Autor Tema: Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo  (Leído 433125 veces)

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1680 en: Agosto 10, 2018, 07:39:32 pm »



Ruth Dolores Weiss - My Middle Name Is Misery (2012)

https://open.spotify.com/album/4nRTKBgQquhe4aUjeB8UUH

https://tidal.com/browse/album/61319248


Ruth Dolores Weiss es una cantautora israelí nacida en 1978 en Ashkelon y poseedora de una voz muy particular y profunda, que caracteriza sus interpretaciones. Se pasea entre el jazz, el blues, el soul y el rock, lo que la lleva a ser comparada a Björk. Hija de inmigrantes de Ucrania, pasó varios años en Austin, Texas y en 2004 sacó su primer álbum, ‘Come See’ (Raw Versions) en inglés y sólo acompañada de piano. Pero en 2008 sacó el álbum ‘Beivrit’, literalmente, En hebreo, al que siguieron ‘My Middle Name is Misery’, en 2012, y en 2014 ‘Bisfat bnei adam’.

“Cuando pienso en la cantante conmovedora y emocional, el nombre de Ruth Dolores Weiss viene primero a mi mente. Su capacidad para hacer que todas sus emociones surjan desde lugares profundos a la superficie es increíble.
Desde la primera vez que escuché su voz en su álbum ‘Come See (Raw Versions)’, sentí que iba a ser un asunto duradero. Luego vino su siguiente álbum ‘Be'Ivrit’ con sus canciones increíbles y una portada desgarradora y el increíble álbum de covers ‘My Middle Name Is Misery’, ambos se convirtieron en una parte muy importante de mi colección de discos privados y me rompen el corazón cada vez que los escuchoâ€. - David Pearl.

Discografía:

• We Had a Forest (Banda sonora original de la película) (2018)
• Bisfat B'nei Ha'adam (2014)
• My Middle Name Is Misery (2012)
• בעברית (Be'Ivrit) (2008)
• Come See (2004)


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1681 en: Agosto 10, 2018, 07:41:02 pm »



Ruth Etting – Smoke Gets In Your Eyes (2006)

https://open.spotify.com/album/4cZbKkoc1ErDMN9pS0OVLb

https://listen.tidal.com/album/4767812


Ruth Etting (23 de noviembre de 1897 - 24 de septiembre de 1978) fue una actriz y estrella estadounidense del canto de los años 1920 y 1930, que tuvo más de 60 grabaciones exitosas y trabajó en el escenario, la radio y el cine. Conocida como ""America's sweetheart of song"", sus canciones más emblemáticas fueron ""Shine On, Harvest Moon"", ""Ten Cents a Dance"" y ""Love Me or Leave Me"". Sus otras grabaciones populares incluyen ""Button Up Your Overcoat"", ""Mean to Me"", ""Exactlike Like You"" y ""Shaking the Blues Away"".

Cuando era una niña en Nebraska, Etting había querido ser un artista. A los dieciséis años, sus abuelos decidieron enviarla a la escuela de arte en Chicago. Mientras Etting asistía a clase, encontró un trabajo en el club nocturno Marigold Gardens; después de un corto tiempo allí, Etting abandonó las clases de arte a favor de una carrera en el mundo del espectáculo. Etting, que disfrutaba cantando en la escuela y la iglesia, nunca tomó lecciones de voz. Ella rápidamente se convirtió en vocalista destacada en el club.
Etting fue manejada por Moe Snyder, con quien se casó en 1922. Snyder hizo arreglos para los contratos de grabación y cine de Etting, así como sus apariciones personales y de radio. Se hizo nacionalmente conocida cuando apareció en Flo Ziegfeld's Follies de 1927.

Etting tenía la intención de retirarse de la actuación en 1935, pero esto no sucedió hasta después de su divorcio de Snyder en 1937. Harry Myrl Alderman, el pianista de Etting, se separó de su esposa cuando él y Etting comenzaron una relación. A Snyder no le gustó ver a su ex esposa en compañía de otros hombres y comenzó a amenazar telefónicamente a Etting en enero de 1938. En octubre, Snyder viajó a Los Ãngeles y detuvo a Alderman después de que saliera de una estación de radio local; obligó al pianista a llevarlo a la casa de su ex mujer a punta de pistola. Diciendo que tenía la intención de matar a Etting, a Alderman y a su propia hija, Edith, que trabajaba para Etting. Snyder le disparó a Alderman. Tres días después de que dispara a Alderman, su esposa presentó una demanda contra Etting por enajenación de afectos.

El divorcio de Alderman no sería definitivo hasta diciembre de ese año. La pareja se casó durante el juicio de Moe Snyder por intento de asesinato en diciembre de 1938. Etting y Alderman se mudaron a una granja en las afueras de Colorado Springs, Colorado, donde estuvieron fuera de foco durante la mayor parte de sus vidas. Su historia novelada fue contada en la película “Love Me or Leave Me†de 1955 con Doris Day como Ruth Etting y James Cagney como Snyder.

Después de una prueba no emitida por Victor el 4 de abril de 1924, Etting firmó con Columbia Records en febrero de 1926. Permaneció en Columbia hasta junio de 1931, cuando dividió su grabación entre ARC (Banner, Perfect, Romeo, Oriole, etc.) y Columbia hasta marzo de 1933. Firmó con Brunswick y permaneció allí hasta mayo de 1934, cuando volvió a firmar con Columbia hasta julio de 1935.
Después de una sesión solitaria en Brunswick en marzo de 1936, firmó con el sello británico Rex y grabó dos sesiones en agosto y septiembre de 1936. Etting regresó a los Estados Unidos y firmó con Decca en diciembre de 1936 y grabó hasta abril de 1937, cuando básicamente se retiró de la grabación.

En general, grabó más de 60 canciones.

En 1927 se mudó a la ciudad de Nueva York, donde en la obra Ziegfeld Follies de 1927 permaneció hasta enero de 1928, 167 veces en el escenario. También fue exitoso el musical Whoopee!, en el cual Etting intervino en 407 representaciones entre diciembre de 1928 y noviembre de 1929.

En 1929 Etting celebró su debut como actriz de cine en la película Blue Songs. En las 30 películas que filmó hasta 1936, ella generalmente actuaba en el papel principal. En Like That de Broadway, ella apareció en 1930 como prometida de Humphrey Bogart frente a la cámara. En la comedia cinematográfica Hips, Hips, Hooray!, en 1934, Ruth Etting interpretó a un personaje llamado Ruth Etting.

