroso a Hermeto Pascoal. Todos magníficamente realizados y grabados. Es una especie de jazz que se encuentra con Brasil, se encuentra con Francia y con un cuarteto de cuerdas. Hay que escucharlo; difícil de describir la sinergia musical que estos artistas creativos han producido.

Discografía:

• Quatuor Ébène - Schubert Quintet and Lieder (2016) (Clasica)
• Menahem Pressler / Quatuor Ebène - A 90th Birthday Celebration: Live in Paris (2014) (Clásica)
• Quatuor Ebène & guest - Brazil (2014)
• Quatuor Ebene - Felix & Fanny Mendelssohn (2013) (Clasica)
• Quatuor Ebene - Fiction (2010)

[Luisma]

Queen Esther Marrow & The Harlem Gospel Singers (1994)

https://open.spotify.com/album/1gWbXK2Aze2yQaRdxWsnBB

https://listen.tidal.com/album/57738806


Queen Esther Marrow nació el 12 de febrero de 1941 en Newport News, Virginia. Comenzó su carrera a la edad de 22 años, cuando su talento vocal fue descubierto por Duke Ellington, e hizo su debut como artista destacada en su gira mundial ""Sacred Concert"". Marrow y Ellington hicieron una larga amistad durante los siguientes cuatro años mientras viajaban juntos. Desde entonces, Queen ha actuado con grandes músicos como Lena Horne, Ella Fitzgerald, BB King, Ray Charles, Thelonious Monk, Chick Corea y Bob Dylan.

En 1965, se instaló activamente en el movimiento de los derechos civiles, cuando actuó en el Dr. Martin Luther King‘s World Crusade. Allí conoció a su ídolo de por vida Mahalia Jackson, con quien más tarde compartiría el escenario. Otros activistas políticos en la cruzada fueron Jesse Jackson, Sidney Poitier y el Dr. Ralph Abernathy.

Marrow también participó en teatro musical, jazz, televisión y cine. Interpretó a Auntie 'Em en Broadway en The Wiz, y apareció en varios otros espectáculos de Broadway, incluyendo Comin' Uptown, Nice To Be Civilized, y protagonizó su ídolo Mahalia Jackson en la gira nacional de Sing Mahalia Sing, dirigida por George Faison. Marrow apareció en la película de Motown, The Last Dragon, producida por Berry Gordy. Sus numerosas apariciones en televisión han oscilado entre lo serio y lo cómico. Incluyen a Duke Ellington: The Music Lives On, como la madre de Oscar the Grouch en Sesame Streeten PBS y Nueva York a París con The Harlem Gospel Singers.

En 1990, un sueño de Marrow se hizo realidad cuando Truly Blessed, un musical sobre Mahalia Jackson escrito y protagonizado por la Reina Esther, fue visto en San Francisco, Washington, DC y en la ciudad de Nueva York en Broadway. El musical recibió tres nominaciones a Helen Hayes, incluida la Best New Play.

Marrow ha actuado para los ex presidentes Ronald Reagan, George HW Bush y Bill Clinton. Cantó en el Vaticano para el Papa Juan Pablo II varias veces.

Más recientemente, fundó The Harlem Gospel Singers, un grupo de gospel itinerante internacional. El grupo con su popularidad en su punto más alto hizo historia el 7 de julio de 1998, como el único grupo de gospel que alguna vez realizó el Grand Evenement du Maurier (gran evento) en el Festival de Jazz de Montreal, atrayendo a más de 100,000 espectadores en su audiencia.

Discografía:

• 1971: Newport News, Virginia
• 1972: Sister Woman
• 1994: Queen Esther Marrow & the Harlem Gospel Singers
• 1999: Live in Paris
• 2000: Harlem Gospel Singers with Queen Esther Marrow
• 2002: God Cares

[Luisma]

Queen Latifah - The Dana Owens Album (2004)

https://open.spotify.com/album/7N3B5OpUFMTiE7eLHK69CT


GRAN VOZ. Queen Latifah ciertamente no fue la primera rapera, pero fue la primera en convertirse en una estrella. Tenía más carisma que sus predecesores, y su persona fuerte, inteligente y sensata la convirtió en la primera MC que podría describirse como feminista. Su tercer álbum, ‘Black Reign’, fue el primer álbum de una MC femenina que se convirtió en oro, un avance comercial que allanó el camino para que una talentosa banda de mujeres raperas hiciera su propio camino a medida que avanzaban los '90. Pronto se ramificó en otros medios, apareciendo en películas y comedias de situación e incluso presentando su propio programa de entrevistas. Sin embargo, incluso con todo el tiempo que pasó fuera de la grabación, se mantuvo como la mujer más reconocible en el hip-hop, con un nivel de respeto que rayaba en el estatus icónico.
Queen Latifah, nacida Dana Owens en Newark, Nueva Jersey, el 18 de marzo de 1970; su primo musulmán le dio el sobrenombre de Latifah, una palabra árabe que significa ""delicada"" o ""sensible"", cuando tenía ocho años. Cuando era joven, protagonizó la producción de su escuela secundaria “The Wiz�, y comenzó a rapear en la escuela secundaria con un grupo llamado “Ladies Fresh�. En la universidad, adoptó el nombre de Queen Latifah y se conectó con las lenguas nativas de Afrika Bambaataa colectivo, que buscaba traer una conciencia Afrocéntrica más positiva al hip-hop.
Grabó una demo que le consiguió un contrato discográfico con Tommy Boy, y lanzó su primer sencillo, ""Wrath of My Madness"", en 1988; fue seguido por ""Dance for Me"". En 1989, el debut de Latifah, ‘All Hail the Queen’, fue lanzado a críticas muy favorables, y el single clásico ""Ladies First"" la llevó al público hip-hop. Además del hip-hop, el álbum también encontró a Latifah incursionando en R & B, reggae y house, y haciendo duetings con KRS-One y De La Soul. Latifah Inició rápidamente una empresa de gestión, Flavor Unit Entertainment, y fue responsable de descubrir Naughty by Nature. Su álbum de segundo año de 1991, la más ligera ‘Nature of a Sista’, no fue tan popular, y cuando su contrato con Tommy Boy terminó, la etiqueta decidió no volver a firmarla. Desafortunadamente, las cosas empeoraron a partir de ahí, ella fue víctima de un robo de autos, y su hermano Lance falleció en un accidente de motocicleta.

