Autor Tema: Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo  (Leído 432640 veces)

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1470 en: Mayo 06, 2018, 04:44:57 pm »



Perpetuum Jazzile - Both Sides (2016)

https://open.spotify.com/album/1jJr9dkcB26HfWBFAfh4aw

https://tidal.com/album/66292978


Perpetuum Jazzile es un grupo musical esloveno, muy conocido por su versión en 2009 a cappella del video de performance ""Ãfrica"" de Toto que ha recibido más de 20 millones de visitas de YouTube hasta agosto de 2017.

Fundado en 1983, bajo su antiguo nombre “Gaudeamus Chamber Choirâ€, está compuesto por cantantes femeninos y masculinos. A veces se les unen los instrumentistas de la Big Band de Radio y Televisión de Eslovenia. El coro principalmente realiza a cappella con uno de sus miembros, SaÅ¡o VrabiÄ, como percusionista vocal.

Inicialmente inspirado en Gene Puerling, The Singers Unlimited y The Swingle Singers, el coro interpreta bossa nova, swing music, funk, gospel y pop, utilizando armonías características.

Fundado por Marko Tiran en 1983, el liderazgo artístico del coro fue en 2001 pasado a Tomaž KozlevÄar, y diez años después a Peder Karlsson.

En 2006, grabaron el álbum ÄŒudna noÄ (Strange Night), lanzado por Dallas Records, y tuvieron un concierto con Mansound (de Kiev, Ucrania). Un seminario de jazz vocal en Ljubljana fue organizado por ellos con Ward Swingle, el fundador de Swingle Singers.

Su interpretación de ""Ãfrica"" obtuvo elogios del coguionista de la canción, David Paich, y Toto los invitó a subir al escenario durante un concierto de 2011 celebrado cerca de Udine, Italia.

En 2011, el coro se embarcó en un ""World Tour"", que los llevó a distintos lugares en Croacia, República Checa, Alemania, Canadá y Estados Unidos.

Cada otoño, el grupo realiza los conciertos vespertinos de Vokal Xtravaganzza en Cankar Hall en Ljubljana, con varios invitados de Eslovenia y el extranjero, incluyendo Alenka Godec local, 6Pack Čukur, Alya, Oto Pestner, Jan Plestenjak y Nuša Derenda y Vocalica (Italia), The Real Group (Suecia), Mansound (Ucrania), BR6 (Brasil), The Real Six Pack (Alemania).

En 2015 Maraaya, el dúo esloveno que representó a Eslovenia en el Eurovision Song Contest 2015 con la canción Here for You, lanzó un videoclip de la canción con Perpetuum Jazzile.

El 19 de junio de 2015, el grupo se presentó durante el día nacional esloveno en la Expo 2015 en Milán. En otoño del mismo año Perpetuum Jazzile estaba en su primera gira en China con un gran concierto en la Ópera de Guangzhou.

Peder Karlsson, el famoso especialista sueco a cappella que fue reclutado en 2011 como mentor musical del grupo, recuerda en un video documental sobre el grupo: “El primer ensayo que hice con Perpetuum Jazzile, practiqué una canción que había escrito llamada “Todo puede pasar†... Eran tan fantásticamente buenos. Para mí, eso es porque han pasado mucho tiempo juntos, por la amistad que tienen, que se deja ver en su música.

Discografía:

• Ko boš prišla na Bled (Cuando vienes a Bled) (2000)
• Pozabi, da se ti mudi (Olvídate de que estás apurado) (2003)
• Como (2004)
• ÄŒudna noÄ (Noche extraña) (2006)
• Ãfrica (2009)
• Perpetuum Jazzile Live ('Vokal Xtravaganzza 2008 live DVD) (2009)
• Vocal Ecstasy ('Edición alemana gira CD) (2012)
• Thank You For The Music ('30th Anniversary Jubilee Edition CD) (2013)
• Both Sides (álbum doble CD) (2016)


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1471 en: Mayo 06, 2018, 04:46:09 pm »



Perrine Mansuy (Marion Rampal) - Vertigo Songs (2011)

https://open.spotify.com/album/2guLIk5hokV6UxalYVRB5y

https://tidal.com/album/55967465


La pianista y compositora Perrine Mansuy es un músico de formación clásica (conservatorio de Marsella). Muy rápidamente se mueve hacia el jazz y sus improvisaciones. En 1997 grabó su primer álbum ‘Around the Moon’ en trío con el baterista Jean-Sebastien Simonoviez y el bajista Jacques Bernard. Fue en 2009 que forman el cuarteto de canciones Vértigo con la cantante Marion Rampal, el guitarrista y el batería Remi Decrou y Jean-Luc Difraya, formación en la que explora, construye su propio universo musical. El cuarteto ha lanzado el álbum ‘Vertigo songs’, una ilustración perfecta de la imaginación musical de estos artistas inventivos. Desde el jazz hasta la música contemporánea, desde baladas hasta electroacústica, desde el pop hasta la música de cine (Hitchcock, Chaplin), su música híbrida se desarrolla en una nueva forma, o más bien en una mutación perpetua de formas.
La voz de Marion Rampal, quien escribe los textos, cambia entre un murmullo, percusión, efectos de sonido o melodía. La magia funciona y los artistas se embarcan en su viaje, su cuento musical. Una música innovadora y agradable que se escucha y se ve como un sueño fantástico.

Marion Rampal, nacida en 1980 en Marsella, estudió piano y flauta en la infancia, acunada por una familia amante de la música: Ellington, Coltrane, Gershwin ... luego descubrió el canto y el teatro cuando era adolescente. Ella se siente muy atraída por el jazz, el rock y la música folclórica. Aficionada a la poesía anglosajona, rápidamente convirtió el inglés en su idioma favorito.

En 1998, fundó con François Richez el grupo ""WeshWesh"".
En 2002, atraída por la formación continua en jazz, se unió al IMFP Salon de Provence y en 2004, estudió en el Conservatorio de Marsella, bajo la dirección de Philippe Renault y Raphael Imbert. Para la ocasión, está preparando un proyecto de sexteto en homenaje a las primeras películas de Walt Disney: ""Super Kali & The Fragili-Sticks"" en colaboración con el guitarrista y compositor Rémy Jouffroy.

Con motivo de una orden de Las Juventudes Musicales de Francia, crea, junto con Benjamin Rando, pianista, una adaptación musical y una narrativa en torno a la ópera de G. Gershwin, Porgy & Bess: el espectáculo ""I Got Plenty!"", representado más de 150 veces entre 2003 y 2006. Invitada por Manu Katché en el Festival de Jazz de los 5 continentes, actúa junto a varios colectivos y músicos de jazz.

En 2006, comenzó a escribir su propia creación: ""Own Virago"". Un proyecto con el hilo conductor de una evocación simbólica de los arquetipos femeninos en las grandes mitologías. Para ella supone liberar la coherencia y el enriquecimiento mutuo nacidos del encuentro entre las formas de escritura musical ""popular"" y los placeres de una interpretación de jazz. El álbum se lanzó en 2009 bajo la marca Compagnie Nine Spirit Label. En el mismo año, se mudó más cerca de la Compañía Pantheatre para entrenar en la interpretación vocal, y en el teatro coreográfico con Enrique Pardo y Linda Wise.
Desde 2010, ha estado involucrada en la investigación y redacción de señas del Blues, un proyecto multidisciplinar llamado “Main Blueâ€. Desde 2005, ha trabajado en varias producciones en la Compagnie Nine Spirit de Raphaël Imbert : le Sixtine Group, Mozart&Ellington, projet R.Imbert/P.Elwood, así como las actividades educativas y la coordinación de determinados proyectos, incluyendo a cargo de la educación musical para aprendices en Faiar / Cité des Arts de la Rue en Marsella.

Encuentra a su compañero François Richez en 2008 con el que forma el dúo Pop “We Weed To Have A Bandâ€.

Marion Rampal canta y escribe para el proyecto ""Vertigo Songs"" de Perrine Mansuy, el álbum fue lanzado en septiembre de 2011 bajo el sello LABORIE.

Discografía:

• Ba cissoko label Bleu, 2003 “Pieces for Christmas Peaceâ€
• Sixtine Group, label ZigZag Territoires, Harmonia mundi 2006
• Deni Schaïn - Cryptophyte,2007
• Own Virago - Compagnie Nine Spirit, 2009
• Vertigo Songs - Laborie/Abeille, 2011


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1472 en: Mayo 06, 2018, 04:47:42 pm »



Pete Jacobs Quintet feat Christi Noel - The Rose Room (2002)

https://open.spotify.com/album/6r2OezLYt7x6Bc37ESa8Bc


BUEN DISCO. CON MUCHO SWING. Esta es la música de finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta, justo antes del rock and roll, cuando las grandes bandas se convirtieron en combos y los cantantes se hicieron populares por su cuenta.
Después de la Segunda Guerra Mundial, las grandes bandas de los años treinta y cuarenta luchaban por mantenerse a flote. Muchos de los cantantes principales que habían actuado con estas bandas se lanzaron por su cuenta. Esta era la era del combo de jazz más pequeño con un par de bronces, y un gran cantante principal. El Rock and Roll aún no había aparecido en la escena, pero las multitudes todavía querían música con la que pudieran bailar, y el estilo de jazz ""bebop"" no se prestaba muy bien. Cantantes como Peggy Lee, Sarah Vaugn y Frank Sinatra estaban haciendo una marca poderosa en la música popular.