Ruth Etting fue una de esas actrices cuyas vidas privadas marcaron el final de su carrera. En noviembre de 1937, se divorció de Martin Snyder, probablemente porque se había enamorado de su pianista Myrl Alderman. Snyder pensó en la venganza, secuestró a Alderman en 1938 y lo hirió de un tiro. Alderman sobrevivió y se casó con Ruth Etting en diciembre de 1938.

Ruth Etting y Myrl Alderman tuvieron un matrimonio de casi 28 años que terminó con la muerte de Alderman en noviembre de 1966. En todos estos años, Etting logró ganar un punto de apoyo en su carrera cuando obtuvo su propio programa de radio en 1947.

Ruth Etting murió en Colorado a la edad de 81 años.

Discografía:

• Smoke Gets In Your Eyes (2006)
• Ten Cents A Dance 1926-1930 (1994)


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1682 en: Agosto 10, 2018, 07:45:54 pm »



Ruth Jacott - Simply The Best (2012)

https://open.spotify.com/album/72R6zKCguqg4P7j81RBuqi


Ruth Jacott (Paramaribo, 2 de septiembre de 1960) es una cantante holandesa, originaria de Surinam. A los nueve años emigró con su familia a los Países Bajos. A los 17 años tomó parte en un concurso de talentos, tras el que recibió ofertas de trabajo. Abandonó el conservatorio de Hilversum y comenzó su carrera con The Vips y bandas como The Skymasters, la VARA-Dans Orkest y la Metropole Orkest.

En 1988, Jacott ganó el Festival Kneistival que se celebra en Knokke-Heist, Bélgica. Tras su éxito recibió ofertas para trabajar en el teatro musical. Interpretó papeles en producciones, tanto en lengua neerlandesa como en alemán, tales como Cats y A night at the Cotton Club, haciendo giras por los Países Bajos, Bélgica, Alemania y Suiza. En 1989 Jacott recibió el Zilveren Harp (Arpa de Plata).

En 1993 se le pidió que representase a los Países Bajos en el Festival de la Canción de Eurovisión, por lo que el 25 de marzo de ese año interpretó en una preselección que se hizo en Ãmsterdam seis canciones de las que fue elegida ""Vrede"" (Paz). El Festival tuvo lugar en 15 de mayo en Millstreet, Irlanda. La canción obtuvo la sexta plaza de un total de 25 participantes.

Tras su paso por Eurovisión lanzó su primer álbum ‘Ruth Jacott’. Junto a Paul de Leeuw cantó a dúo ""Blijf bij mij"" (Quédate conmigo) que fue un éxito. En 1994 su segundo álbum ‘Hou me vast’ (Abrázame), fue doble platino en el mercado holandés. Además, colaboró con Gerard Joling, René Froger y Oscar Harris. Con el sencillo benéfico Buseruka, escrito junto a oyentes de la radio holandesa 3FM, recaudó fondos para UNICEF y proyectos de Oxfam en Ruanda.

Su tercer álbum ‘Geheimen’ (Secretos) apareció en 1995 y fue disco de oro. Actuó en los principales teatros holandeses. Con toda esta actividad tuvo que hacer un parón para no agotar la voz. En febrero de 1997 fue galardonada con el ""Arpa de Oro"". Dos meses después lanzó su álbum ‘Hartslag’ (Latido), que fue un éxito y comenzó una nueva gira. El recopilatorio ‘Altijd Dichtbij’ (Siempre cerca de ti) fue lanzado en 1998 y contenía una selección de cinco años de éxitos. En 1999 interpretó el tema de la película holandesa “Kruimeltjeâ€. En 2000 fue operada de las cuerdas vocales. Tras lo cual volvió a los escenarios. Su álbum ‘Vals verlangen’ (Falso anhelo) fue disco de oro.

En la temporada teatral 2005-2006 volvió a los escenarios con su espectáculo “A Touch of Latin†en el que cantaba en neerlandés y en español. En 2008 Jacott interpretó el papel principal en un musical sobre Billie Holiday del mismo título. Su actuación fue alabada por crítica y público, y recibió el premio holandés a la ""Mejor interpretación femenina en un musical pequeño"".

En 2010 Jacott hizo un papel en la serie musical 't Spaanse Schaep (La oveja española) como Jopie Vrijman.

El título del CD que os cito, ‘Simply The Best’, sugiere que este es un álbum recopilatorio con las mejores canciones de Ruth Jacott. Aún así, el álbum no es una colección con trabajos antiguos, si no que contiene algunas de las canciones más bellas que Jacott alguna vez cantó.
En el álbum en vivo ‘Simply The Best’, Ruth Jacott honra a sus cantantes favoritas. Vocalistas exitosas que todavía apelan a la imaginación: Diana Ross, Billie Holiday, Shirley Bassey, Chaka Khan, Dinah Washington, Roberta Flack, Nina Simone, Gladys Knight, Aretha Franklin, Etta James, Tina Turner y Beyoncé.

Ya no tenemos que examinar las habilidades vocales de Ruth Jacott, porque en su carrera de más de 20 años ya ha demostrado su valía. Sin embargo, Simply The Best es una muestra interesante de Jacotts y una colección de sus canciones favoritas.

Como una de las divas holandesas más grandes, Ruth Jacott puede recordar una gran carrera, siendo uno de los aspectos más destacados su papel como Billie Holiday en un musical sobre la cantante. En ‘Simply The Best’ vemos a Jacott en el teatro con un espectáculo en el que interpreta canciones de Holiday y otras grandes cantantes como Diana Ross y Shirley Bassey.
Como cantante holandesa, su currículum palidece en comparación con el de la superestrella internacional de la que está tan orgullosa. El hecho de que Jacott a menudo imita ligeramente las voces de sus ejemplos durante sus homenajes también irritará después de un tiempo. Jacott es una gran cantante y tiene suficientes éxitos para mantenerse por sí misma, pero como intérprete del trabajo de los demás esta vez se está perdiendo algo.