Latifah resurgió con un nuevo sentido de propósito y se aseguró un acuerdo con Motown, editando ‘Black Reign’ en 1993. Dedicado a su hermano, se convirtió en su álbum más popular, con el tiempo se convirtió en oro; también presentó su single más exitoso, ""UNITY"", que llegó al R & B Top Ten y ganó un Grammy por Mejor actuación de solo rap.
En este punto, Latifah ya había comenzado su carrera como actriz, apareciendo en “Jungle� “Fever�, “House Party 2� y “Juice�, así como en la serie de televisión “The Fresh Prince of Bel Air�. En 1993, fue elegida para coprotagonizar la serie de comedia de Fox Living Single, que funcionó hasta 1997; durante ese período, actuar fue su enfoque principal, y también coprotagonizó como ladrón de bancos en la película de 1996 “Set It Off�. Ese mismo año, Latifah fue detenida por exceso de velocidad y fue arrestada cuando se descubrió un arma cargada y marihuana en su vehículo; ella se declaró culpable de los cargos y fue multada.

Después de que Living Single fuera cancelado en 1997, Latifah regresó al estudio de grabación y finalmente comenzó a trabajar en su cuarto álbum. ‘Order in the Court’ se lanzó en 1998 y descubrió que interpretó los elementos de R & B de su sonido de una manera que llevó a algunos críticos a compararla a Missy Elliott; tomó más voces cantadas, y también a dúo con Faith Evans y Fugees' Pras. El álbum se vendió respetablemente bien con la soltura de los singles ""Bananas (Who You Gonna Call?)"" Y ""Paper"". El mismo año, apareció en las películas “Sphere� y “Living Out Loud�, cantando varios estándares de jazz en este último.
El “Queen Latifah Show�, un programa de entrevistas diurno, debutó en 1999 y se lanzó en sindicación hasta 2001. En noviembre de 2002, Latifah volvió a tener problemas con la ley; la detuvo la policía y no pasó la prueba de alcoholemia, y fue sometida a tres años de libertad condicional después de declararse culpable de los cargos. Sin embargo, este percance fue eclipsado por su actuación en el aclamado musical Chicago, que obtuvo sus nominaciones a Mejor Actriz de Reparto tanto del Screen Actors Guild como de los Golden Globes.
En 2004, lanzó ‘The Dana Owens Album’, el álbum que auí os cito, una colección diversa de covers e interpretaciones, desde ""Hard Times"" de Dr. Buzzard's Original Savannah Band hasta ""Lush Life"" de Billy Strayhorn, que resaltaban sus habilidades para el canto en lugar de su rap. ‘Trav'lin 'Light’ siguió con un formato similar en 2007, desde Pointer Sisters hasta Shirley Horn, con apariciones especiales de Joe Sample, George Duke, Erykah Badu y Jill Scott. Durante los años transcurridos entre los lanzamientos, actuó en varias películas, incluidas “Taxi�, “Beauty Shop�, “Last Holiday� y “Hairspray�. En 2009, lanzó ‘Persona’ lleno de estrellas, un álbum con sabor pop producido por Cool & Dre.

Discografía:

• All Hail The Queen - 1989 
• Nature Of A Sista' - 1991 
• Black Reign - 1993 
• Order In The Court - 1998 
• The Unit Featuring Queen Latifah - 100% Hater Proof ‎- 2002 
• The Dana Owens Album - 2004 
• Trav'lin' Light - 2007 
• Persona - 2009

[Luisma]

Quercus (June Tabor) - Nightfall (2017)

https://open.spotify.com/album/6STZZQYlI2cjm2ZuIquaCT

https://listen.tidal.com/album/79937181


Puede haber llevado siete años para que el innovador trío británico con la cantante June Tabor, el saxofonista Iain Ballamy y el pianista Huw Warren encuentren un sello y lanzan su primer álbum juntos, pero seguro que mereció la pena. No solo fue el debut del trío en 2013, ‘Quercus’, lanzado en el famoso sello ECM; también fue recibido con entusiasmo tanto por la crítica como por los aficionados. Es una muy buena noticia que el trío, después de su debut en ECM, haya logrado lanzar Nightfall apenas 17 meses después de su grabación en vivo en Cooper Hall en Frome, una pequeña ciudad en el suroeste de Inglaterra.

Y es un buen álbum, que representa una evolución inevitable y consecuente del lenguaje que se insinuó por primera vez en Tabor's At the Wood's Heart (Tema), su décimo álbum que trabaja con Warren pero el primero con Ballamy y, sin duda, la sesión donde las semillas de Quercus se sembraron por primera vez.

Que Quercus haya sido tan bien recibido, por supuesto, no es una sorpresa para cualquiera que haya tenido la suerte de ver a este trío en sus primeros años. Trayendo el tradicionalismo británico junto con exploraciones de improvisación que empujan las fronteras de cada canción sin dejar de ser fiel a su corazón, el rendimiento del trío en 2007en Kristiansand, el Festival Punkt de Noruega fue una confluencia profunda, oscura y hermosa de músicas dispares e ideas interpretativas que, en teoría, podrían parecer incongruentes pero, en manos de Tabor, Ballamy y Warren, plantearon claramente una sintaxis musical nueva y eminentemente seductora.

Una antigua favorita de la escena folclórica británica, con una voz sombría, de bajo registro y distribución escasa que se ha vuelto más común con el paso de los años, Tabor se ha extendido más allá de los confines expansivos de la música tradicional con una discografía que va desde la más sombría atmósfera de ‘Abyssinians’ de 1983 (Shanachie) y ‘Silly Sisters’ (Shanachie, 1976), a álbumes enfocados en estándares de jazz y el Great American Songbook, como ‘Some Other Time’ (Hannibal, 1991) ... todos preparando a Tabor para el surgimiento de Quercus, donde Warren y Ballamy llevan la entrega característica de la cantante, sutilmente embellecida y fiel (para su propia concepción) a un terreno inesperado.

Que Tabor rechaza rotundamente el material que no resuena profundamente dentro de ella, solo significa que, sin importar las fuentes musicales sobre las que dibuje el trío, todo lo que ella decida cantar resuena con una verosimilitud infalible. El hecho de que en gran parte abandone las incursiones de improvisación de Ballamy y Warren no significa, sin embargo, que haya una falta de interpretación (o previsibilidad) en su entrega; muy por el contrario, nunca ha habido una presentación de ""Auld Lang Syne"", la canción más común, cantada en muchos países del mundo al comienzo del año nuevo, como el primer concierto de Nightfall, significativamente re-armonizada por Warren y Ballamy, pero también presenta una melodía vocal sustancialmente alterada.

""Once I loved you Dear (The Irish Girl)"" puede sentirse más firmemente alineada con sus raíces tradicionales, adhiriéndose más estrictamente a la forma que en otras pistas, donde Warren y Ballamy vuelan en direcciones completamente inesperadas, solo para ser traídas por la siempre fiel Tabor, pero el patrón repetido y ascendente de tres acordes que actúa tanto como un puente entre los versos como un punto de partida para una interacción conversacional entre el pianista y el saxofonista es claramente parte del arreglo creado por los tres músicos.