El quinteto de Pete Jacobs intenta capturar la música de esta gran época. La música es genial para swing-dancing, ¡Bailar es de lo que se trata! Pocos directores de orquesta comprenden, y pueden ofrecer, lo que los bailarines quieren mejor que Jacobs. ""Mi esposa y yo hemos pasado mucho tiempo aprendiendo todo lo que hemos podido sobre el baile swing. Tengo un verdadero aprecio por lo que los bailarines quieren, porque salimos a bailar varias veces a la semana. ¡Somos ávidos Lindy-hoppers! pongamos nuestro set junto con los bailarines en mente. No importa cuán grande sea la maestría musical de la banda si no puedes bailar"". acuerdo!

""The Rose Room"" es el primer lanzamiento del Pete Jacobs Quintet. La vocalista destacada es Christi Noel (que también canta con la otra banda de Pete, Wartime Radio Revue, así como con John Tesh y numerosos conciertos de sesiones de estudio).

Christi Noel Ebenhoch estaba destinada a una carrera de canto desde muy joven. Sus padres trabajaban en la industria de la música, y era evidente que pronto estaría en el mismo camino.
La carrera profesional de Christi comenzó ya en la escuela primaria, donde comenzó a cantar para Maranatha Music en sus proyectos para niños. Ella cantó en la serie “Colby's Clubhouseâ€, así como en los álbumes de Psalty. Desde su primera infancia hasta su adolescencia, realizó giras con diferentes grupos de cantantes, viajando por todo el mundo. Cuando tenía 18 años consiguió su primer comercial de televisión y decidió seguir su carrera musical.

Mientras asistía a la Universidad Azusa Pacific, donde se especializó en Interpretación Vocal, Christi comenzó a hacer giras con varios artistas. Durante sus años de universidad también comenzó a grabar para Word, Sparrow, Frontline Music y muchos artistas cristianos diferentes. Además, grabó para la canción de Andy Williams nominada al Grammy ""We Need A Little Christmas"".

 Con su talento, amplia educación y experiencia diversa tanto en grabación de estudio como en directo, Christi continúa trabajando en la industria de la música, cantando en diferentes comerciales de televisión, programas de televisión, anuncios de radio y películas. También trabaja como contratista vocal para diferentes compositores, ayudándoles a reunir las necesidades de sus diversos proyectos. 

Christi también canta para Wartime Radio Revue (una orquesta de swing de 18 piezas), y recientemente ha estado de gira con Bobby Caldwell y John Tesh.

Discografía:

• Wartime Radio Revue – I Hear Music (2011)
• Pete Jacobs & His Wartime Radio Revue - Kiss The Boys Goodbye (2005)
• Pete Jacobs Quintet feat Christi Noel - The Rose Room (2002)
• Pete Jacobs & His Wartime Radio Revue - Jump, Swing & Jive (1999)
• Pete Jacobs & His Wartime Radio Revue - Would You Like to Dance (1998)
• Pete Jacobs Orchestra - Big Band Christmas (1997)
• Pete Jacobs Orchestra - Christmas Elegance (1996)




Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1473 en: Mayo 06, 2018, 04:49:20 pm »


Petra Haden & Bill Frisell - Petra Haden & Bill Frisell (2003)

https://open.spotify.com/album/2XrotcyloYansmmCQkX0qc

https://tidal.com/browse/album/97241473


Es seguro decir que la mayoría de los álbumes no incluyen interpretaciones de canciones de Foo Fighters, George Gershwin y Stevie Wonder, junto con canciones tradicionales de Tuvan, juntas en la misma lista de canciones. A menos que, por supuesto, te refieras al disco de 2005 del dúo de Bill Frisell y Petra Haden. Uno de los guitarristas más destacados en el jazz contemporáneo, Frisell es famoso por sus guitarscapes, que se escuchan a través de una galaxia de efectos y loops. Petra Haden es una vocalista / violinista ecléctico anteriormente del grupo indie-pop “That Dog†(y, por cierto, la hija del gran contrabajista de jazz Charlie Haden), cuyo canto es ingenuo, experimental y entrañable a la vez.

Juntos, Haden y Frisell crean una magia inesperada, con los acordes brillantes de Frisell y las atmósferas electrónicamente embellecidas que proporcionan la almohada perfecta para la voz soñolienta y entrecortada de Haden (que aplica capas en armonías para lograr un efecto excelente). Las canciones, que también incluyen ""Yellow"" de Coldplay, ""Moon River"" de Henry Mancini, ""I Do not Want to Grow Up"" de Tom Waits y el clásico de Disney ""When You Wish Upon a Star"", son incongruentes solo en teoría. La calidad exuberante, parecida a una canción de cuna del sonido del dúo le da al álbum una sensación notablemente cohesiva, destacando la fuerza del material y la química de esta pareja inusual.

Desde sus primeros días con “That Dosâ€, a sus posteriores colaboraciones con artistas como los “Decemberistsâ€, “Foo Fightersâ€, “Sunn O))) , y Bill Frisell, Petra Haden se ha hecho un nombre como artista versátil y distinta. Nacida en 1971 e hija del bajista de jazz Charlie Haden, ella demostró no solo un oído extraordinario para la música, sino también la capacidad de recrear los sonidos de los instrumentos musicales con su propia voz, en el pop, el clásico, el jazz, el blues o cualquier otro idioma o género que a uno quiera citar. Comenzó a estudiar violín cuando tenía siete años, y para la adolescencia estaba en camino de convertirse en virtuosa y demostró dominio de la trompeta, la mandolina y varios instrumentos de teclado, lo que la convirtió en una verdadera multiinstrumentista.

Sin embargo, fue la voz de Haden, con su alcance extraordinario, lo que más llamó la atención de la gente. En la escuela secundaria, aprendió a grabar canciones vocales en una grabadora de cuatro pistas que su padre le regaló. En 1992, ella y su hermana Rachel, junto con Anna Waronker (la hija del renombrado productor Lenny Waronker) y el baterista Tony Maxwell, formaron el grupo “That Dogâ€. La banda con sede en Los Ãngeles lanzó tres álbumes: el lanzamiento homónimo de 1994, ‘Totally Crushed Out!’ en 1995, y ‘Retreat from the Sun’ de 1997. En 1996, Haden grabó su primer álbum en solitario, ‘Imaginaryland’, que consiste en versiones a cappella de canciones de portada.

Haden también se unió al ex bajista de “Weezerâ€, Matt Sharp, en “The Rentalsâ€, quedándose con el grupo para varios álbumes. En la década siguiente, trabajó con artistas como Sean Lennon, Victoria Williams y el guitarrista Bill Frisell, el último de los cuales se unió a Haden en un álbum homónimo que cruzó la música clásica, country, pop, jazz y world. También trabajó con sus hermanos como parte de los “Haden Triplets†y con la acordeonista Alicia J. Rose como “Miss Murgatroidâ€.

Mientras se recuperaba de las heridas que sufrió tras ser atropellada por un automóvil en 2000, Haden comenzó a trabajar en una versión a cappella de “The Who Sell Outâ€, que grabó en una grabadora de ocho pistas que le dio Mike Watt. El resultado fue una grabación de 39 minutos que sonaba como “The Roches†cruzados con “The Swingle Singersâ€. Ella lanzó el álbum en 2005, y lo realizó en vivo con un coro de diez mujeres llamado “Petra Haden & The Selloutsâ€.
Durante este tiempo, Haden se convirtió en miembro de “The Decemberists†interviniendo en sus álbumes ‘Picaresque’ y ‘A Practical Handbook’, lanzó la colaboración con Woody Jackson “Ten Years†de 2008, y trabajó como entrenador vocal y arreglista en el show de competición de NBC a cappella “The Sing Offâ€.
En 2011, Haden formó el grupo “If by Yes†con Yuka Honda; su álbum ‘Salt on Sea Glass’ presentó a David Byrne y Nels Cline. Dos años más tarde, lanzó su tercer álbum en solitario, ‘Petra Goes To The Movies’, donde hace versiones vocales de algunas de sus canciones favoritas de las películas, y mezclando algunas con el respaldo de Brad Mehldau, su antiguo colaborador Frisell y su padre Charlie.

En 2014, trabajó con Jim Bianco como “Hooray Matinee†y con sus hermanas como “Haden Triplets†en su álbum homónimo producido por Ry Cooder. Haden también contribuyó con la voz de Blue Jean Committee Story, la primera final de la temporada de Fred Armisen y la serie de IFC de Bill Hader Documentary Now! en 2015. El año siguiente fue otro típicamente ecléctico para ella colaborando con Frisell en su álbum ‘When You Wish Upon a Star’ y con Jesse Harris en ‘Seemed Like a Good Idea’, donde cantó sus canciones con la ayuda del propio compositor.