Discografía:

• Ik Adem Je In (2014)
• Simply The Best (2012)
• A tribute to Billie Holiday (2010)
• Passie (2009)
• Het beste van Ruth Jacott (2004)
• Tastbaar (2002)
• Live in Carré (2000)
• Vals verlangen (1999)
• Altijd dichtbij: De hitcollectie (1998)
• Hartslag (1997)
• Geheimen (1995)
• Hou me vast (1994)
• Ruth Jacott (1993)


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1683 en: Agosto 10, 2018, 07:47:37 pm »



Ruth Koleva – Ruth (2013)

https://open.spotify.com/album/6xFnZhfyip1zqeWcEU3u35

https://tidal.com/browse/album/38830913


Ruth Koleva es una raza diferente de artistas. Nacida en un mundo volátil de corrupción y dificultades en la Europa oriental poscomunista, soportó una infancia difícil, en gran parte sin su madre, encontró la salvación en los clásicos (Marvin Gaye, Ella Fitzgerald, Nat King Cole) y se convirtió en ""endurecida por el turismo"", yendo a destinos lejanos como India y Tailandia en compañía de su padre olímpico (un entrenador de levantamiento de pesas). A partir de ahí, Koleva rápidamente se convirtió en un músico redondeado, pasando un año revelador en la Academia Pop de Hollywood y emprendiendo excursiones de espíritu libre en varias escenas locales incluyendo soul, hip hop y el movimiento bass más efímero pero no obstante popular. Todo esto antes de los 18 años.

Más recientemente, Koleva se ha convertido en embajadora de lo mejor de Bulgaria, la más joven en ser galardonada con el premio Mujer del año de GRAZY y mejor cantante femenino en los premios BG Radio de 2012, nada menos, compartiendo el escenario con el vocalista de jazz Bobby McFerrin, llegando al finales de la serie de TV Music Idol.
Su próximo paso: ""Quiero hacer una gira y colaborar por todas partes: Europa occidental, EE. UU., Asia, recorrer mi propio camino y encontrar mi propio sonido"", dice Koleva. Ese sonido es innegablemente conmovedor e intrincado, un esfuerzo por acercar a cada oyente a sus propias emociones. ""Para darte esa sensación de primer amor, las mariposas en tu estómago, un hambre de más"", como ella dice. El poder de su música es sutil, lentamente girando su atención y recompensando a aquellos que pasan tiempo con ella.

Koleva también tiene un verdadero instinto de escritor. Al igual que su contemporánea Jessie Ware, la habilidad de Koleva para montar múltiples géneros y ritmos la ha convertido en una artista muy versátil. Ella sabe lo que quiere decir, cómo y cuándo. Como vocalista, su tono está imbuido de calidez, sinceridad y, particularmente cuando se trata de asuntos de amor y sensualidad. Artistas que definen la época como Erykah Badu y Jill Scott han proyectado una sombra tan grande sobre este estado de ánimo que es casi imposible no ser influenciados por ellas.
Por supuesto, Koleva es una gran admiradora, pero está decidida a encontrar su propia expresión única de esta cosa llamada alma, a menudo encontrando el ambiente adecuado para una canción en el momento, una frase, un acorde. Es el intérprete en ella. ""En el estudio tengo más tiempo para crear el sonido, para pensar en mi mensaje y para canalizar mis propios sentimientos"", explica, ""pero es en el escenario donde realmente cobro vida. Prefiero compartir mis sentimientos en ese entorno y trata de desarrollar algo nuevo basado en la respuesta de la multitud "".

Hablando de artesanía, Koleva sin duda ha mejorado su juego en este álbum, asumiendo el control total de su carrera y reclutando una gran variedad de talentos: el teclista y compositor Vincent Helbers (Seravince, Flowriders), un alquimista en el estudio, el baterista Richard Spaven (José James, Guru, Flying Lotus), los coguionistas Coronel Red, Rachel Row y Diggs Duke, Stamina MC y la vocalista Sharlene Hector, entre otros.
Grabado a una velocidad vertiginosa, trabajando en torno a los apretados horarios de los involucrados, este fluido álbum va a encantar a muchos oyentes. También es una marca importante en la evolución de Ruth Koleva. El momento en que un tesoro nacional se convierte en un artista de grabación internacional.

Discografía:

• Run (2016)
• Vse Pak (2015)
• Clarity (Opolopo Remix) (2014)
• Ruth (2013)
• Within Whispers (2011)



Hasta aquí por hoy.

Saludos

Luisma

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1684 en: Agosto 12, 2018, 07:41:14 pm »
Buenas tardes compañeros:

Vamos con nuevas voces femeninas para iniciar la semana.




Ruth Olay - Vocal & Jazz Classics (2013)

https://open.spotify.com/album/4uWUtCFphDsHK4ZBAfv5Ra

https://listen.tidal.com/album/6512192


Ruth Olay (nacida en San Francisco en 1924) es una cantante de jazz con ascendencia húngara, hija de su padre rabino y su madre cantante en un coro profesional. Tras mudarse a Los Ãngeles mientras aún era un bebé, Olay se convirtió en un elemento fijo en la escena de los clubes nocturnos de Hollywood a finales de los años 40 y durante los años 50 y principios de los 60.

Inicialmente un prodigio del piano, su interés en la música se desarrolló a partir de la exposición al trabajo de coro profesional de su madre. A los 16 o 17 años, trabajando como secretaria en Twentieth Century Fox, Olay realizó clases de canto con la instructora vocal Florence Russell (Dorothy Dandridge). Mientras estaba en el trabajo, conoció a una de las vocalistas de Duke Ellington, Ivie Anderson. Juntas asistieron al lugar donde Ellington estaba tocando y Olay fue persuadida a cantar. En 1942, en la fiesta de matrimonio de su madre, cantó e impresionó a un invitado, la esposa del compositor Irving Gordon (Throw Mama From the Train, Unforgettable). Gordon a su vez presentó a Olay al músico de jazz Benny Carter quien se convirtió en su mentor musical.

Actuó bajo el apodo de Rachel Davis y, debido a su complexión oscura, pasó como mujer negra, con Carter en San Diego, y más tarde con Jerry Fielding en los clubes de Los Ãngeles y Beverly Hills, mientras mantenía un trabajo de día de secretaría en Twentieth Century Limited, que incluía trabajos para el célebre guionista Preston Sturges. En el Cabaret Concert Theatre, donde trabajó como camarera y cantaba, llamó la atención de Bill Hitchcock, de Zephyr Records. El primer LP de Olay en Zephyr fue grabado en 1956.

Mientras tocaba en el Little Club, Bill Burton se acercó a Olay, quien se encargó, entre otros, de Jimmy Dorsey y Dick Haymes, y pronto tuvo su gran oportunidad cuando Burton le reservó un concierto de emergencia en el Avant Garde Club en sustitución de Billie Holiday, quien había caído enferma. Esto se convirtió en un titular, junto con Shelley Berman, Matt Dennis Trio y Lenny Bruce. Un habitual en el club fue el arreglista Peter Ruggolo, quien fue seleccionado por Mercury Records.