Y esa es una diferencia notable entre ‘Quercus’ y ‘Nightfall’. Al igual que su predecesor, ‘Nightfall’ tiene algunas canciones que no están organizadas específicamente: un estándar de jazz (""You Don't Know What Love Is""); una canción de Great American Songbook (""Somewhere"", de West Side Story ); una canción de Bob Dylan (""Do not Think Twice It's Alright"") y una instrumental de Warren (la elegíacamente lírica ""Christchurch"", que, en cierto modo, podría haber venido de la pluma del compañero de sello Ralph Towner) y Ballamy (el ambiente más ahumado y de última hora de la noche de ""Emmeline""), pero cada uno de ellos están acreditados como un arreglo grupal. Con la identidad de Quercus cada vez más establecida a través de giras, la tendencia es convertirse en un triángulo más equilátero desde la concepción hasta la ejecución, con ideas de acuerdo provenientes de todas las direcciones.

Con proyectos entre ellos, Warren y Ballamy son los socios ideales para las interpretaciones vocales fieles pero distintivas de Tabor, aportando verdad y profundidad emocional a cualquier material que se considere adecuado para Quercus ... y con el saxofonista, en particular, acercándose tan estrechamente con Tabor como para sonar casi, a veces, como uno solo. La voz firme pero dócil de la cantante es, de hecho, el punto de partida de uno de los solos más impresionantes de Ballamy: una lectura crepuscular de ""You Do not Know What Love Is"" que es adecuadamente ronca, profundamente arraigada en la tradición del jazz y construido con un vívido enfoque compositivo.

A través de los 65 minutos de Nightfall, el hábil toque y enfoque de Warren funcionan en perfecta combinación con Ballamy para crear un contexto fluido y flotante para Tabor que sea definitivo y liberado, montando a horcajadas esa delgada línea entre marcos fijos e improvisaciones extrapolativas aún más elegantemente en el impresionante debut de 2013 del trío. Perfeccionando los  límites estilísticos, específicos de género e interpretativos distintivos de Quercus, el ‘Nightfall’ representa un crecimiento lento pero constante para este trío de excelentes músicos británicos que pueden haber construido su reputación individual en otras circunstancias, pero que se combinan perfectamente en este lugar especial donde la música de siglos pasados, del océano y de muchas culturas se topa con un implacable combinación de honestidad, verdad ... y magia.

A June Tabor se le trata de una forma más particular en el espacio correspondiente de este hilo.

Discografía:

• Nightfall ‎(2017)
• Quercus At The Pepper Canister Church, Dublin (2014)
• Quercus: June Tabor - Iain Ballamy - Huw Warren (2013)


Hasta aquí por hoy.

En unos días nuevas voces que nos permitan disfrutar a todos.

Saludos

Luisma

[Luisma]

Buenas tardes compañeros:

Os traigo una cuantas chicas más.




Quiana Lynell - Loving Me (2015)

https://open.spotify.com/album/0ktEoUBuDkIIWrjXRDIJg7


Con una sonrisa que te atrapará y una voz que ayuda a que tus problemas desaparezcan, la destreza vocal de Lynell le permite interpretar un repertorio ilimitado. Al fundir su formación clásica con su educación evangélica, se acerca al jazz como narradora. Lynell creció en un pequeño pueblo del oeste de Texas donde apreció todos los tipos de música y se dió cuenta de que la música era una forma de conectarse con el mundo.

Graduada del departamento de música de la Universidad Estatal de Luisiana, Lynell es capaz de aprovechar su voz como un verdadero instrumento y realizar varios géneros de música con precisión y validez. Lynell frecuenta el escenario como clínic, intérprete, arreglista, directora de orquesta y compositora. Mientras se abría paso en la escena musical, Lynell ha compartido el escenario con artistas de jazz como Herlin Riley, Roderick Paulin, Don Vappie, Mitchell Player y un sinnúmero de artistas y bandas locales. Colaborar y crear experiencias para toda la vida es una pasión de Lynell, ha sido vocalista destacada en varias grabaciones de artistas. Lynell ha actuado con la Orquesta Sinfónica de Baton Rouge como la principal soprano utilizando el lado clásico de su voz y ha actuado en el festival Jazz and Heritage de Nueva Orleans presentando música de jazz tradicional. Ha actuado en varios musicales en Nueva Orleans y Baton Rouge recibiendo excelentes críticas.

El amor de Lynell por la música se transmite a todas las interacciones de su vida. Ella pasa la mayor parte de sus días formando nuevos músicos como instructora de música en una escuela primaria. También ha creado un programa que comparte en clinics a nivel nacional, ""Made in America: Lyrically Speaking"", en las cuales profundiza en el jazz, el blues y la música tradicional estadounidense desde la perspectiva de la vocalista.

Cuando Lynell sube al escenario, guía a los oyentes en un viaje donde ""el jazz choca con el soul"", permitiendo que la melodía más simple entre al oyente. Lynell crea un ambiente donde el amor es primordial, enfatizando la importancia de la autoestima y el respeto a través de su música. Ella habla letras edificantes a aquellos que les han roto el corazón y hace hincapié en la importancia de no dejar que el pasado dicte su futuro. Su nuevo EP titulado ‘Loving Me’ guía al oyente a través de la propia transformación de Lynell. La transición para encontrar su autoestima ha llevado a Lynell a un viaje que también ha incluido salud y estado físico. Como creador de ""Músicians Run"", patrocina encuentros semanales para que los músicos se reúnan y hagan ejercicio promoviendo la salud como una riqueza.

Lynell ve cada oportunidad de compartir música con cualquier audiencia como una oportunidad para crear recuerdos y construir la banda sonora de la vida. Ya sea que lidere la banda o apoye a otros artistas, está agradecida de tener la oportunidad de esbozar nuevos recuerdos que durarán toda la vida.

Discografía:

• Loving Me (2015)

[Luisma]

Quiet Band (Jennie-Marie Hammond) - Lullabies & Dreams (2013)

https://open.spotify.com/album/5cb1gFETPwZHzmSaMUdrmT

https://listen.tidal.com/album/38500452


Con la voz sublime de Jennie-Marie Hammond, ‘Lullabies & Dreams’ es una colección de estándares de jazz y canciones de cuna dedicadas a la noche y a la tranquilidad.

""Quería hacer un álbum de jazz que pudiera arrullar a mi bebé para que durmiera"". Esa fue la inspiración para Dom Sales, líder de la banda, al hacer el álbum ‘Lullabies & Dreams’.

‘Lullabies and Dreams’ marca un ligero cambio de dirección al jazz contemporáneo habitual que lanza Jellymould. Esto sin disculpas es la corriente principal y cuenta con algunos de los mejores músicos de sesión.