Discografía:

• Imaginaryland – 1999
• Miss Murgatroid And Petra Haden - Bella Neurox - 1999
• Petra Haden & Bill Frisell – 2003
• Petra Haden Sings: The Who Sell Out – 2005
• Miss Murgatroid & Petra Haden - Hearts & Daggers - 2008 
• Ten Years – 2008
• Paul Motian, Bill Frisell, Thomas Morgan (4), Petra Haden - The Windmills Of Your Mind - 2011
• Petra Goes to the Movies - 2013 
• Petra Haden Sings Jesse Harris - Seemed Like a Good Idea – 2016
• James Williamson and the Pink Hearts Featuring Frank Meyer and Petra Haden - Behind The Shade - 2018

« última modificación: Marzo 26, 2020, 09:32:09 pm por Luisma »

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1474 en: Mayo 09, 2018, 02:36:34 pm »
Buenas tardes foreros.

Os traigo unas cuantas voces nuevas del jazz femenino contemporáneo para ir pasando la semana.

Que las disfruteis




Petra Magoni & Ferruccio Spinetti - Musica Nuda (2004)

https://open.spotify.com/album/5R0PPF7YhrnitDP6shdvmm


A veces las cosas suceden sin ninguna coincidencia. Esta es la historia de MUSICA NUDA, el dúo poco convencional nacido del encuentro accidental de Petra Magoni y Ferruccio Spinetti.
En 2003, la pareja se cruza por primera vez: Petra canta y Ferruccio toca contrabajo en Aviontravel (tocó con ellos desde 1990 hasta 2006). En ese período, Petra Magoni planea una mini gira en algunos de sus pequeños clubes de La Toscana, con un amigo tocando la guitarra para ella. Pero el día de su primer concierto juntos, se enferma. Petra, en lugar de cancelar la fecha, le pregunta a Ferruccio si tiene ganas de cubrirlo y él lo acepta de inmediato.
El concierto es tan exitoso que en el lapso de pocas semanas los dos miembros de este combo ""Voice'n'bass"" presentaron un repertorio completo, compuesto por las canciones que más aman, y en medio día grabaron su primer álbum, ’Música Nuda’ (2004), en un estudio cerca de Pisa.
’Música Nuda’ se convierte espontáneamente en el nombre de su proyecto y de la banda en sí.
La química entre ellos es perfectamente clara, pero ni Petra ni Ferruccio se hubiesen imaginado alcanzar objetivos tan importantes en tan poco tiempo: cientos de conciertos en Italia y en el extranjero, prestigiosos premios (Targa Tenco 2006, mejor gira para Mei en Faenza, Les quatre clés de Télérama en Francia), reconocimiento de aficionados y medios, apariciones en televisión y programas de radio en todas las principales estaciones de FM italianas y extranjeras. Todo proviene del trabajo constante y el compromiso de Petra, Ferruccio y todos los que creyeron en este proyecto a lo largo de los años, pero principalmente gracias a un original, tanto culto como popular, simple pero articulado detrás del proyecto ’Música Nuda’.
Un poco de jazz, un poco de composición de canciones, algunos elementos de rock, algo de punk y el ambiente clásico ocasional. Cuando ""la música"" está ""desnuda"" no hay límites, el sonido peculiar de Petra y Ferruccio fluye en cada pista y los trae a todos a una nueva vida, demostrando que son un combo realmente ecléctico.
’Música Nuda’ es un proyecto valiente, independiente, libre, casi una versión moderna de canto con acompañamiento de bajo continuo, en uso en el Rinascimento, y es también el arte de rastrear la música hasta su núcleo y encontrar en su interior el significado último de cualquier pista, clásica, jazz, pop o soul.
Y hay algo más que contar: Musica Nuda es el arte de disfrutar el silencio en la música, un aspecto básico y a menudo infravalorado, que lleva a la verdadera emoción y subraya el valor o una letra, una historia, el significado de cada canción, no importa si es dramática, divertida, enérgica, romántica, sarcástica.

En Música Nuda tenemos dos artistas diferentes pero perfectamente complementarios como Petra Magoni y Ferruccio Spinetti, que se enfrentan musicalmente con la complicidad y el sentido del humor que representan.
Una voz (de Petra) que realiza grandes emociones, un contrabajo (Ferruccio) que se convierte en orquesta.
Con sencillez, humildad, compromiso, devoción y profundo amor por la música pasada, presente y futura, por la música que ha sido olvidada y tiene que ser redescubierta (es el caso del exitoso ""Il cammello e il dromedario"" de Virgilio Savona) .
En 6 años The pair ha producido 3 álbumes de estudio:
‘Musica Nuda’, grabado en 2003 pero lanzado un año después, un álbum hecho en una tarde.
'Musica Nuda 2', un álbum doble lanzado en 2006, con muchos invitados especiales como Stefano Bollani, Fausto Mesolella, Nicola Stilo y Erik Truffaz.

'Musica Nuda 55/21', lanzado en 2008 por la conocida etiqueta Blue Note.
También es importante mencionar 'Quam Dilecta' (2006), un álbum de música sacra grabado en la iglesia de San Nicola en Pisa, donde Petra solía cantar cuando era niña, y 'Musica Nuda live à Fip' (2007), un álbum en vivo grabado en el Auditorium de Radio France en Parigi, en febrero de 2007.

En junio de 2006, el dvd 'Musica Nuda - Live in Paris' salió a las tiendas, incluyendo un concierto completo y una hermosa entrevista de retrato con los dos músicos.

Participar en un concierto de Musica Nuda es como entrar en una nueva e inesperada dimensión musical y emocional, donde la voz de Petra Magoni y el contrabajo de Ferruccio Spinetti cautivan al oyente, llevándolo a un mundo de sonidos del que no querrá salir.
El setlist para Musica Nuda está compuesto por nuevas canciones del último álbum ‘Complici’ (2011), algunos clásicos y grandes covers que su audiencia solicita en cada fecha de presentación (“Guarda Che Lunaâ€, “Il Cammello E Il Dromedarioâ€, “Come Togetherâ€) y también temas inéditos como “Come Tuâ€, “Forse Non Essenzialmente Tu†de Rino Gaetano o “Arrivano I Cinesi†de Bruno Lauzi.
A este álbum siguieron ‘Little Wonder’ (2015) y ‘Leggera’ (2017).

La gira de MUSICA NUDA nunca se detuvo, Petra Magoni y Ferruccio Spinetti presentaron su proyecto en importantes festivales de todo el mundo, actuando en todos los escenarios principales de Italia y en los lugares internacionales más prestigiosos como el Teatro Olympia de París y en todas las ciudades principales como Madrid, Tunisi, Salzburgo, Nueva York, Toronto, Pechino, San Petersburgo, Quito, y otras de Holanda, Polonia, etc.
Han sido recibidos por el Tanz Wuppertal Festival de Pina Bausch y siempre en Alemania apoyaron a Al Jarreau con una respuesta increíble de la audiencia.
Mientras tanto, Petra actuó como La Reina de la Noche en ""Il Flauto Magico Secondo l'Orchestra di Piazza Vittorio"", voz solista en los conciertos sagrados de Duke Ellington con la Big Band del Auditorio de Roma y el Coro de la Accademia di Santa Cecilia, mientras que Ferruccio produjo junto con Giovanni Ceccarelli el álbum ""InventaRio"", una conexión musical entre Italia y Brasil con el guitarrista Dadi Carvalho y muchos invitados especiales como Petra, Pacifico, Marisa Monte e Ivan Lins.

PETRA MAGONI (Pisa, 28 de julio de 1972) es una cantante italiana que comienza a cantar en un coro de voces blancas y durante muchos años se perfecciona a sí misma con otros grupos vocales de varios tipos. Se perfeccionó en la música antigua con Alan Curtis en el Conservatorio de Livorno y en el Pontificio Instituto de Música Sacra de Milán. A lo largo de los años, ha participado en seminarios sobre improvisación, canto armónico (o difónico) y conjunto vocal.

Trabaja en el campo de la música antigua y operística con la compañía del Teatro Verdi en Pisa. Con el grupo de Pisa ""Senza Freni"", con el que participa en la edición de 1995 de Arezzo Wave, llega al rock.

Participó dos veces en el Festival de Sanremo: en 1996 con la canción ""E ci sei"", en 1997 con "I Want a God". Durante este período apareció en varios programas de televisión y participó en la gira teatral y en la película Bagnomaria de Giorgio Panariello, con quien también escribió y grabó la canción "Che Natale Sei".
También colaboró con el rapero Stiv, con bandas underground (como Les anarchistes y Germinal), con músicos de jazz como Antonello Salis, Ares Tavolazzi y el pianista y su ex marido Stefano Bollani.

Bajo el seudónimo Artepal trabaja en el mundo de la danza (“Don't give up†era la canción-líder de todos los anuncios de televisión de Sasch), como cantante y como compositora. Ha grabado dos discos bajo su propio nombre (‘Petra Magoni’, 1996 y ‘Mulini A Vento’, 1997), uno bajo el seudónimo de “Sweet Soulâ€, lanzado en enero del año 2000, que contiene las canciones en inglés escritas por Lucio Battisti y como Aromatic con Giampaolo Antoni, el álbum electro-pop “Still Alive†lanzado en noviembre de 2004 .
A partir de aquí empieza la colaboración con el contrabajista Ferruccio Spinetti grabando el álbum ‘Musica Nuda’, lanzado en 2004 para Stories of Notes.