Su primer LP en Mercury fue ‘OLAY!’, en 1958, fue seguido por una invitación en Jack Paar's Tonight Show. Se convirtió en la ""Sensación de cantar del Jack Paar Show"" durante la temporada de Paar, y también apareció más tarde en el Johnny Carson’s watch, al final respaldada por Duke Ellington. Las apariciones posteriores incluyeron el programa de televisión de Jerry Fielding, y con Merv Griffin, Jackie Gleason y Steve Allen. En 1961, Olay encontró tiempo para interpretar el papel de Julie en la producción de Showboat de Lewis & Youngs.

Para el segundo LP en Mercury, ‘Easy Living’, en 1959, Olay formó con Jerry Fielding, cuyos créditos incluían arreglos con grandes bandas como las de Kay Kyser, Claude Thornhill, Jimmie Lunceford, Tommy Dorsey, Charlie Barnet y Les Brown. Los siguientes LPs se publicaron en diferentes sellos, después de la partida de Olay de Mercury, y ella continuó sus apariciones en discotecas y programas de televisión hasta la década de 1960. Después de pasar un tiempo actuando en Europa, Olay regresó a los EE. UU. y se fue gradualmente retirando de cantar hasta hacerlo por completo.

Discografía:

• It's About Time (1956)
• OLAY! (1958)
• Easy Living (1959)
• In Person Recorded Live at Mr. Kelly's (1960)
• 1963 OLAY! O.K.!! (1960)
• Soul In The Night (1966)
• Jazz at the Ojai Festivals Bowl (1979 )
• Ruth Olay Sings Jazz Today (1982)
• Watch What Happens - Ruth Olay & Her Friends (1982)


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1685 en: Agosto 12, 2018, 07:42:28 pm »



Ruth Price - Sings with Johnny Smith Quartet (1956)

https://open.spotify.com/album/4KH0qV4Jw1xR3EQMEXDnul

https://tidal.com/browse/album/18383189


Ruth Price (nacida el 27 de abril de 1938) es una cantante de jazz estadounidense y directora artística del club de Jazz Bakery en Los Ãngeles, California. Price asistió a la escuela de ballet en 1952. En 1954, cantó con Charlie Ventura y luego trabajó como cantante y bailarina en Filadelfia y la ciudad de Nueva York. Se mudó a Hollywood en 1957 gdonde rabó un buen álbum con Shelly Manne (que ha sido reeditado en la serie Original Jazz Classics), pero no cortó su segundo álbum como líder hasta 1983 (para ITI). Ella viajó con Harry James (1964-1965), pero en los años 90 se hizo más conocida por dirigir uno de los mejores clubes de jazz de Los Ãngeles, el Jazz Bakery.

Una cantante talentosa cuyas amplias cualidades expresivas le hacen justicia a cualquier letra que elija interpretar, Ruth Price ha realizado relativamente pocas grabaciones a lo largo de su carrera. El repertorio de Price incluye muchas gemas oscuras y poco conocidas del Great American Songbook. Ella ha trabajado como profesora asistente adjunta en el Departamento de Etnomusicología de la UCLA.

Este álbum es un conjunto de estándares entregados por Ruth Price, respaldada por Johnny Smith, uno de los eminentes guitarristas del jazz. Price y Smith trabajan maravillosamente bien juntos en arreglos de buen gusto interpretados de una manera urbana, inteligente y discreta. No hay pirotecnia en esta sesión. Su colaboración en ""This Heart of Mine"" rivaliza con la versión clásica de Sarah Vaughan. ""Goodbye"" de Gordon Jenkins con la guitarra dramática de Smith y las vibraciones suaves de John Rae tocando en apoyo de Price, es lo más destacado del álbum. En ""When You Wish Upon a Star"", popularizada por Ukelele Ike Edwards en Pinocho, Smith abandona su toque de acompañamiento para un acercamiento de punteo detrás de Price.
Si bien se compone principalmente de baladas lentas, la atmósfera seria se alivia de vez en cuando con un número optimista, como ""Time after Time"" y un ""Back in Your Own Back Yard"" hecho con alegría swinging. No bendecida con una voz abrumadora o una gran variedad, Price se concentra en sus habilidades interpretativas mientras trabaja su voz genial con muy buenos resultados. Price no registró mucho durante su carrera, pero lo que está disponible merece la pena.

Discografía:

• My Name is Ruth Price: I Sing (1955)
• Ruth Price Sings with the Johnny Smith Quartet (1956)
• The Party's Over (1957)
• Ruth Price with Shelly Manne & His Men at the Manne-Hole (1961)
• Live and Beautiful (1963)
• Lucky to Be Me (1983)


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1686 en: Agosto 12, 2018, 07:44:04 pm »



Ruth Wilhelmine Meyer - Klangbiotoper (2018)

https://open.spotify.com/album/1CpjFtrFH2758nKmrV4nym

https://tidal.com/browse/album/82644125


Ruth Wilhelmine Meyer (8 de febrero de 1961, Vinje, Noruega) es una cantante independiente y exploradora vocal. Ella da conciertos y actuaciones vocales en Noruega y en toda Europa. Su amplio espectro de sonido y un rango vocal de alrededor de 5 octavas la hacen una cantante notable y muy apreciada.

Ruth Wilhelmine Meyer es solista vocal de la World Orchestra - Grzech Piotrowski, junto con solistas instrumentales de Europa y Asia.
En Noruega, ella está involucrada en diferentes proyectos:
“Stein til steinâ€,  un concierto de poesía basado en la poesía de Jon Fosse junto con el pianista Helge Lien y la actriz Anne Marit Jacobsen.

“Memnon†personajes de Ibsen junto con el galardonado pianista Helge Lien. Recibieron críticas fantásticas en Alemania y EE. UU. Por su CD lanzado en 2013.

También trabajó durante un largo período con la cantante noruega Agnes Buen Garnas FUGL y LJOD. En LJOD también junto con la percusionista Marilyn Mazur y Helen Davies Mikkelborg.

Ella compone teatro y música de cine junto con Lasse Passage Nøsted e Isak Anderssen.

El trío “AKKU†con tubaist Lars Andreas Haug y la cantante Elfi Sverdrup ha lanzado dos CD.