Dom se convirtió en padre por primera vez el año pasado. ""Después de buscar en internet música para mi hija para ayudarla a dormir, no pude encontrar ningún jazz que no fuera el espantoso material comercial preprogramado y hecho por computadora. Quería algo con integridad, con excelente interpretación y una voz suave"".

Esa voz suave proviene de la nueva vocalista Jennie Marie Hammond. Su hermosa cualidad ingenua, que recuerda el estilo de Astrud Gilberto fluye sin esfuerzo sobre la parte superior de una sección de ritmo que comprende a Sean Miller - piano, Richard Hammond - bajo y Dom en la batería. Mark Chandler es un trompetista de distinto pedigrí. El sublime flugel que toca en este álbum muestra a un músico de gusto extremo junto con el saxofonista tenor Mike Hope, cuya sensible interpretación se presenta en varias canciones. La banda está completada por Tim Gunnell en vibráfono y Stuart Worthy en percusión.

‘Lullabies & Dreams’ es una cuidada colección de canciones cuidadosamente arregladas por Sean Miller y la banda. El álbum presenta un original, la canción principal de Dom y su padre, el letrista Patrick. La banda grabó el álbum en dos días, todos en la misma sala, tocando acústicamente y no todo induce al sueño, la banda no pudo evitarlo, hay algunos buenos momentos de swing.

Este es un álbum para relajarse, para disfrutarlo con una copa de tu bebida favorita en el entorno más tranquilo ...

Jennie ha estado cantando desde que puede recordar. Escuchó a las grandes voces de todos los tiempos, Ella Fitzgerald, Shirley Horne, Carmen McRae, Norma Winstone, Carol Kidd y Blossom Dearie, por nombrar solo algunas.
Jennie se fue a estudiar a Leeds College of Music tomando lecciones de Tina May y cantando con la Orquesta de Repertorio de Ellington. Su voz tiene una calidad hermosa e ingenua, pero con un aseguramiento y madurez de fraseo que se ha comparado con el de Astrud Gilberto. Fue la voz de Jennie la que inspiró a The quiet Band cuando una tarde en una carpa en un campamento en el norte de Gales cantó una versión a cappella de Corcavdo a unos 20 fríos
y campistas húmedos. Escuchar a Jennie cantar completamente sin compañía es uno de los más puros placeres de la vida.

Discografía:

• Lullabies & Dreams (2013)

[Luisma]

Rachael Beck - This Girl (2014)

https://open.spotify.com/album/22dIUkgFdA6CnJSs6Kh2Pu

https://listen.tidal.com/album/64128703


El éxito o el fracaso de un espectáculo de cabaret autobiográfico no depende de los logros de la persona, los escándalos o incluso su prominencia. Por supuesto, los escándalos venden tabloides, pero la honestidad y la humildad son los ingredientes clave en esta delicada forma de cabaret. Rachael Beck, una de las preferidas del teatro musical australiano, siempre actúa con honestidad y humildad, y el resultado es una descripción realmente cautivadora de los diversos roles de la vida de una mujer increíble.

‘This Girl’ de Rachael Beck, un espectáculo de cabaret que comparte el nombre de su primer álbum debut como solista, es una encantadora visión de la vida de una dama que ha estado en el centro de atención desde la tierna edad de 13 años. Viajamos con Beck durante sus años formativos, donde era aparentemente inmejorable con su rutina inspirada en Sesame Street, a través de sus años de niña prodigio en CATS, en su fase de ""girl-next-door"" en ¡Hey papá! y más allá.

Con toda esta experiencia detrás de ella, está claro que Rachael Beck pertenece al escenario. La facilidad de su diálogo, que vincula sus diversos eventos de vida con el puntaje musical, es ingeniosa.

La voz de Rachael Beck es la estrella del espectáculo. Su interpretación de “Send in the Clowns� se agita, su “I Dreamed a Dream� es inquietante y su “One Hand One Heart� es puro y simple. Los dúos con Michael Cormick son encantadores y proporcionaron un dispositivo excelente para corroborar la historia de Beck a través de un tercero confiable. ‘This Girl’ también le brindó la oportunidad a Beck de explorar el mundo del teatro musical y de interpretar números como ‘Only Girl (In the World)’ de Rhianna.

Rachael Beck demuestra que hay mucho más en este icono de teatro musical australiano de lo que parece. Se necesita trabajo duro, dolores de cabeza y dolores de corazón para interpretar a una princesa de Disney.

Las apariciones de Rachael Beck en La bella y la bestia, Les Miserables y Chitty Chitty Bang Bang han asegurado su lugar como una de las artistas de teatro más queridas de Australia. Ahora, ABC Music se enorgullece de presentar su primer álbum en solitario: This Girl.

Reflejando los diversos gustos y experiencias musicales de Rachael, el álbum presenta éxitos de los musicales (Send In The Clowns de Stephen Sondheim), canciones de culto como “Make You Feel My Love� de Bob Dylan y “Running Up That Hill� de Kate Bush. Rachael revive a su aclamado dúo con David Campbell, su socio teatral desde hace mucho tiempo, en Sun and Moon, y el álbum se cierra con una de sus propias composiciones.

Discografía:

• This Girl (2014)

[Luisma]

Rachael Davis - Antebellum Queens (2008)

https://open.spotify.com/album/7yOJ5DlwSQmYvMYmzYO1Sh

https://listen.tidal.com/album/9152840


La multiinstrumentista Rachael Davis es tan reconocida por su voz expresiva y explosiva como por unir los mundos a menudo dispares del folk, el blues, el country e incluso el pop.
Más de una década de álbumes y colaboraciones como solista, la nativa de Michigan se ha establecido como el mejor secreto en la música folk con un equilibrio y confianza en el escenario - sin mencionar un repertorio de canciones - que está más asociado a veteranos con décadas de experiencia. Muchos artistas consagrados a los que Davis se ha abierto han quedado impactados por la fuerza de su actuación, su original y valiente fraseo, que ha desafiado a muchos de sus héroes a subir su nivel cuando descubren que está en la lista.

Con su reciente mudanza de Davis a Nashville, TN, el secreto de su carrera ascendente como una nueva y emocionante voz en la música estadounidense parece destinado a salir a lo grande.

Davis ha prestado su voz a innumerables grabaciones para amigos y bandas sonoras de películas, pero es su comprensión intuitiva y empática de la música folclórica: ""la música de la gente"", como ella lo llama, y su original y pensativa voz la que se ha ganado sus fans en los Estados Unidos.
Hija de cantantes folk profesionales, Davis estudió armonía, piano y ukelele desde temprana edad y, a los 8 años, se unió a la banda familiar “Lake Effect�, actuando regularmente en festivales folklóricos a lo largo de su estado natal de Michigan y alrededor de los Estados Unidos.
""Estaba aprendiendo todo lo que podía encontrar y cuando tenía 17 años, mi padre me regaló su banjo de Bart Reiter"", recordó Davis. 