En 2005 viene ‘Seguendo Virgilio - Dentro e fuori il Quartetto Cetra’, homenaje a Virgilio Savona del Quartetto Cetra, un álbum en el que varios artistas revisan algunos de los pasajes de Savona. Entre estos, Petra, junto a Ferruccio Spinetti, con la canción “The Camel And Dromedaryâ€, más tarde incluida en el álbum Nude 2.

En marzo de 2006 lanzaron el doble ‘Musica Nude 2’, lo que condujo al gran éxito del dúo en Italia y en el extranjero, superando las ventas del CD anterior. El álbum contiene dos CD por el precio de uno: el primero interpretado solo por Petra y Ferruccio, el segundo con invitados de prestigio, incluidos Erik Truffaz y Stefano Bollani y Fausto Mesolella.
En el otoño de 2006, Petra y Ferruccio ganan el Targa Tenco en la categoría "intérpretes" y el premio "Mejor Tour" a PIMI (Premio italiana Música Independiente) en el sello independiente Reunión (MEI) en Faenza.
En octubre del mismo año se lanzó el álbum “Banda 25†de Banda Osiris, en el que Petra colaboró en la canción La filanda.
En diciembre de 2006 viene ‘Quam Dilecta’, un pequeño disco de música de la iglesia grabado con Spinetti en la iglesia de San Nicolás de Pisa y que contiene canciones sagradas que Petra cantaba como un niño, otros arreglos de canciones clásicas y algunas nuevas canciones.

Constantemente de gira en Italia y en el extranjero, Petra y Ferruccio publicaron su primer CD en vivo, ‘Live à Fip’, en septiembre de 2007, grabado en la primavera de 2007 en Francia, donde la pareja tiene muchos seguidores.
En junio de 2008 en Italia y Francia salió el álbum ‘Música 55/21’ (con una referencia a los números de la smorfia napoletana: 55 la música y 21 la mujer desnuda) nuevas canciones del grupo para el sello Blue Note Records.
En 2011, se lanzó el siguiente trabajo de Naked Music titulado ‘Complici’.
Le siguió el álbum titulado ‘Banda Larga’ (2013) porque el proyecto se ha extendido a una orquesta, y en 2.015 publican ‘Little Wonder’.
Su último lanzamiento, en 2017, ha sido el álbum ‘Leggera’.

Discografía:

• Musica Nuda – 2004
• Seguendo Virgilio - Dentro e fuori il Quartetto Cetra – 2005
• Musica Nude 2 – 2006
• Quam Dilecta – 2006
• Live à Fip – 2007
• Música 55/21 – 2008
• Complici - 2011
• Banda Larga – 2013
• Little Wonder – 2015
• Leggera - 2017


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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1475 en: Mayo 09, 2018, 02:38:08 pm »



Petra Pacaric - No More Blues (2016)

https://open.spotify.com/album/4HPMVehiasuxGYCg6o5lBV

https://tidal.com/album/57744200


Petra Pacaric, mezzo-soprano, creció en Austria, donde estudió música y lenguas extranjeras en el Conservatorio de Música de Innsbruck. Ella habla fluidamente alemán, francés, español e italiano. Durante sus años de estudio europeo y viajes relacionados, actuó en Austria, Francia, España y Ontario / Canadá.
 
La Sra. Pacaric ahora vive en los Estados Unidos, donde está ocupada enseñando y actuando regularmente. Terminó su Maestría en Interpretación de Voz en el Conservatorio de Boston en el año 2000. Las apariciones más recientes incluyen varios recitales solo en el área de Boston y New Hampshire, así como presentaciones con la Orquesta Sinfónica Metrowest, New England Light Opera, Nashua Symphony Orchestra, y Granite State Opera.

‘No More Blues’ rinde homenaje a la belleza de los géneros Bossa Nova, French, Latin y American Jazz. Basado en el original brasileño ""Chega de Saudade"", ‘No More Blues’ simboliza el viaje del artista realizando una enorme variedad de estilos a lo largo de los años, desde folk y pop, hasta ópera y jazz. ‘No More Blues’ representa la comprensión de que incluso los viajes más emocionantes, incluidos los musicales, finalmente conducen a ese lugar relajante en el que volver a casa se convierte en la nueva aventura.

Petra Pacaric es una vocalista versátil cuya educación musical en Europa y la fluidez en cinco idiomas hicieron posible que este artista asimilara casi todos los estilos de música pensables a lo largo de su carrera de interpretación única.

Discografía:

• No More Blues (2016)


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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1476 en: Mayo 09, 2018, 02:39:33 pm »



Petra Van Nuis & Andy Brown - Far Away Places (2009)

https://open.spotify.com/album/5u0P610nKhqPk0TluMRsTL

https://tidal.com/album/46240842


Petra van Nuis (pronunciado Pay-tra van Nouse) es una vocalista de jazz con sede en Chicago que ha sido descrita en la revista Downbeat como ""con una voz ligera, hermosa y bastante delicada ... un regalo para la melodía y una gran cantidad de confianza rítmica"".

En Chicago desde 2003, Petra canta en los mejores lugares de jazz de la ciudad, incluyendo el Jazz Showcase, Green Mill, Katerina's, Andy's Jazz Club, Fitzgerald's, City Winery y Old Town School of Folk Music. El Departamento de Asuntos Culturales de Chicago presentó a los grupos de Petra en el Chicago Cultural Center y Chicago Summer Dance. El Jazz Institute of Chicago ha presentado a Petra's Recession Seven en el Chicago Jazz Festival y Jazz City.

La revista alemana Jazzpodium Magazine elogia la colaboración musical de diecisiete años de Petra con su marido, el guitarrista Andy Brown, como ""un diálogo musical mágico, que solo puede describirse parcialmente como una comprensión ciega"". Los momentos más destacados del festival para el dúo incluyen la fiesta de jazz Chautauqua de Joe Boughton, el festival de jazz Roswell y el festival de jazz Gorinchem (el festival de jazz más antiguo de Holanda).
El estilo romántico de Petra y Andy se ha disfrutado en clubes íntimos de todo el país, incluidos Shanghai Jazz (Madison, NJ), Kerrytown Concert House (Ann Arbor, MI), Night Town (Cleveland, OH), Saugatuck Center for the Arts ( Saugatuck, MI) y el Blue Wisp Jazz Club (Cincinnati, OH). Varias giras europeas han llevado al dúo a Alemania (Jazzhaus Heidelberg, Le Pirate, Jazz Club Neustadt, Jazz Club 77, Musikhaus Birlkehof) a los Países Bajos (Stichting Jazz Zevenbergen) y a Bélgica (Jazz Cafe Hopper).
Petra y Andy a menudo aumentan su dúo con el bajista Joe Policastro y el baterista Bob Rummage formando el Cuarteto “Petra van Nuisâ€. Además de las actuaciones de Chicago, el cuarteto recorre con frecuencia el Medio Oeste tocando para la West Michigan Jazz Society (Grand Rapids, MI), Polyrhytms (Davenport, IA), el Firefly Jazz Club (Ann Arbor, MI), el Wilson Center for the Arts (Milwaukee, WI), el Instituto de Detroit para las Artes (Detroit, MI), y encabezó el 32 Festival de Mujeres en el Jazz Michelob (Dayton, OH).

Al comienzo de la Gran Recesión, en septiembre de 2008, “Petra's Recession Sevenâ€, una banda de jazz temprana y tradicional de estilo Chicago, nació en el legendario Green Mill de Chicago. Este conjunto de siete componentes presenta una alineación de estrellas de veteranos de Chicago reconocidos internacionalmente, entre ellos el trombonista Russ Phillips, el hombre de caña Eric Schneider y el trompetista Bob Ojeda. Las presentaciones de festival incluyen el 33 ° Festival de Jazz de Chicago, el 34 °, 35 °, 37 ° y 40 ° Cedar Basin Jazz Festival, el 29 ° Festival de Música de Estados Unidos anual de Fitzgerald y el 40 ° aniversario del Festival de Jazz del Illiana Club of Jazz. La banda viaja regularmente a sociedades regionales de jazz como la Juvae Jazz Society, la Madison Jazz Society, la Starr-Gennett Foundation, la serie ""Masters of Swing"" en la Universidad Xavier de Cincinnati. el Lafayette Jazz Club y el Indianapolis Jazz Club. The American Rag, en una revisión de la grabación de 2011 de la banda en vivo, ‘Live In Chicago’.

Es posible que hayas escuchado selecciones del CD debut de Petra en 2006, ‘A Sweet Refrain’, en Music Choice, de Digital Cable, donde gira regularmente en el canal ""Singers & Swing"". En una crítica, el crítico de Los Angeles Jazz Scene, Scott Yanow, señala ""una dulce voz, una entrega directa ... una escucha los toques de Billie Holiday, Blossom Dearie y Mildred Bailey en su fraseo, pero no en el sonido de su voz que es distintivo"". Este CD es un retroceso a las grabaciones vocales clásicas de los años 50 con una mezcla de dúo, cuarteto, quinteto y arreglos sexteto de dos bronces ajustados por el bajista / arreglista Joe Policastro. En 2012, estos arreglos fueron recreados con el trabajo en equipo de Petra y Andy con cuatro músicos canadienses en la famosa Yardbird Suite de Edmonton.
En 2015, Petra sigue tocando con los mejores instrumentistas de Chicago, incluidos Bobby Lewis, Art Davis, Kim Cusack, Larry Harris, Greg Fishman, Chris White, Joe Adamik, Jeremy Kahn, Judy Roberts, Dennis Luxion, Phil Gratteau, Don Stille, Dan Delorenzo, Tom Bartlett Mike Schlick, Bill Overton, Bradley Williams, Ron Dewar, John Otto, Stewart Miller y Don Stiernberg.