Varios compositores le han escrito música, como: Henrik Helstenius, Synne Skouen, Magnar Åm og Grzech Piotrowski.

También participó en la ópera contemporánea: “Isslottet† basada en la novela de Tarjei Vesaas y música del compositor Magnar Åm, interpretada en el Royal Danish Operahouse de Copenhague.

Ella tiene su maestría de la Academia Grieg en Bergen y dos años de estudios en la Academia de Música Mozarteum en Salzburgo, Austria. Ruth Wilhelmine Meyer enseña en la Norwegian Theatre Academy en Fredrikstad y en la Academia Ole Bull para folklore.

Una ballena muerta con 30 bolsas de plástico en su vientre. Un pez payaso desorientado que ya no puede oler al enemigo. El alegre sonido de los cencerros de las ovejas en las montañas se desvanece gradualmente.
 La naturaleza, con sus especies y biotopos, está cambiando.
Un biotopo es un lugar de vida para organismos, un lugar donde la convivencia de las especies depende por completo la una de la otra.
“Todo comenzó cuando en un momento estuve alarmantemente abrumada por los cambios que estaban teniendo lugar en los biotopos que me rodeaban y en nuestra tierra, y la falta de voluntad de la humanidad para actuar, así como la mía. Quería ponerme en diálogo con los diferentes lugares de la naturaleza, las plantas y las criaturas vivientes.
Traté de mover mi enfoque, intenté ver las cosas desde el punto de vista de los biotopos y las especies, traté de cerrar la brecha entre la naturaleza y yo, y experimenté gratamente mi visión cambiando de ""eso y yo"" a ""usted y yo"". “Yo - nosotros"".
En KLANGBIOTOPER mi intención ha sido dejar que la música sea el ojo de una cámara enfocando los detalles y las especies separadas, luego haciendo zoom en paisajes y biotipos más grandes y finalmente en nuevas especies, como una expedición sónica.
Durante este proceso, experimenté que la música tiene su origen en tres aspectos: tiempo, silencio, atención, los tres a menudo faltan en nuestras vidas hoy en día.
Espero que la música en KLANGBIOTOPER despierte nuestro amor por lo extraño, lo diferente, lo incongruente y nos recuerde nuestra convivencia con otras formas de vidaâ€.

Intervienen: Multivocales: Ruth Wilhelmine Meyer, Tuba: Lars Andreas Haug, Saxofones: Grzech Piotrowski, Percusión: Terje Isungset, Vocalista invitado: Zakarias Nikolai Meyer Øverli (No. 9)

Discografía:

• Klangbiotoper (2018)
• Stein til stein (2013)
• Memnon – Soundportraits Of Ibsen Characters (2013)
• Grzech Piotrowski World Orchestra - Live in Gdansk  (2013)
• Grzech Piotrowski World Orchestra  (2012)
• AKKU5 (2011)
• R’arier for en kjole – changing identities (2010)


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1687 en: Agosto 12, 2018, 07:45:13 pm »



Ruth Young - This Is Always (2005)




Ruth Young es una cantante de jazz estadounidense. Ella se asoció romántica y artísticamente con el trompetista de jazz Chet Baker en la década de 1970.
Young creció en una familia del mundo del espectáculo en Manhattan y Beverly Hills. Su padre era el vicepresidente de United Artists Company. Sus padres eran amigos de la actriz Jane Russell y Marilyn Monroe e iban juntos a clubes de jazz en Los Ãngeles. Young se interesó en cantar a una edad muy temprana y cantaba para Peggy Lee, Anita O'Day, Julie London y Frank Sinatra a la edad de 7 años.

En 1973, Young conoció a Chet Baker mientras encabezaba en el Club Half Note. Recuerda que se veía ""absolutamente horrible con sus facciones flacas y su traje burdeos, rojo y botas de vaquero y sonaba como mierda"", pues tiempo atrás (1966) en una pelea Chet perdió los dientes, lo que le impidió tocar la trompeta abocándole a un estado de fuerte depresión de la que buscó refugio en el mundo de las drogas, pero era encantador, todavía lo consideraba un héroe. Los dos comenzaron a pasar tiempo juntos y comenzaron una relación. Dos dúos entre Baker y Young aparecieron en su álbum de 1977 “The Incredible Chet Baker Plays and Singsâ€, hecho en Milán.

En 1988, Young ganó mucha atención por sus mordaces comentarios sobre Baker en la película documental “Let's Get Lostâ€. Ella lo describió como ""manipulador"" y luego dijo ""debes darte cuenta, Chet no era tan inteligente. Él no sabía lo que estaba haciendo ... Simplemente lo hizo"".

La música elegida para su grabación debut no es una grabación tributo, sino, como ella misma dice, ""mi más sincera dedicación al recuerdo de Chet de nuestros propios años públicos y privados"".
La docena de selecciones se grabaron en Augsburgo, Alemania, en el estudio de Wolfgang Lackerschmid, el vibrafonista con el que Baker había grabado varios álbumes excelentes a finales de los años setenta. Young también seleccionó al veterano saxofonista Herb Geller, con quien Baker grabó algunas maravillosas sesiones de la costa oeste de la década de 1950, así como al pianista Walter Lang y al bajista Rocky Knauer. Geller suministra varios solos sinuosos de alto y ayuda a reconstruir el mundo de 1955 una vez más. Su elección de ir sin un baterista fue un remanente de las preferencias de Chet Baker.

La presentación y la entrega de las canciones es una cápsula del tiempo, la sesión vocal de Chet Baker con Ruth Young emulando de manera extraña el fraseo y el tiempo de Baker. ¿Es esta imitación o arte? ¡No obtendrás ningún efecto negativo de este admirador! Si eres partidario de la mística vocal de Baker, entonces esta grabación debería ser para ti. A pesar de un problema de entonación ocasional, Ruth Young recrea admirablemente una era e incluso incluye algunos versos nunca antes escuchados para ""This Is Always"" y ""Let's Get Lost"".
Personal: Ruth Young, voz; Herb Geller, saxo alto; Walter Lang, piano; Wolfgang Lackerschmid, vibraciones; Rocky Knauer, bajo.

Discografía:

• This Is Always (2005).


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1688 en: Agosto 12, 2018, 07:46:30 pm »


Ruthie Foster - Stages (Live) (2004)

https://open.spotify.com/album/3Roa4Z7JYGAisR5JBovvlK


Ruthie Foster es una cantautora americana de blues y folk. Su álbum de debut fue publicado en 1997 y ha actuado en América del Norte, Europa y Australia. A menudo ha sido comparada a Bonnie Raitt y Aretha Franklin.