A los 20 años, ya profesional y profundamente conmovida por la música tradicional de montaña, el blues y las baladas, Davis compuso y grabó su álbum debut ‘Minor League Deities’. El álbum ganó reconocimientos críticos en la escena de la música acústica y la aclamación entre los oyentes de la música popular.

Como muchos antes que ella, Davis tomó el camino con su álbum debut, se estableció en Boston, Massachusetts, y actuó en el metro de la ciudad y las calles de Cambridge, haciendo amigos, perfeccionando su arte y su ingenio, mientras todo el tiempo ideó una forma personal de fusionar su amor por el cancionero estadounidense con una visión contemporánea.

Davis a menudo encontró refugio en las tiendas de discos del sótano de la ciudad y en los principales clubes de música acústica de Boston donde hizo fanáticos y amigos de los veteranos de la escena local Vance Gilbert, Cheryl Wheeler, Josh Ritter y Mary Lou Lord. ""De alguna manera, hoy todos siguen conmigo"", dice Davis, ""formé parte de una verdadera comunidad musical allí. Mi historia era como la de ellos. Todos sabíamos que estábamos en camino a encontrar algo y, por ese momento, todos estábamos en el mismo lugar"".
Debido a que Davis ha sido influida por tantos tipos diferentes de música, su estilo es difícil de archivar y no descansa de forma lánguida en medio de géneros musicales más amplios. ""Mi inclinación a la música acústica puede explicarse por una cinta de cassette que mi padre reproducía durante mi infancia mientras conducíamos en la camioneta Chevy Cavalier de nuestra familia a la que apodamos Iggy. En un lado del cassette estaba la banda sonora de la película The Big Chill. Por otro lado estaba el ""Areoplane"" de John Hartford"".

Primer lanzamiento en solitario de Davis desde que regresó a Michigan después de decorar su carrera como cantante y compositora galardonada en Boston. Con una voz del color más hermoso que nunca has visto, Rachael está igualmente cómoda cantando Gospel, Bluegrass, Jazz o Blues.

Este CD se abre con un chillido de risa (y el epigramático ""¡Amigo!"") Y termina con la niña Rachael cantando ""Starflower-O""; por lo tanto, está pintada la imagen de una mujer joven tan llena de travesuras que es difícil creer que pueda calmarse el tiempo suficiente para escribir una canción, y mucho menos para escribir las letras reflexivas de esta colección.

La voz de Davis es tan flexible y ágil que incluso las pistas más truculentas suenan sin esfuerzo, y se une a ella un cerebro que confía en cómo suenan estas canciones. Esta es otra brillante colaboración del Earthwork Collective, uno de mis temas favoritos porque ejemplifican bellamente la perspectiva de Bard, su mandato es la unión armoniosa de la música y la acción social.

Estas letras revelan una sensibilidad desmentida por la entrega enérgica de Davis. Aquí hay un humor despreocupado, pero la chica no se queda atrás; su artesanía es meticulosa, y no hay ni rastro de esos clichés que riman que nos hacen estremecernos ante tanta música comercial.
Al mismo tiempo, ella está completamente conectada con la historia musical estadounidense y parece comprometida a mantener esas formas y tradiciones, blues, bluegrass y gospel son tres que se destacan.

Antebellum Queens hace honor a tres de los criterios de The Mindful Bard para la música que vale la pena escuchar: 1) es auténtico, original y delicioso; 2) me hace querer ser un mejor artista; y 3) proporciona un respiro de un mundo enfermo y cruel, un respiro que me permite renovarme para regresar al esfuerzo artístico consciente.

Discografía:

• Bandbox Jubilee (2014)
• Antebellum Queens (2008)
• Shout Sister Shout - Hit That Jive (2008)
• Live in Bremen Germany (2004)
• Minor League Deities (2000)

[Luisma]

Rachael MacFarlane – Hayley Sings (2012)

https://open.spotify.com/album/0BRcjYgIMts2A2Sk3iF7zW

https://listen.tidal.com/album/17133899


GRAN DISCO. Rachael Ann MacFarlane Laudiero (nacida el 21 de marzo de 1976 en Kent, Connecticut) es una dobladora de voz y cantante estadounidense y hermana de Seth MacFarlane, creador y estrella de las series Padre de Familia y American Dad.

Entre sus roles como actriz de voz más conocidos se encuentran ser la voz de Mindy y Eris La Diosa del Caos y la Discordia en Las sombrias aventuras de Billy y Mandy, de la Líder Suprema Número 362 en KND: Los Chicos del Barrio, de Hayley Smith en American Dad, y varios personajes en Padre de Familia.

Aparte de esto, Rachael MacFarlane también se ha involucrado en otros aspectos de la animación. Ha sido mánager de producción en Las sombrias aventuras de Billy y Mandy y Bienvenidos a Eltingville, y se encargó de escribir un episodio de Billy y Mandy.

Durante las sesiones de grabación del debut de su hermano para el que después sería nominado al Grammy “Music Is Better Than Words�, MacFarlane se encontró con el veterano productor Allen Sviridoff, que casualmente había sido el encargado de toda la vida de la cantante favorita de MacFarlane, Rosemary Clooney. Poco después de enviarle una demo, MacFarlane firmó con Concord Records, donde pronto comenzaría a trabajar en ‘Hayley Sings’.
El título del álbum hace mención al personaje de American Dad: Hayley Smith por el que es conocida la actriz. Dos de los singles del álbum se escucharon en el episodio Love American Dad Style, el cual le sirvió de promoción.
Además de los estándares tradicionales de jazz que MacFarlane ha cantado durante décadas, el álbum contiene varias canciones que MacFarlane pensó que representarían el tipo de música que escucharía Hayley. ""Es una hippie, una niña de los años 60 y 70. Cuando yo era pequeña, mi padre me presentó a grupos como Simon and Garfunkel, The Beatles, Crosby, Stills y Nash. Así que decidimos correr con la idea de volver a imaginar la música de mi infancia, lo que sería apropiado para que Hayley cantara "".

El álbum ha recibido críticas mixtas. En su revisión de AllMusic, Mark Deming, mientras elogiaba la habilidad vocal de MacFarlane (en particular sus interpretaciones simples de ""Since You Asked"" y ""Loneliness""), describió la mayoría de las selecciones como cantadas con un melodrama que es ""embarazoso y autoritario"", además de señalar que si el álbum fuera realmente el canto de Hayley Smith, sería ""dominado por las melodías Ani DiFranco , el rock indie inconformista a la manera del Arcade Fire , el material de la jam jam-dance-friendly o alguna combinación de eso"". Bill Bliss para Edge, mientras alababa de nuevo la voz de MacFarlane por tener ""todas las cualidades asociadas con una cantante fina, una vocalista de banda grande con estilo o una ingenua teatral"", criticaba la longitud de quince pistas del álbum, ya que ""apenas hay tiempo para concentrarse en un aspecto de su voz antes de que la siguiente selección se dirija a otra zona del territorio musical.