Hay austeridad en ‘Far Away Places’, el CD que os cito, un álbum que no tiene nada más que voces y solos de guitarra, que, en lugar de dar a la música una calidad adicional, pone de manifiesto la riqueza de las actuaciones. En otras situaciones, la voz de Petra van Nuis podría considerarse delgada o carente de impulso. A diferencia de muchas otras cantantes de jazz contemporáneas, mantiene las cosas limpias y simples cuando canta, evitando la pirotecnia y el histrionismo que son cada vez más populares en la actualidad. Del mismo modo, Andy Brown no trata de destacar y deslumbrar, sino de aportar matices y buen gusto. Los 13 estándares que ocupan la grabación, se complementan entre sí tan bien que es difícil imaginarlos en la configuración de banda completa más estridente (aunque ambos lo han hecho). Incluso ""Caravan"", una melodía generalmente entregada a los fuegos artificiales, se procesa suave y sutilmente. Sin embargo: ""Born to Blow the Blues"" posee un montón de soul, y Brown incluye una amplia técnica en su interpretación individual de Antonio Carlos Jobim. Es ""Bim Bom"" una de las raras ocasiones en las que el dúo aumenta el ritmo, como en "" Me, Myself, And I"", revelan otro lado, divertido y fresco (aunque todavía dulce), que podría valer la pena explorar más adelante en un lanzamiento posterior.

Discografía:

• Lessons Lyrical (2017)
• Petra's Recession Seven - Live In Chicago (2011)
• Far Away Places (2009)
• A Sweet Refrain (2006)


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1477 en: Mayo 09, 2018, 02:40:50 pm »



Philippe Petrucciani & Nathalie Blanc – Remember Petrucciani (2015)

https://open.spotify.com/album/3LoqreHpxaQZR8gVOvol5O


Nathalie Blanc estudió piano desde la edad de 7 años. Después de unos años estudiando en el conservatorio, descubrió el jazz escuchando a saxofonistas como Charlie Parker, John Coltrane y Stan Getz. Estudia jazz con Tony Petrucciani y también sigue las enseñanzas de Richie Beirach y Enrico Pieranunzi en seminarios. Le apasiona cantar al escuchar a Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Nat King Cole, Chet Baker, etc ...   Nathalie se presenta en varias bandas y en su propio grupo, que ha hecho muchas presentaciones en clubes y festivales abriendo para Ron Carter, Hermeto Pascoal y Rick Marguitza.
El guitarrista Philippe Petrucciani rinde homenaje a su compañero y hermano de gira, el famoso pianista Michel Petrucciani. Trae a la vocalista Nathalie Blanc, junto con Manhu Roche / dr, Michel Znino-Dominique / b, y un equipo de viento formado por Fabrizio Bosso / tp, Stefano Coco Cantini / ts-ss y Francesco Castellani / tb, Se entrega una colección íntima y reflexiva de canciones con estilo y sustancia.
Blanc tiene un tono suave, relajado y nasal, y funciona bien con piezas oscilantes y conmovedoras como ""Les Etoiles"" y el elegante ""Soir De Mai"" con la trompeta de Bosso. La guitarra eléctrica de Petrucciani le va bien en el funky ""Watching TV"" mientras toca el rasgueo acústico, ofrece tonos sensuales con Blanc en las pistas de bossa nova ""Carioca"" y ""My Old Friendâ€.
Los bronces se unen con texturas ricas en el dramático y exuberante ""Hypocondriaque"", mientras que hay un buen trabajo de bajo moderno y reflexivo en ""Une Vie"". Más impresionante es la última canción titulada ""Miles Davis Licks"" donde Blanc hace scats y Petrucciani escogen algunos memorables temas del famoso trompetista. Hay mucho que saborear aquí.

Discografía:

• Philippe Petrucciani & Nathalie Blanc – Remember Petrucciani (2015)
• Philippe Petrucciani & Nathalie Blanc – Este Mundo (2012)
• Philippe Petrucciani & Nathalie Blanc – One For Marie (2003)


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1478 en: Mayo 09, 2018, 02:42:47 pm »



Philomène Irawaddy - Cinderella's Notice (2016)

https://open.spotify.com/album/71NyFeHVMlzc1fy9wnpq6v

https://tidal.com/album/64635725


Philomene Irawaddy, una voz que cuenta entre los cantantes de jazz. ""Un columpio que combina delicadeza y precisión, fraseo desatado y seguro ...""
Nacida en los Estados Unidos (Massachusetts), Philomène Irawaddy se sintió atraída por el canto a una edad temprana. Pasar largas horas con el pick-up, junto con Ella Fitzgerald (su cantante favorita), Doris Day y otros intérpretes de musicales americanos, tuvo todas las oportunidades para sacar de las fuentes de inspiración que son las mismas raíces del jazz.

Después de obtener una Maestría en Derecho Internacional, obtiene un título de Bachelor of Musicology en la Sorbona y un Diploma de Fin de Estudios en Entrenamiento y Análisis Musical en el CNR de Boulogne-Billancourt. Fue en este momento que comenzó a actuar en varios clubes de jazz parisinos.

De la misma forma que sus ilustres predecesores, ella sigue favoreciendo a la melodía tanto en la interpretación de los estándares clásicos como de composiciones más recientes sobre los que le gusta poner sus propias letras (Chick Corea, Wayne Shorter y Charles Mingus).

Ella ha trabajado con muchos músicos como el pianista Alain Jean-Marie, Pierre de Bethmann, Franck Avitabile, Ludovic de Preissac Hiroshi Murayama y Rocheman Manuel, el guitarrista Elías Delgado, el acordeonista Ludovic Beier, el trompetista Nicolas Folmer y los saxofonistas Rick Margitza y Guillaume Naturel.

Intérprete ocasional de música barroca o melodías españolas, ella también compone para un público joven: su disco de canciones ‘Une Coccinelle Sur Mon Violoncelle’ (Enfance et Musique/Harmonia Mundi, 2005) recibió un premio de la revista Télérama. ""Luxemburgo"", un disco de canciones infantiles inspirados en los jardines de Luxemburgo en París, incluye 2 Opus y un folleto ilustrado por Christine Davenier: Otoño-Invierno (Música ADF-Bayard, 2012) y primavera-verano (ADF-Bayard Music 2013).

Grabado como cuarteto con Alain Jean-Marie (piano), Gilles Naturel (bajo) y Philippe Soirat (batería), sus compañeros durante muchos años, su primer disco de jazz ‘Sun Side Songs’ fue lanzado en 2009.

En el disco que os cito intervienen Philomene Irawaddy - cantando; Guillaume Naturel - saxofón tenor / flauta; Alain Jean-Marie - piano; Gilles Naturel - contrabajo; Philippe Soirat – batería.

Con este nuevo álbum de jazz vocal, evocación de la historia de Cenicienta, en su mayoría compuesto de composiciones personales, Philomène ha creado un cautivador mundo de ensueño del que los músicos respiran su magia.

La cantante refuerza su acercamiento a los cuentos musicales, aún esperando que su príncipe venga (""Someday My Prince Will Come"") para un nuevo baile (""Once Upon a Dance"") a la medianoche en las alas del amor (""Midnight on The Wings Of Love""), pero esta vez deja el mundo de los sueños infantiles para disfrutar de un enfoque más relacionado con el jazz, para una lectura encantada, pero más bien pensada para un público adulto, en torno a composiciones personales tentadoras y estándares atemporales.
La forma de decir la letra es perfecta, pero la canción, que en ocasiones recuerda a Joni Mitchell, con demasiada frecuencia se atiene a los modos vocales actuales de los jóvenes cantantes. La intensidad de la escucha nace de la presencia luminosa del pianista Alain Jean-Marie, De Gilles Naturel al contrabajo, y de Guillaume Naturel en estado de gracia a la flauta , tenor y saxofón soprano.

Discografía:

• Cinderella's Notice (2016)
• Luxembourg! Chansons du jardin (Printemps-Été) (2013)
• Luxembourg! Chansons du jardin (Automne-Hiver) (2012)
• Sun Side Songs (2009)
• Une Coccinelle Sur Mon Violoncelle (2005)


Es todo por hoy. Vuelvo pronto.

Saludos

Luisma

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1479 en: Mayo 11, 2018, 05:57:51 pm »
Buenas tardes compañeros:

Vamos allá con las chicas de los viernes.




Phoebe Snow - Against The Grain (1978)




Phoebe Snow (nacida Phoebe Ann Laub, 17 de julio de 1950 - 26 de abril de 2011) fue una cantante, compositora y guitarrista estadounidense, muy conocida por su canción de 1975 ""Poetry Man"". La describió The New York Times como un ""contralto basado en un gruñido de blues y capaz de barrer más de cuatro octavas"".