En junio de 2009, Foster hace una gira con los Blind Boys of Alabama. En diciembre de 2009 su CD, The Truth According to Ruthie Foster, fue nominado para un Grammy para Mejor Ãlbum de Blues Contemporáneo. En mayo de 2010, en el Premios de Música Blues, fue reconocida como Artista femenina de Blues Contemporáneo del Año.

Foster es de Gause, Texas y proviene de una familia de cantantes de gospel. A la edad de catorce años, Ruthie era una solista en su coro natal, y estaba segura de que su futuro giraría en torno a la música. Después de la escuela secundaria, Ruthie se trasladó a Waco, Texas, para asistir a la universidad comunitaria, donde sus estudios se concentraron en la música y la ingeniería de audio. Comenzó al frente de una banda de blues, aprendiendo cómo actuar en los bares de Texas.

Con la esperanza de viajar y ganar una perspectiva mundial más amplia, Foster se unió a la Armada, y pronto su talento musical la encuadró en la banda naval Pride, que tocó pop y funk en campañas de reclutamiento en el sureste de Estados Unidos. Después de su turno de servicio, Ruthie se dirigió a Nueva York, donde se convirtió en una intérprete regular en varios clubs locales. Atlantic Records se dio cuenta del talento de Foster y le ofreció un contrato de grabación, con la intención de cultivarla como una estrella pop en ciernes, pero Foster no estaba interesada en una carrera pop, prefiriendo explorar las diversas variedades de la música de raíces americanas que conoció desde su infancia.

Cuando su madre cayó enferma en 1993, Foster salió de Nueva York y dejó su contrato de grabación y regresó a Texas para estar con su familia. Comenzó a trabajar como operadora de cámara y asistente de producción en una estación de televisión en College Station, Texas, mientras cuidaba de su madre, que falleció en 1996. Un año más tarde en 1997, Foster auto-lanzó el álbum ‘Full Circle’, cuyo éxito allanó el camino a una larga relación con la discográfica Blue Corn Music.

Blue Corn lanzó el álbum de seguimiento ‘Crossover’ en 1999, ‘Runaway Soul’ en 2002, y ‘Stages’ (con una serie de pistas en vivo) en 2004. Stages marcó un punto de inflexión en la carrera de Foster, como la experiencia de una Ruthie Foster en vivo capaz de ser apreciada por una amplia audiencia.
El siguiente lanzamiento de Foster fue ‘Heal Yourself’ en 2006, seguido por el álbum de estudio ‘The Phenomenal Ruthie Foster’ en 2008 (producido por Papa Mali) y ‘The Truth According to Ruthie Foster’ (producido por el productor ganador de los Grammy, Chris Goldsmith), grabado en Ardent Studios en Memphis, en 2009. El álbum ganó una nominación al premio Grammy al mejor álbum de blues contemporáneo. En el 2012, Ruthie y Blue Corn lanzaron el álbum de estudio ‘Let It Burn’, que contó con invitados especiales como The Blind Boys of Alabama, William Bell y la sección rítmica de The Funky Meters, y fue producido por el ganador del premio Grammy John Chelew. ‘Let It Burn’ ganó a Foster una segunda nominación al Grammy, esta vez para el mejor álbum de Blues, y fue el vehículo para numerosos premios Blues Music Awards ganados por Foster. Su álbum ‘Promise of a Brand New Day’, fue lanzado por Blue Corn Music en 2014.

Es una artista invitada y frecuentemente buscada, Foster actuó con la Allman Brothers Band en 2012 en el Beacon Theatre en su actuación anual en Nueva York. Ella cantó en cuatro canciones, incluyendo una versión de ""The Weight"", ""en la que compartió versos con Susan Tedeschi. Ha viajado con los Blind Boys de Alabama, así como con Warren Haynes y también aparece en el álbum de Haynes Man In Motion. Recientemente fue presentada como invitada especial en The House of Blues y en el programa de radio de Elwood Blue, The Blues Mobile, así como en Austin Live: Tick Tock, un corto de video producido por la Ciudad de Austin. Las actuaciones de Ruthie son bastante espectaculares como lo demuestran los cientos de videos y fotos publicados por sus fans a través de las redes sociales.

Discografía:

• Joy come back (2017)
• Promise of a Brand New Day (2014).
• Let It Burn (2012).
• Live At Antones (2011).
• The Truth According to Ruthie Foster (2009).
• The Phenomenal Ruthie Foster (2007).
• Stages (2004).
• Runaway Soul (2002).
• Crossover (1999).
• Full Circle (1997).



Hasta pronto amigos.

Saludos

Luisma
« última modificación: Agosto 12, 2018, 07:48:06 pm por Luisma »

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1689 en: Agosto 16, 2018, 10:44:13 am »
Buenos días compañeros:

Nueva entrega de voces femeninas del jazz contemporáneo.

Con las chicas de hoy doy por completa, de momento, la letra R e iniciamos la S que a priori parece muy productiva.




Sonoma (Romy Kaye) - New Orleans Is The One I Love (2010)

https://open.spotify.com/album/6y1paL6RmhJcQHh6yqtJ8j

https://tidal.com/browse/album/39648926


Esta colección de una docena de canciones incluye 6 composiciones originales y 6 clásicos, todos pensados para celebrar la gran ciudad de Nueva Orleans. Aquellas canciones que no hacen referencia directa a elementos de nuestra ciudad y su cultura reflejan el espíritu de la Ciudad Creciente - las emociones de la vida en los extremos - júbilo y dolor, amor y angustia - una sensación de que la vida en su totalidad debe ser experimentada con pasión.

Uniéndose al dúo de Romy Kaye (voz) y Craig Cortello (guitarra) en esta grabación intervienen Tony Dagradi (saxofón), Tim Laughlin (clarinete), Harry Ravain (batería), Al Arthur (bajo), (excepto las pistas 4 y 10, Jim Markway).

Romy Kaye, nacida y criada en el sur de California, creció escuchando y cantando según los registros de jazz y blues de su madre. Romy estudió Teatro y Danza en la Universidad Estatal de San Diego, pero la música es donde realmente brilla. Actuó con sus bandas (“Romy Kaye y The Swingin' Gatesâ€, “The Shapiro'sâ€, “Romy Kaye Trioâ€, “The Buddy Blue Bandâ€) en lugares como The Derby en Los Ãngeles, The Belly Up Tavern en Solana Beach, Fez at Time Café en Nueva York City y The Casbah en San Diego.
La casa de Romy ahora es Nueva Orleans, donde continúa difundiendo sus raíces musicales, colaborando con Craig y otros habitantes de Nueva Orleáns en proyectos musicales y continúa cantando jazz con el Delta Royale Trio.