Discografía:

• Hayley Sings (2012)



Nada más por hoy.

Espero que os gusten

Saludos

Luisma

[Luisma]

No se me olvida. Aquí tenéis a las chicas del finde.




Rachael Price - The Good Hours (2008)



GRAN VOZ. Sin haber cumplidos los treinta años de edad, la vocalista de jazz Rachael Price ha acumulado un currículum impresionante. Con veintitrés años lanzó en septiembre de 2008 la grabación que os cito, ‘The Good Hours’, y Price reflexionó sobre el torbellino de los últimos cinco años: ""Ha sido increíble"" recorrer Estados Unidos con mi trío, cantar con el TS Monk Sextet, festivales internacionales de jazz en Brasil y Panamá, grabar tres CD's ""mientras cursé estudios de Jazz en el Conservatorio de Nueva Inglaterra"".

Nacida en Australia y criada en Nashville, Price admite que ""ha estado cantando jazz desde que era una niña pequeña"". Recuerda que ""el jazz tocó mi fibra interior a la edad de cinco años. Escuché la versión de Ella Fitzgerald de “The Lady is a Tramp�. No entendí la letra, pero me gustó la sensación que me produjo"". Su padre tenía una extensa colección de jazz y la niña comenzó a cantar junto con Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Anita O'Day, Peggy Lee, Doris Day y otras. ""Cuando tenía nueve años"", recuerda su padre, ""sonaba como las cantantes clásicas de los años 40 ... se pasaba horas cantando fingiendo que estaba en un viejo musical en blanco y negro"".

A los diecisiete años, todavía en la escuela secundaria, grabó ‘Dedicated To You’ (2002), una colección de normas como tributo a Ella, Doris, Nat King Cole y otros. Cuando la cantante y actriz Kathryn Grayson, de MGM musicals fame, escuchó por primera vez la grabación en 2003, exclamó que era ""la mejor voz joven que he escuchado, punto"".

Después de ganar muchos concursos de talentos locales en Tennessee, fue seleccionada como vocalista por la Grammy Foundation para su National High School Jazz Choir, y se convirtió en la semifinalista más joven tanto en el Concurso Internacional de Voces de Jazz de Montreaux en Europa como en el Thelonious Monk Concurso Internacional de Jazz. Mientras actuaba en Suiza, la nominada en seis ocasiones al Grammy, Nnenna Freelon, la escuchó. Nnenna, y su manager, Ed Keane, quedaron tan impresionados con la chica de diecisiete años que la inscribió, y la gira ha sido constante desde entonces.

En su primera aparición en el Festival de Jazz de Newport, recibió una gran ovación, y el Boston Globe anunció que ""la joven vocalista Rachael Price creó un pequeño revuelo con su trabajo con TS Monk Sextet"". En 2006, Los Angeles Times informó que ""ella es claramente un talento con un potencial extraordinario"". Críticas similares han aparecido en periódicos de todo el país cuando comenzó a hacer giras con su propio trío.

Lo más alentador para Price ha sido el aliento que ha recibido de otros cantantes y músicos. Mientras que TS Monk y Nnenna Freelon desempeñaron un papel clave en su carrera temprana, ella estaba particularmente encantada de recibir el apoyo de Nancy Wilson, una de los ídolos de Rachael. Abrió para Wilson en un concierto en Nueva Jersey, y la legendaria vocalista exclamó: ""Creo que es brillante, la amo ... Hay tantas cosas buenas: el cuerpo, la profundidad, la calidez y la enunciación"".

Rachael está orgullosa de su nueva grabación ‘The Good Hours’. Ella dice: ""Decidí llamarlo así porque la grabación es sobre mi show en vivo. Amo a mi público y siento una fuerte conexión con ellos cuando canto. El significado de ‘The Good Hours’ es que el tiempo con la audiencia son las mejores horas de mi vida, especialmente con canciones como estas que siento profundamente en mi corazón"". La grabación presenta el repertorio de sus conciertos recientes, hábilmente acompañada por su trío con Warren Wolf en piano y vibrafono, Erik Privert en el bajo y Dave Brophy en la batería.

Entonces, ¿qué sigue para la joven vocalista? ""Estoy aprendiendo más sobre cómo escribir canciones y grabaré mi propio material en los próximos años"". Dos de sus propias canciones están programadas para su cuarto CD, ahora en producción con el legendario productor KC Porter, con artistas notables como Brian Bromberg, Vinnie Colaiuta, Dean Parks y Shelly Berg.

Mientras esperamos escuchar más de Price, el sello independiente Claire Vision Productions ha lanzado todas sus grabaciones pasadas, el ‘Dedicated To You’ de 2003, más una grabación híbrida jazz-bluegrass-western swing con los Tennessee Terraplanes llamada ‘Refreshingly Cool’, además de ‘The Good Hours’.

Discografía:

• The Good Hours (2008)
• Dedicated To You (2003)
• Refreshingly Cool

[Luisma]

Rachael Sage - Choreographic (2016)

https://open.spotify.com/album/5C0K0jURDgI0WpwDrDHvKq

https://tidal.com/browse/album/60266199


Rachael Sage es una cantautora y productora estadounidense, artista visual, que fundó su propio sello discográfico al inicio de su carrera musical. Siendo joven, Sage incursionó en una variedad de las artes, desde el baile hasta la poesía, pero como músico es más conocida. Sage ha compartido escena con A Great Big World, Semi Precious Weapons, Sarah McLachlan, Judy Collins, Marc Cohn, The Animals, Jamie Cullum y Ani DiFranco, y fue nombrada una de las 100 mejores artistas independientes de los últimos 15 años por la revista Performing Songwriter. Sus actuaciones combinan la música con las bromas entre canciones, que The New York Times apoda ""Fanny Brice"" de Sage, llegando incluso a llamarla comediante.

Sage nació en Port Chester, Nueva York. Sage estudió drama y ballet antes de cambiar a la música. Una pianista autodidacta, influenciada por los discos doo-wop y Beatles de sus padres, así como por los álbumes de Broadway, creando demos tempranas en un sistema de grabación de cuatro pistas que recibió como un regalo de bat mitzvah (ritual de mayoría de edad judía). Durante la escuela secundaria, Sage ingresó en la School of American Ballet. Asistió a la Universidad de Stanford, obteniendo un título en drama. Más tarde, estuvo en el programa Actors Studio MFA. Su actuación en su búsqueda de talentos en Nueva York le ganó a Sage un lugar en Village Stage of the 1999 Lilith Fair.