Ella nació en la ciudad de Nueva York en 1950, y se crió en un hogar musical en el que grabaciones de Delta blues, canciones de Broadway, el jazz Dixieland, la música clásica y la música popular se escuchaban durante todo el día. Su padre, Merrill Laub, un exterminador de oficio, tenía un conocimiento enciclopédico del cine y el teatro estadounidenses y también era un ávido coleccionista y restaurador de antigüedades. Su madre, Lili Laub, era una profesora de baile que había actuado con el grupo Martha Graham.

Snow creció en Teaneck, Nueva Jersey, y se graduó de Teaneck High School en 1968. Posteriormente asistió a Shimer College en Mount Carroll, Illinois, pero no se graduó. Como estudiante, llevó su preciada guitarra acústica Martin 000-18 de club en club en Greenwich Village, tocando y cantando en noches de aficionados. Su nombre artístico proviene de un personaje publicitario ficticio creado a principios de 1900 para Delaware, Lackawanna y Western Railroad, en el que Phoebe Snow era una joven vestida de blanco, que hacía hincapié en la limpieza de los trenes de pasajeros de Lackawanna, cuyas locomotoras quemaban carbón de antracita, que producía menos hollín que el carbón bituminoso.

Entre 1975 y 1978, Snow estuvo casada con Phil Kearns (que más tarde se declaró gay), y el 10 de diciembre de 1975, su hija, Valerie Rose, nació con daño cerebral severo. Snow resolvió no institucionalizar a Valerie, y la cuidó en su casa hasta que Valerie murió el 19 de marzo de 2007, a la edad de 31 años. Los esfuerzos de Snow para cuidar a Valerie casi terminan su carrera. Continuó tomando clases de voz y estudió ópera de manera informal.

Fue en el club The Bitter End en 1972 donde Denny Cordell, copropietario (con Leon Russell) de Shelter Records, quedó tan cautivado por la cantante que la contrató para el sello y produjo su primera grabación. Ella lanzó un álbum homónimo, ‘Phoebe Snow’, en 1974. Con actuaciones de invitados de The Persuasions, Zoot Sims, Teddy Wilson, David Bromberg y Dave Mason. El álbum de Snow llegó a vender más de un millón de copias en los Estados Unidos y se convirtió en una de las grabaciones más aclamadas de ese año.

El álbum generó un Top Five de 1975 en el Billboard Hot 100 con ""Poetry Man"" y fue uno de los cinco primeros álbumes en Billboard, por el que recibió una nominación para el Grammy Award como Mejor Artista Nuevo. La portada de la revista Rolling Stone siguió, mientras ella actuó como el acto de apertura de giras por Jackson Browne y Paul Simon (con quien grabó el single ""Gone at Last"" en 1975). 1975 también trajo la primera de varias apariciones como invitado musical en Saturday Night Live, en la cual Snow actuó sola y en dúos con Paul Simon y Linda Ronstadt. Durante la aparición en 1975, tenía siete meses de embarazo de su hija, Valerie. Su voz de respaldo se escucha en la exitosa canción de Paul Simon ""50 Ways to Leave Your Lover"" junto con Valerie Simpson y Patti Austin, de 1975. También hace duetos con él en la canción ""Gone At Last"". Ambas canciones aparecen en el álbum de Simon ganador del Grammy 1975 “Still Crazy After All These Yearsâ€.

Batallas legales entre Snow y Shelter Records terminaron con ella en Columbia Records. Su segundo álbum, ‘Second Childhood’, apareció en 1976, producido por Phil Ramone. Fue más jazzero y más introspectivo. Se movió hacia un sonido más rock en ‘It Looks Like Snow’, lanzado más tarde en 1976 con David Rubinson produciendo. 1977 vio ‘Never Letting Go’, otra vez con Ramone, mientras que ‘Against the Grain’ de 1978 fue dirigido por Barry Beckett. Después de eso, Snow se separó de Columbia; más tarde diría que el estrés de sus obligaciones paternales degradaba su capacidad para hacer música de manera efectiva.
En 1979, realizó una extensa gira por los Estados Unidos y Canadá con el destacado guitarrista Arlen Roth como su guitarrista y director musical. En 1981, Snow, ahora con Mirage Records, lanzó ‘Rock Away’, grabado con miembros de la banda de Billy Joel.

La Guía de grabación de Rolling Stone de 1983 resumió la carrera de Snow hasta el momento al decir: ""Una de las voces más talentosas de su generación, Phoebe Snow puede hacer prácticamente cualquier cosa tanto estilísticamente como técnicamente ... La pregunta que aún no ha respondido es sobre la mejor manera de canalizar su talento"". Snow pasó largos períodos fuera de la grabación, a menudo cantando jingles comerciales para AT & T y otros para mantenerse a sí misma y a su hija.

En 1988, un dúo con Dave Mason, llamado ""Dreams I Dream"" alcanzó el puesto 11 en las listas contemporáneas de adultos de Estados Unidos. Snow volvió a grabar con Something Real en 1989 y reunió algunos éxitos más en las listas de Adult Contemporary.
Snow actuó en 1989 en el escenario de Avery Fisher Hall en la ciudad de Nueva York como parte de “Our Common Futureâ€, una transmisión de televisión en vivo de cinco horas para varios países.

En 1990, contribuyó con una versión de la canción ""Get Ourselves Together"" de Delaney & Bonnie para la compilación de Elektra Rubáiyát, que incluía al guitarrista de Earth Wind & Fire, Dick Smith. En 1992, realizó una gira con Donald Fagen's New York Rock and Soul Revue y apareció en el álbum del grupo grabado en vivo en el Beacon Theatre en la ciudad de Nueva York. A lo largo de la década de 1990 hizo numerosas apariciones en el programa de radio Howard Stern.

En 1995, Snow participó en “The Wizard of Oz in Concert: Dreams Come True†en el Lincoln Center en la ciudad de Nueva York, cantando un popurrí distintivo de ""If I only had a Brain; a Heart; the Nerve"". Además, el concierto contó con actuaciones de Jewel, Joel Gray, Roger Daltrey y Jackson Browne, entre otros. Un álbum del concierto fue lanzado en Compact Disc en Rhino Records.

Snow se unió al grupo pop, Zap Mama, quien grabó su propia versión de ""Poetry Man"", en un dúo improvisado en la serie de PBS, ""Sessions At West 54th"". El grupo de chicas hawaianas “Na Leo†también tuvo un éxito en la lista Adult Contemporary en 1999 con su versión de ""Poetry Man"".

En mayo de 1998, Snow recibió el Premio al Logro Cultural del alcalde de la ciudad de Nueva York, Rudolph Giuliani. También recibió un Don Kirshner Rock Award, varios Playboy Music Poll Awards, New York Music Awards y el Clio Award.

Snow actuó para el presidente estadounidense Bill Clinton, la primera dama Hillary Clinton y su gabinete en Camp David en 1999.

En 2003, Snow lanzó su álbum ‘Natural Wonder’ en Eagle Records, que contiene diez canciones originales, su primer material original en catorce años. Snow actuó en la boda de Howard Stern en 2008 e hizo una aparición especial en la película “Noah's Arc: Jumping the Broom†como ella misma. Parte de su música también apareció en la banda sonora de la película. Su ‘Live Album’ (2008) presentó muchos de sus éxitos, así como una versión de ""Piece of My Heart"".

Phoebe Snow sufrió una hemorragia cerebral el 19 de enero de 2010 y cayó en coma, coágulos de sangre, neumonía e insuficiencia cardíaca congestiva. Snow murió el 26 de abril de 2011 a los 60 años en Edison, Nueva Jersey.

Discografía:

• 1974: Phoebe Snow
• 1976: Second Childhood
• 1976: It Looks Like Snow
• 1977: Never Letting Go
• 1978: Against the Grain
• 1978: ""CBS INTER-CHORDS WITH PHOEBE SNOW"" (Promo)
• 1981: Rock Away
• 1989: Something Real
• 1991: The New York Rock and Soul Revue: Live at the Beacon
• 1994: Phoebe Snow
• 1995: Good News In Hard Times (with The Sisters of Glory)
• 1998: I Can't Complain
• 2003: Natural Wonder
• 2008: Live

Compilacones:
• 1981: The Best of Phoebe Snow
• 1995: P.S.
• 2001: The Very Best of Phoebe Snow

Con otros artistas:
• ""Gone at Last"" (Still Crazy After All These Years album, 1975) — with Paul Simon
• ""Hymn"" (Aftertones album, 1975) — with Janis Ian
• ""You Really Got a Hold On Me"" (Bobby McFerrin album, 1982) — with Bobby McFerrin
• ""Thankful N'Thoughtful"" (Night Lines album, 1984) — with Dave Grusin
• ""Between Old and New York"" (Night Lines album, 1984) — with Dave Grusin
• ""Tossin' and Turnin'"" (Johnnie Be Back album, 1991) — with Johnnie Johnson
• ""Sometimes Love Forgets"" (Hot Spot album, 1980) — with Steve Goodman
• ""Knock On Wood"" (The New York Rock and Soul Revue album, 1992) — with Michael McDonald
• ""A Lover's Question"" (Portrait of the Blues album, 1993) — with Lou Rawls
• ""Baby I'm Yours"" (Naked City album, 1996) — with Avenue Blue feat. Jeff Golub
• ""The Best Thing"" and ""Swept Away"" (In My Head album, 1999) — with Robert Lamm
• ""One Too Many Mornings"" (Portraits of Bob Dylan album, 1999) — with Steve Howe
• ""Three Little Birds"" (Eyes, Whispers, Rhythm, Sex album, 2002) ⊢ with Gregory Abbott
• ""People Get Ready"" (Ladysmith Black Mambazo & Friends album, 2012) — with Ladysmith Black Mambazo



Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1480 en: Mayo 11, 2018, 05:59:19 pm »



Paula Gomez - Love & Hate (2013)

https://open.spotify.com/album/5dHnySUC5zfm4Qhyw7Zzkz


VOZ 5 ESTRELLAS. Compositora española que hace algunos años decidió despegar con su carrera musical en Irlanda. Con influencias del blues y el jazz, las composiciones de Paula han sido reconocidas por la originalidad de sus melodías y la potencia de su voz, lo que ha atraído la atención de músicos mundialmente reconocidos.