Craig Cortello es compositor, guitarrista, autor, periodista musical, orador profesional y nativo de Nueva Orleáns. Habla y actúa para audiencias corporativas y académicas sobre el poder de la educación musical y su capacidad para hacer que sus participantes sean más creativos, exitosos y realizados en todos sus esfuerzos. También es el autor de ""Todo lo que necesitamos saber sobre negocios, lo aprendimos tocando música"", una colección de perfiles de directores ejecutivos y líderes empresariales que recibieron una influencia positiva de la educación musical y creen en su correlación con su éxito.
Agradecimiento a Romy Kaye: Cada compositor sabe que sus canciones realmente no cobran vida hasta que un gran vocalista las interpreta. La versatilidad de Romy es impresionante y rara. Además de las considerables habilidades técnicas que posee, su voz invoca una calidez y una intimidad que hacen que escuchar sea una experiencia personal y un placer auditivo.

Discografía:

• New Orleans is the One I Love (2010)

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1690 en: Agosto 16, 2018, 10:45:37 am »



Rachel Caswell - We're All in the Dance (2018)

https://open.spotify.com/album/3cUJrmCTFRLuYblWkU6Nan

https://tidal.com/album/92566743


BUEN DISCO. Originaria de Bloomington, Indiana, las atractivas habilidades de improvisación de Rachel se desarrollaron a partir de sus muchos años de estudios de jazz instrumental en piano y como violonchelista bajo el Profesor Distinguido de IU David Baker. Una estudiante de Baker desde los 13 años, Caswell continuó sus estudios en la Jacobs School of Music de la Universidad de Indiana con una beca completa como becaria de Wells, graduándose con High Distinction en 1995 con títulos en chelo clásico y estudios de jazz. En 1998 completó su Maestría en Estudios de Jazz en Voz con Honores Académicos y Distinción en Interpretación en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra en Boston, donde estudió con Dominique Eade, Carol Sloane, Danilo Pérez, George Garzone y John McNeil.

Mientras estaba en la escuela de postgrado, Rachel fue elegida como una de las dos vocalistas para Thelonious Monk Institute Jazz Colony en 1997 en Jazz Aspen / Snowmass y fue nombrada ganadora de la Beca Hilton Head Jazz Society de 1997. Rachel también se ubicó entre los primeros diez de los 150 concursantes en la competencia vocal anual de jazzconnect.com 2005. Ha tenido entrenamientos con Benny Golson, Jimmy Heath, Barry Harris y Clark Terry y aparece en las grabaciones de Sara Caswell First Song (Double-Time) y But Beautiful (Arbors).

No hay dudas sobre el mensaje de ""We're All in The Dance"", la canción que da título al último álbum de la cantante Rachel Caswell. Es un encantador vals que combina la danza de la vida con la danza de la música y de alguna manera, a través de su pureza de tono, fraseo inteligente y fluidez, Caswell, apoyada por su hermana menor, la violinista nominada al Grammy Sara Caswell, navega por un camino alternativo, a medida, a través de una canción cuya simplicidad y elegancia representan un desafío para un cantante inmerso en las complejidades de la expresión del jazz.

Ella aborda el tema del amor de frente durante todo el proceso, que comprende diez canciones seleccionadas de una larga línea de tiempo y una panoplia de géneros estilísticos. Caswell cuenta cada historia con niveles equivalentes de individualismo e interpretación, impartiendo continuidad e identidad desde la primera canción (una lectura encantada e inflamada de ""Frágil"" de Sting) hasta la última (una meditación hipnótica sobre el agridulce, pero optimista, ""Reflexiones"" de Thelonious Monk).

En el camino, Caswell pone profundas inflexiones de blues en ""Drown in My Own Tears"", el clásico de Ray Charles, seguido de una declamación de guitarra conmovedora por el maestro practicante de blues, y productor del álbum, Dave Stryker. Ella canaliza a Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan en ""A Lovely Way to Spend an Evening"", evitando un enfoque baladístico para una entrega bien articulada, ligeramente oscilante de la letra. Interpreta el ""Devil May Care"" del fallecido Bob Dorough con un instinto vertiginoso, desarrollando sus ideas rítmicas en una improvisación parecida a un instrumento. Aplica un amplio toque latino a ""Two for The Road"" de Henry Mancini, y muestra su amplia gama de registros al transmitir la evocadora letra de Tom Lellis a ""Tell Me A Bedtime Story"" de Herbie Hancock. Y Rachel se burla de la melodía de ""Dexterity"" de Charlie Parker con una sensación de bebop idiomática, otorgándole a sus compañeras de lista completa autonomía para interpretarlas en su forma y respondiendo a sus postulaciones con un scat conciso.

Otro de los grandes placeres del disco es la oportunidad de escuchar cuán hábilmente cada miembro de clase mundial de la sección de ritmo cinético encaja en su tarea de reinventar y reconfigurar ""estándares"". Afortunadamente, el sello de Stryker y esta banda de vanguardia inducirán a los guardianes de la radio y la prensa para escuchar atentamente este excelente álbum. Si lo hacen, y responden en consecuencia, Caswell puede estar moviéndose a otro nivel de visibilidad en un futuro no muy lejano.

""Rachel Caswell es esa rara avis que es verdaderamente una vocalista de jazz. ¡Su entonación es impecable, su dicción precisa, su sensibilidad jazzística sin reproche, y se balancea como loca! ... Pocos improvisadores - vocales o instrumentales - tienen mejores oídos de los que posee y tiene un instrumento excepcional que es inmediatamente identificable entre un mar de otros vocalistas"".-David Baker, pionero de la educación NEA Jazz Master & jazz

Discografía:

• Some Other Time ‎(2003)
• Caswell Sisters (2013)
• All I Know (2015) 
• We're All In The Dance (2018)



Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1691 en: Agosto 16, 2018, 10:47:16 am »



Antonio Forcione & Sabine Sciubba - Meet Me in London (1998)

https://open.spotify.com/album/0TFxUUtz7sqJ41CrFTunBM

https://tidal.com/browse/album/63438604


Combinando el talento indiscutible de Forcione con la habilidad excepcional de Sabina, esta grabación es impresionante en calidad de sonido y rendimiento.