La palabra teatral ha sido utilizada para describir el sonido de Sage. El famoso productor de pop Phil Ramone dijo de trabajar con Sage que le recordó la colaboración con Bob Dylan, y que ""tiene una forma muy inusual de tratar una canción pop. Admiro su capacidad editorial y musical cuando se trata de crear una canción.""

En 2005, ganó Mejor Canción Folk / Cantautor por ""Sacrifice"" en la 4ª Edición de los Independent Music Awards.

Más recientemente, ""Brave Mistake"" de Sage fue nominada a la Best Story Song at The 10th Annual Independent Music Awards, y la propia Sage se llevó a casa OUTstanding Producer por su canción ""Hope's Outpost"" en The 7th Annual OUTMusic Awards.

Como escritora, Sage escribió sobre jóvenes sin hogar en su ciudad adoptiva de Nueva York. Ella fue nombrada como ""Guest celebrity contributor"" por The Morton Report. En su editorial, mencionó una colaboración de artistas, la presentación de un álbum, ‘New Arrivals Vol. 4: Artists Against Youth Homelessness’, cuyos ingresos irán a la Red Nacional para la Juventud.

Como artista visual, las pinturas y el collage de Sage se han mostrado en pequeñas galerías en el Bajo Manhattan, y también ha contribuido con obras de arte originales para sus propios diseños de portadas de CD.

Sage aparece en ""Both Sides Now: the Very Best of Judy Collins"", haciendo un dúo con Collins en la canción de Neil Young, ""Helpless"".

Discografía:

• Morbid Romantic (1996)
• Smashing the Serene (1998)
• Painting of a Painting (2001)
• Illusion's Carnival (2002)
• Public Record (2003)
• Ballads & Burlesque (2004)
• The Blistering Sun (2006)
• Chandelier (2008)
• Delancey Street (2010)
• Haunted By You (2012)
• Haunted By You - The Acoustic EP (2012)
• New Destination EP (2014)
• Blue Roses (2014)
• Choreographic (2016)
• Choreographic - Acoustic (2016)
• Myopia (2018)

[Luisma]

Rachel Brotman – Anecdote (2013)

https://open.spotify.com/album/13aIGsHMxsAHcQOGLni7ha


Rachel Brotman es mucho más que una voz de seda, nostálgica y evocadora. En su forma de interpretar y en sus composiciones se revela una hondura que difícilmente se da en nuestros días. En su música no hay frivolidad ni pose, sino una expresividad que se acerca al soul, pero un soul muy blanco, sin alardes y sofisticado.

Como pianista y compositora se ha ocupado además de dotar a sus arreglos de una cuidada pátina jazzística de la que se ocupan sus excelentes acompañantes. No en vano ella es el reverso de la migración musical: mientras todos los músicos acuden a Nueva York para consolidar su formación, ella se mudó a Nueva Orleans para beber de las fuentes del jazz. De vuelta a su ciudad natal sus directos están causando admiración en el Blue Note.

Su público sabe apreciar, como lo harás tú, el mensaje de su discurso narrativo, porque ella es, ante todo, una comunicadora, una narradora de historias empapadas de verdad y jazz.

Cuando escuches sus canciones por primera vez, quedarás hipnotizado por la magnificencia de la música. Tranquila y relajante, pero extremadamente poderosa y emocional, mientras que la voz de Rachel es la guinda del pastel y envía mis oídos en un vuelo directo al cielo.
Sobre ‘Anecdote’, la cantante escribió la mayor parte de la música y las letras, pero se le unió un grupo de talentosos músicos que crearon una increíble banda sonora para que ella pronunciara delicadamente sus suaves voces. Infundido con jazz, el EP es una maravillosa colección de canciones adorables que se aprecia mejor en un día tranquilo y nublado, cuando la música es como un suave bálsamo para el corazón y levanta el ánimo cuando la voz de Rachel se eleva. Si bien no es necesariamente triste o melancólica, la música tiene esta cualidad particular que se adapta perfectamente a los momentos introspectivos. También hay una aparente simplicidad en este proyecto, una especie de inocencia y humildad, que solo se ve reforzada por la textura angelical de la voz de la cantante.
Proyectos como este también me ayudan a sentir confianza sobre el estado de la música independiente, donde los artistas jóvenes muestran una verdadera pasión por su arte y se toman el tiempo para perfeccionar sus habilidades para presentar música de gran calidad que sea honesta y sincera. Rachel Brotman suena como una bocanada de aire fresco y es uno de los artistas que me vuelve a enamorar de la música.

Discografía:

• Anecdote (2013)

[Luisma]

Rachel Eckroth - Let Go (2014)

https://open.spotify.com/album/0MlYJpr0wmLRjdqB2frqR0

https://listen.tidal.com/album/29849220


Rachel Eckroth es una pianista, cantante y compositora de jazz radicada en Nueva York. Nacida y criada en el área metropolitana de Phoenix (AZ), Rachel estaba enraizada en una familia de músicos: sus dos padres son músicos, al igual que su hermano pianista, Michael. Rachel asistió a la Universidad de Nevada, Las Vegas y, al graduarse, permaneció en Las Vegas respaldando numerosos actos regionales y nacionales. Rachel se dirigió hacia el este y obtuvo un MFA en la actuación de jazz de la Universidad de Rutgers en 2005.

La diversidad musical ha sido una marca distintiva de la carrera de Rachel Eckroth. El arte multifacético de Eckroth pronto la llevó a muchos proyectos musicales de gran alcance, incluidos sus papeles actuales como tecladista para el trompetista de jazz contemporáneo, Chris Botti, y vocalista / tecladista de apoyo para el cantante y compositor de pop, KT Tunstall. También fue miembro de la banda ""The Meredith Vieira Show"" de NBC y directora de música asistente para la histórica Marcha de las Mujeres que tuvo lugar en Washington DC a principios de 2017.

Como solista, Eckroth lanzó su álbum debut llamado ‘Mind’ en 2005, un trío de jazz aclamado por la crítica que la posicionó en la comunidad como ""una compositora / intérprete obviamente influida y firmemente arraigada en la tradición, pero haciendo su propia declaración de una manera única y elegante""(JazzReview). Fiel a su forma, Eckroth amplió las fronteras musicales con el lanzamiento de su segundo álbum titulado ‘Let Go’ en 2014, en el que se ramificó desde sus fundaciones de jazz hasta los reinos del R & B y el pop. Hoy en día, sus actividades actuales incluyen una combinación de jazz, pop y experimental indie rock, mostrando la diversidad del léxico musical acumulado de Eckroth y su intrepidez para dejar su huella en una gran cantidad de círculos musicales.