Después de varios EP y lanzamientos promocionales, Paula lanzó su primer álbum completo en 2013, ‘Love & Hate’, fue grabado en Dublin en Cauldron Studios y producido por el guitarrista Bill Shanley. Los músicos que han formado parte de este álbum son Rob Malone (David Gray) en el bajo, en la batería Liam Bradley (Van Morrison) y Paul Binzer Brennan (Waterboys) y el guitarrista Stephen Housden.

Por la potencia y color de su voz se la conoce como la voz negra de Chiclana, su pueblo natal.
Paula Gómez ha colaborado con muchos músicos conocidos. Su último single lanzado es un poema de la poetisa irlandesa del Poeta Paula Meehan, música de Tim Goulding y masterizado por Brian Masterson. Se llama 'Rivermouth' y fue lanzado en diciembre de 2014.
Además, Paula Gómez fue seleccionada como una de las artistas presentadas para la campaña The Guinness Amplify.

Aquí al ladito, en Cádiz, se ha forjado una garganta digna de las mejores divas de la música y una personalidad que asusta en una edad tan temprana. Paula Gómez, como tantos otros de nuestros jóvenes, cultiva su talento de puertas hacia afuera. En la actualidad trabaja, actúa y triunfa en Irlanda y desde allí nos ofrece perlas sonoras como las contenidas en el disco que os cito.
Son 10 temas que al oído rememoran las mejores obras de las grandes cantautoras en lengua inglesa (desde Joni Mitchell o Bonnie Raitt a Melissa Etheridge y Alanis Morissette), y crean una atmósfera tan íntima que es prácticamente imposible escapar a su influjo, máxime si el ataque sensorial se produce en directo.

Paula Gómez le canta a su edén particular desde el éxodo (Tennesse Heart), a los tejemanejes amorosos y vitales (Go away, The sun will come down o In a moment) y a la musa que la parió, la música (For the music). Y todo ello con una factura exquisita, un envolvente sonido folk/blues y la constancia de sentirnos iluminados por una estrella que no cae, sino que se mantiene fulgurante en la mejor escala posible, la de nuestros corazones.

Discografía:

• Rivermouth (2014)
• Love & Hate (2013)
• The Cauldron Sessions (2012)




Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1481 en: Mayo 11, 2018, 06:00:41 pm »



Pat Morrissey ‎– Standing Pat. Swings Songs Of Love (late 1950s)

https://open.spotify.com/album/5ZTFJZY0HzQ8zD40cEVXFx


Una sexy cantante de discoteca de finales de los años 50 con un toque de jazz. Un estilo cálido e íntimo de canto que hace que el material se destaque más que la sesión vocal habitual de la época.Morrissey era popular en los clubes de cena de lujo en todo Estados Unidos y el Reino Unido.

Pat esperó un largo tiempo antes de llamar la atención del público por primera vez. Ella tenía cinco años cuando debutó en una hora de radio para niños en Filadelfia. Poco después, Sophie Tucker la contrató para hablar una línea en un espectáculo de Broadway. Esa frase fue ""Bendiga a mi mami y a mi papi"". Pero su verdadero descanso como actriz profesional adulta llegó no hace mucho tiempo cuando se fue de vacaciones con amigos en Florida.

Cenando en el famoso restaurante de Mother Kelly, sus amigos la desafiaron a cantar. Pat aceptó el reto pero estaba nerviosa. Como si ofreciera algo de protección, Pat se acurrucó como haría un bebé. La reacción a su canto y a su gesto atractivo fue tremenda. Así que, claro, fue contratada por Mother Kelly's y se quedó diez semanas. Luego La Vie en Rose en Nueva York, Crescendo en Hollywood, El Rancho en Las Vegas, Black Orchid en Chicago, Stork Room en Londres y tantos otros ...

Discografía:

• I'm Pat Morrissey - 1957
• Standing Pat - 2011


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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1482 en: Mayo 11, 2018, 06:01:51 pm »



Phyllis Blanford - Edgewalker (2015)

https://open.spotify.com/album/0rMO9vEmFPdzS97lsyi0uY

https://tidal.com/album/55956976


La vocalista Phyllis Blanford ofrece una rica lectura de los estándares con el equipo de Ted Brancato / key, Denny Davis / b, Winard Harper / dr, Don Braden / wwinds, Vic Juris / g, Mayra Casales / perc, James Gibbs / tp , Vincent Gardner / tb, Jason Jackson / tp y Stefon Harris / vib.
Ella toma algunas decisiones sabias al elegir material más reciente de compositoras como Carmen Lundy y Abbey Lincoln, ya que suena firme en convicciones sobre ""Blue Woman"", ""Good Morning Kiss"" y el clásico ""Throw It Away"". Maneja las melodías rítmicas bien, con una lectura sensual de la cosecha ""Save Your Love For Me"" y se intima con Brancato en ""You Don’t Know What Love Is"". Ella se mezcla y combina con vientos ágiles o pequeños grupos delicados, y puede interprtar piezas como ""Night and Day†y “Speak Low"".

“EdgeWalker es el vehículo para impulsarme de nuevo al camino en el que nací. EdgeWalker es mi caída libre ""constructiva"" hacia los sueños diferidos. Es mi primer CD pero con tu amor y apoyo no será el último. Fue arreglado por Don Braden y producido y arreglado por Kate Baker y Don Braden. ¡El viaje para traerte a EdgeWalker ha sido largo y arduo lleno de risas, de lágrimas, de interminables dudas, algunas rabietas y un mundo de amor!
La canción “How I Feel†fue arreglada e interpretada por Lou Rainone. Está dedicado a aquellos que todavía están enfermos y que sufren de adicción, a los que no tienen hogar, a los privados de derechos y a cualquier otra persona que se haya sentido perdida. ‘EdgeWalker’ es mi regalo de amor para ti, es mi historia contada a través de estándares y algunas palabras habladasâ€.

Discografía:

• Edgewalker (2015)

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1483 en: Mayo 11, 2018, 06:03:39 pm »


Phyllis Chapell - Naked World (2015)

https://open.spotify.com/album/2e6a97N895Jfpe5s134pxq


GRAN VOZ. Natural de Pennsylvania, Phyllis Chapell se ha hecho un nombre en la región con su impresionante rango vocal, su capacidad para cantar en numerosos idiomas y su interpretación de la guitarra acústica. Cantando en una variedad de estilos musicales desde una edad temprana, incluyendo canciones religiosas e israelíes en hebreo, folk americano y pop, la música de Chapell la ha llevado a todo el mundo. Durante sus viajes, ha estado muy influenciada por la música brasileña, latinoamericana, europea y africana, agregándolas a su repertorio. Con el tecladista Dan Kleiman, ella ha dirigido el conjunto “Sioraâ€, cuyo sonido predominante es una mezcla de jazz mundial y música brasileña. Chapell también ha actuado con Ken Ulansey Klezmer & World Ensemble, que cubre una amplia gama de estilos que incluyen swing, big band, rock clásico y R & B.

Billie Holiday se encuentra con Joni Mitchell cuando la vocalista multilingüe Phyllis Chapell interpreta su música conmovedora. ""Naked World"" es el tercer lanzamiento en solitario de Chapell, pero el séptimo si incluyes su tiempo con el conjunto de jazz, “Phyllis Chapell & SIORAâ€. Nombrada una de las mejores vocalistas de jazz de todos los tiempos por Scott Yanow de Jazz Times, Downbeat y All Music Guide, Phyllis tiene una voz que solo puede describirse como ""bellamente única"".

Después de la muerte de su socio musical de muchos años en SIORA (Dan Kleiman), y su esposo (Mark), Phyllis Chapell han revitalizado su vida y su espíritu y se han embarcado en un nuevo viaje musical con la ayuda del galardonado productor / compositor Rodney Whittenberg. El CD ""Naked World"" refleja esta nueva etapa de su vida: abrazar el pasado, el presente y el futuro con inspiración, alegría y pasión.
Phyllis Chapell ha dedicado su vida a desarrollar un estilo musical universal cantando ""canciones del mundo"". Su repertorio incluye canciones en 13 idiomas de Brasil, América Latina, Europa, Ãfrica y Medio Oriente, así como también música estadounidense, jazz y popular. Ella también tiene un repertorio de canciones originales galardonadas.

Phyllis Chapell ha actuado en concierto como solista y con su conjunto, Phyllis Chapell & SIORA, en Estados Unidos, Latinoamérica, Brasil y Europa. Su conjunto SIORA incluye a Dave Posmontier, Rob Swanson, Chico Huff, Kevin MacConnell, Jimmy Coleman, Paul Jost, Doug Hirlinger, Jim Hamilton y Joseph Tayoun, así como músicos invitados, como el famoso Howard Levy en armónica, Ken Ulansey en instrumentos de viento de madera, Tony Miceli en vibrafono y Steve Jewett en guitarra y sitar.

Además de los CDs grabados con SIORA (""SIORA"", ""Vis-a-Vis"", ""Vision of the Dry Bones"" y ""The Other Side of the River"", ha grabado 2 CD solistas llamados ""World Songs"" y "" Voice in Flight""... y un proyecto producido por el productor / compositor ganador del Premio Emmy Rodney Whittenberg, su lanzamiento de 2015 ""Naked Worldâ€. Este CD presenta Phyllis Chapell en voz y guitarra, y una variedad de talentosos músicos que añaden sus propias voces al proyecto.

Phyllis Chapell es principalmente solista, pero le encanta la colaboración. Asi que. además de su propio conjunto, Phyllis Chapell & SIORA, tiene una familia musical en constante crecimiento que incluye, entre otros, al extraordinario músico de trompa, Ken Ulansey, el violonchelista de la Orquesta de Filadelfia Udi Bar David, Broadway / El actor de TV / películas Bart Shatto y el Hot Club of Philadelphia (grupo de jazz gitano) dirigido por Barry Wahrhaftig.

Discografía:

• Naked World (2015)
• Voice in Flight (2008)
• World Songs (2000)


Espero que os resulten divertidas.

No dejéis de escuchar a la española Paula Gómez.

Saludos

Luisma
« última modificación: Mayo 11, 2018, 06:05:55 pm por Luisma »

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1484 en: Mayo 13, 2018, 08:37:57 pm »

Buenas tardes compañeros:

Casi pasado el fin de semana os traigo unas cuantas chicas que nos hagan más dulce la vuelta al curro.




Phyllis Hyman - The Classic Balladry of Phyllis Hyman (1996)


Phyllis Linda Hyman, nacida el 6 de julio de 1949 Filadelfia, Pensilvania, EE. UU., murió el 30 de junio de 1995 en Nueva York, por Suicidio por sobredosis, fue una cantante y actriz estadounidense conocida por su música desde fines de la década de 1970 hasta principios de la década de 1990, algunas de sus canciones más notables fueron ""You Know How to Love Me"" (1979), ""Living All Alone"" (1986) y ""Do not Wanna Change The Word"" (1991). Hyman también actuó en Broadway en el año 1981 en un musical basado en la música de Duke Ellington, Sophisticated Ladies, que se extendió desde 1981 hasta 1983. El musical le valió un premio Theatre World y una nominación al premio Tony para el mejor funcionamiento de una actriz en un musical.

Hija de un veterano de la Segunda Guerra Mundial, y Louise Hyman, camarera en un club nocturno local, creció en St. Clair Village, siendo la mayor de siete hijos. Después de dejar Pittsburgh, su formación musical comenzó en una escuela de música. Al graduarse, actuó en una gira nacional con el grupo “New Direction†en 1971. Después de disolverse el grupo, se unió a “All The People†y trabajó con otro grupo local, “The Hondo Beatâ€. En este momento, ella apareció en la película Lenny (1974). Ella también tuvo un período de dos años liderando una banda llamada ""Phyllis Hyman and the P / H Factor"". Fue descubierta en 1975 por el veterano de la industria musical Sid Maurer, y el ex promotor de Epic Records Fred Frank, y firmó con su sello Roadshow Records / Desert Moon.

Hyman se mudó a la ciudad de Nueva York para trabajar en su carrera. Ella hizo la voz de fondo en la Premonición de Jon Lucien y trabajó en clubes. En 1975, cuando Norman Connors estaba sentando pistas para “You Are My Starship†(1976), no pudo obtener permiso para usar a Jean Carne para el álbum y había oído hablar de Phyllis Hyman, que trabajaba en un club en el Westside superior de Manhattan. Una noche, después de un concierto de Jon Lucien en el Carnegie Hall, fue a ver a Hyman y le ofreció un lugar como vocalista en su cuarto álbum para Buddah Records. Una vez que la canción del título se transmitió por radio, You Are My Starship fue oro, catapultando la carrera de Hyman junto con Norman Connors y Michael Henderson a nuevas alturas.

Hyman cantó con Pharoah Sanders y The Fatback Band mientras trabajaba en su primer álbum en solitario, ‘Phyllis Hyman’, lanzado en 1977 en el sello Buddah Records. Cuando Arista Records compró a Buda, fue transferida a esa etiqueta. Su primer álbum para Arista, ‘Somewhere in My Lifetime’, fue lanzado en 1978; la canción principal fue producida por Barry Manilow. Su siguiente álbum, ‘You Know How to Love Me’, alcanzó el nº 20 en las listas de R&B. A finales de la década de 1970, Hyman se casó con su manager Larry Alexander (el hermano del pianista jamaicano Monty Alexander), pero tanto las asociaciones personales como las profesionales terminaron en divorcio. Alrededor de este tiempo, Hyman comenzó a consumir cocaína, desarrollando una dependencia de por vida. El primer éxito de R & B Top Ten de Hyman llegó en 1981 con ""Can not We Fall in Love Again?"", Un dúo con Michael Henderson. La canción fue grabada mientras ella actuaba en el musical de Broadway Sophisticated Ladies, un tributo a Duke Ellington. Actuó en el papel durante casi dos años, recibió una nominación al Premio Tony a la Mejor Actriz Secundaria en un Musical y ganó un Premio Theater World. Los problemas entre Hyman y su etiqueta, Arista, causaron una pausa en su carrera de grabación. Ella usó el tiempo para aparecer en bandas sonoras de películas, anuncios de televisión y voces invitadas, trabajando con Chuck Mangione, The Whispers y The Four Tops. Hyman prestó su voz para tres pistas en el disco del pianista de jazz McCoy Tyner “Looking Out†(1982).

En 1983, Hyman grabó la canción ""Never Say Never Again"" como la canción principal de la película de James Bond del mismo nombre, escrita por Stephen Forsyth y Jim Ryan. Sin embargo, Warner Brothers le informó a Forsyth que Michel Legrand, que escribió la partitura para la película, había amenazado con demandarlos, alegando que tenía los derechos contractuales sobre la canción del título. Una canción de título alternativa compuesta por Legrand finalmente se usó para la película y fue interpretada por Lani Hall, anteriormente de Sérgio Mendes y Brasil '66.
Fuera de Arista en 1985, lanzó el álbum ‘Living All Alone’ en la discográfica Philadelphia International en 1986, incluyendo las canciones ""Old Friend"" y ""You Just Do not Know"". En 1987, Phyllis Hyman grabó ""Black and Blue"" a dúo con Barry Manilow en su álbum de 1987 “Swing Streetâ€. Poco después, apareció en las películas “School Daze†(1988) y “The Kill Reflexâ€. Ella también continuaría prestando su voz a los álbumes de otros artistas y músicos, incluidos Grover Washington, Jr. y Lonnie Liston Smith, mientras que al mismo tiempo realiza giras internacionales.

El siguiente álbum de Hyman, ‘Prime of My Life’, lanzado en 1991, nuevamente en Philadelphia International, siendo el más grande de su carrera. Incluyó su primer éxito de R & B número uno, así como su primer éxito de Billboard Top 100, ""Do not Wanna Change the World"". Poco más de un año después, apareció por última vez en un álbum de Norman Connors, cantando la canción principal, ""Remember Who You Are"".
En noviembre de 1995, cinco meses después de su muerte, se lanzó el noveno álbum de estudio de Hyman, ‘I Refuse to Be Lonely’, también un viaje a su vida personal y muerte.

Tres años después de su muerte, se lanzó un segundo álbum póstumo de material inédito. Las canciones se seleccionaron de varias sesiones de grabación desde mediados de los años ochenta hasta principios de los noventa. ‘Forever with You’ (1998) contiene canciones de amor, baladas agridulces, ofrendas suaves de jazz y canciones uptempo, la mayoría de las cuales muestran la interpretación habitual de Hyman de la angustia y la discordia. La canción ""Funny How Love Goes"" contiene un ""dúo"" póstumo con el vocalista Damon Williams. La marca británica Expansion lanzó una compilación orientada al jazz-soul en 2003 llamada “In Between The Heartaches†que presentó cortes de sus colaboraciones con Norman Connors, McCoy Tyner, Jon Lucien y Pharoah Sanders. También incluyó cinco temas inéditos de su época en Arista.

Discografía:

• Phyllis Hyman (1977)
• Sing a Song (1978)
• Somewhere in My Lifetime (1979)
• You Know How to Love Me (1979)
• Can't We Fall in Love Again? (1981)
• Goddess of Love (1983)
• Living All Alone (1986)
• Prime of My Life (1991)
• I Refuse to Be Lonely (1995)
• Forever with You (1998)