‘Let Go’ es un álbum de composiciones originales que desafían los límites musicales. Los escritores de música a menudo se encuentran perplejos en cuanto a cuantificar el trabajo de un artista, aparentemente incumpliendo con demasiada frecuencia la ""ecléctica carta de triunfo"". En cuanto a los trabajos de la pianista de jazz, la cantante y guionista, Rachel Eckroth, la palabra ecléctica es la más adecuada, sin embargo, la música de Rachel es obvia, desde sus raíces e influencia, hasta su gracia única y audaz.

‘Let Go’ presenta a Rachel cantando en 10 canciones en lo que ella describe como ""una canción de cantante y compositor fusionada con sensibilidades de jazz, pop y R & B"". Nunca un proyecto ha estado tan singularmente conectado con un artista. ""Let Go"" de Rachel Eckroth solo puede describirse como poseedor de una gran profundidad lírica, armónica y melódica con gropes viscerales y caprichos para sentirse bien.

Discografía:

• Dark Waters (2018)
• Stranger (2017)
• Heart Sink Low (2015)
• Makeover, Vol. 1 (2014)
• Let Go (2014)
• MIND (2005)

Con Unlv Jazz Ensemble:
• Split Session (1978)
• After Midnight ‎(1979)
• Live In South America ‎(1982)
• That's A Wrap ‎(1996)
• Coloring Outside The Lines ‎(1998)

[Luisma]

Rachel Gould & Chet Baker - All Blues (1979)



DISCO 5 ESTRELLAS. Rachel Gould, nacida el 25 de junio de 1953, Camden, NJ, Estados Unidos, actualmente reside en los Países Bajos, es también conocida como Rachel Field, su nombre de nacimiento.

Gould estudió violonchelo y canto clásico en la Universidad de Boston desde 1960 hasta 1971. Desde 1964 trabajó como cantante de reserva. Ella solo apareció ocasionalmente en la década de 1970, en los clubes de jazz en la costa este. Solo después de su divorcio y mudarse a Alemania se estableció como músico de jazz. Ella formó su propio cuarteto y recorrió Europa. En 1979, apareció en Londres con Chet Baker y tocó en el aclamado álbum ‘All Blues’.
A principios de la década de 1980, actuó en numerosos festivales europeos y trabajó con grupos dirigidos por Ack van Rooyen, Lou Blackburn, Ferdinand Povel, Bobby Burgess, Michel Herr, Tom Nicholas, Dieter Reith y Erwin Lehn. En 1983 Gould cantó durante bastante tiempo en los Estados Unidos y, en Nueva York, con Woody Herman, Sal Nistico y Jake Hanna.

A su regreso a Alemania, presentó en el festival de jazz Leverkusen la banda ""Breath & Bones"". Continuó su trabajo en Alemania a partir de 1984, que consistió principalmente en la enseñanza: primero como conferenciante en los conservatorios de Maastricht, Colonia, Maguncia y Hamburgo, antes de viajar en 1987 a la Swiss Jazz School. Más tarde pasó a trabajar con Joe Haider y Benny Bailey. Tocó con Riccardo Del Fra en el álbum ""A Sip of Your Touch"" (1989) y, con su banda, en un álbum en vivo en el Montreux Jazz Festival 1991.

Desde 1991, ha trabajado como conferencista en canto de jazz en el Conservatorio Real de La Haya (Koninlijk Conservatorium Den Haag).

Este es el segundo de dos álbumes que Baker grabó en 1979 en Londres con los hermanos Florens (el otro es Rendez-Vous), y al igual que ese otro álbum, se ha convertido en algo así como objeto de deseo. Al igual que su lanzamiento hermano, es una sesión moderada y discreta que muestra cuán eficientemente Baker puede transmitir emociones.

Este álbum presenta a la cantante Rachel Gould, quien agrega una nueva e interesante dimensión a la música de Baker, ya que su voz tiene un tono mucho más terroso que el de Baker. Sus interpretaciones de ""All Blues"" y ""My Funny Valentine"" son particularmente exitosas. En él intervienen Rachel Gould – vocals, Chet Baker – trumpet, John Paul Florens – guitar, Henry Florens – piano, Jim Richardson – bass y Tony Mann – drums.

Discografía:

• Rachel Gould & Chet Baker - All Blues (1979) 
• The Dancer (1982) 
• More Of Me ‎(1994) 
• Rachel Gould & Chet Baker - All Blues ‎(2007)
• Rachel Gould & Luigi Tessarollo Tribute to Hoagy Carmichael



Que las disfrutéis

Saludos

Luisma

[Luisma]

Buenas noches compañeros:

Aquí tenéis nuevas chicas para iniciar la semana.




Rachel Holder & Dan Musselman - Save Your Love For Me (2009)

https://open.spotify.com/album/3lkiLG86aZtIGHrrOqK5mE


Rachel Holder es una cantante que vive en St. Paul. Sus versátiles voces se han escuchado con algunos de los nombres más importantes en la escena musical de the Twin Cities, y ha tenido una presencia regular en lugares como The Dakota Jazz Club, Hell's Kitchen y Crooners Lounge y Supper Club. Ha aparecido en una variedad de conciertos de homenaje en el Ordway Center for Performing Arts y en el Chanhassen Fireside Theatre.
Sus próximos proyectos incluyen un dúo con su marido y músico de banjo Pete Hennig, así como una grabación de álbum con el pianista Rick Carlson.

El álbum de Rachel Holder y Dan Musselman, ‘Save Your Love for Me’, es para recordar. Estos dos jóvenes músicos se unieron para crear un álbum impresionante y creativo que seguramente deleitará a cualquier oyente. Aunque recién salidos de la universidad, tanto Rachel como Dan son músicos profesionales en Minneapolis, actuando como si tuvieran el doble de edad.

Además de trabajar con Dan, Rachel ha trabajado con músicos muy bien considerados, entre ellos: Clay Moore, Tanner Taylor, Michael Pilhofer, Gordy Knutson, Lori Dokken, Jay Young, Jay Epstein, Terry Burns, Greg Schutte y Rick Carlson, así como también grupos como Urban Stride, The Girls, The Jazz MN Big Band, The Clay Moore Trio y Frontera Jazz Quartet. Rachel es la primera vocalista en las Twin Cities y está subiendo rápidamente

Dan ciertamente tiene un currículum impresionante también. Estudió con las leyendas del jazz Craig Taborn (pianista de Chris Potter) y Kenny Werner (autor de Effortless Mastery) y ha sido artista destacado en la revista Jazziz. Además de aparecer en muchos álbumes, recientemente lanzó su propio álbum en solitario, “Ruminations�. Ya sea que trabaje con vocalistas o instrumentistas, Dan agrega el toque y la energía adecuados a cualquier situación musical.

Discografía:

• Save Your Love For Me (2004)