Recién llegado de su éxito con 'Dedicato', 'Acoustic Revenge' y más recientemente 'Talking Hands', Antonio se ha asociado con Sabina para producir este impresionante álbum de estándares de jazz, hermosas composiciones originales y clásicos pop reordenados.

Sabina Sciubba es una cantante internacional galardonada que cautivó al público de toda Europa con su brillantez incomparable. Junto con Antonio, estas dos almas artísticas lanzan un hechizo musical mientras crean un impresionante trabajo natural.

Su primer y único álbum juntos es una rara joya sonora. Una sensación musical que envuelve al oyente con un genio raro.

Músicos que aparecen con Antonio en esta grabación: Sabina Sciubba – voz, Davide Mantovani – bajo, Bosco de Oliveira – percusión, Adam Glasser – armónica, Malcolm Creese – contrabajo

Sabina Margrit Sciubba (nacida el 23 de febrero de 1975), o Sabina, es cantante, compositora y actriz. Ella es conocida como la cantante principal de la banda de electrónica nominada al Grammy Brazilian Girls. Ella es también una artista visual. Tiene una carrera musical en solitario, y también trabajó como actriz, apareciendo en un papel recurrente en la serie FX Cestas, a partir de 2016. Sciubba ha compuesto los puntajes de varios largometrajes y comerciales.
Sabina nació en Roma de madre alemana y padre italiano. Vivió allí hasta los 5 años, luego se mudó a Alemania con su madre, la pintora Hannelore Jüterbock, y su hermano, Christian, donde se crió en Berg, en la Alta Baviera. Después de vivir en Italia, Alemania y Francia, Sciubba vivió en Nueva York de 1999 a 2009, antes de regresar a Francia. Ella comentó sobre su niñez: ""Crecí cantando a árboles, burros, ovejas y caballos, así que supongo que no hay una audiencia para la que no esté preparada"". Sciubba habla perfectamente seis idiomas: alemán, italiano, francés, inglés, español y portugués.

Sabina, líder de la banda Brazilian Girls, es conocida por su voz única y su característica narración multilingüe. También se la ha llamado ""enigmática"" y destaca por su sentido de la moda, vestida con atuendos teatrales hechos a menudo por ella misma o por sus amigas de diseño tresasfour, Carolina K y Gemma Kahng.
En 2008 Sabina compuso y cantó las canciones ""Bring Back the Love"" y ""Os Novos Yorkinos"" para el álbum de Bebel Gilberto Momento. En 2009, Brazilian Girls fue nominada para un premio Grammy en la categoría de Mejor grabación de baile, pero perdió ante la banda Daft Punk. En 2009, Sabina y el miembro de Brazilian Girls Didi Gutman escribieron y produjeron el álbum de la cantante Baaba Maal, “Televisionâ€, lanzado en Palm Pictures.

Su disco solista, llamado ‘Toujours’ , fue lanzado el 18 de febrero de 2014 en Bar None Records  y Naim Edge, Reino Unido, el 23 de marzo de 2014. El álbum de Sabina fue recibido con críticas abrumadoramente positivas. Rebecca Ostriker, la crítica de Boston Globe, llama a Sabina ""una diosa"". Jon Pareles del New York Times la describe como “despreocupada, esquiva, sofisticada y resueltamente hedonistaâ€. Allmusic dice ""Toujours es un álbum de verdadera originalidad, ejecutado con humor, calidez y chispa, y cautivador de principio a fin"".
En 2009 Sciubba graba la canción “Silence is Golden†en el álbum de Forro in the Dark, “Light a candleâ€. En 2011, Sciubba canta en el Lincoln Center, estrenando 'Goldkind', un cuento de hadas musical compuesto por Sciubba y Anthony Korf, acompañada por Riverside Symphony. También compone y canta en el álbum “Limo†de 2012 de Pretty Good Dance Moves. Sobre el proyecto de colaboración con Big Gigantic en 2012, aparece en la canción ""Love Letters"".

Sabina ha compuesto partituras musicales para varias películas, entre ellas The Party's Over (con Philip Seymour Hoffman) y Forty Shades of Blue, entre otros.

Sabina Sciubba tiene una voz cálida y el guitarrista Antonio Forcione es un acompañante simpático que a menudo la desafía. El dúo, al que se une a menudo el bajista Davide Mantovani y ocasionalmente algunos otros músicos, interpreta música atmosférica que incluye ""Take Five"", ""Could You Believe"" de Al Jarreau, ""Estate"", algo de música folclórica y algunos originales. La voz versátil, madura, fuerte y algunas veces inquietante de Sciubba hace que este sea un disco que vale la pena buscar.

Discografía:

• Meet me in London (1998) with Antonio Forcione
• Brazilian Girls - Brazilian Girls (2005)
• Brazilian Girls - Talk to La Bomb (2006)
• Brazilian Girls - New York City (2008)
• Toujours (2014)


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1692 en: Agosto 16, 2018, 10:48:42 am »



Sabrina - I Love Acoustic 8 (2010)

https://open.spotify.com/album/0OXSg6j4g5H5VmeE4lpSS9

https://tidal.com/browse/album/51492753


Roli Alexandra Xanxan Orial (nacida el 30 de diciembre de 1989), también conocida por su nombre artístico Sabrina Orial o simplemente Sabrina and Sabrinatics, es una cantante filipina y cantante acústica de versiones de portada.

Su álbum I Love Acoustic fue oro en Filipinas, y también en otros países, como Indonesia y Tailandia.
El 11 de octubre de 2015, representó a Filipinas en el Festival de la Canción de Asia 2015 celebrado en Busan, Corea del Sur.
Luego lanzó su primer álbum original, Sab en 2016. La mayoría de los temas fueron compilados por ella, incluyendo ""Kung Pwede Lang"", que se presentó como el tema principal de Koreanovela Oh My Venus, que se emitió en GMA-7. Otra canción del álbum titulada ""Permanent"", fue escrita por la compositora internacional multipremiada Diane Warren, y apareció en Angel's Revenge.

Su discografía se compone principalmente de versiones descafeinadas y edulcoradas de éxitos ajenos. No encontraréis mucho jazz en ella.

Discografía:

Ãlbumes de estudio:
• Sabrina - Self Titled (2006)
• I Love Acoustic (2007)
• I Love Acoustic Too (2009)
• I Love Acoustic 3 (2010)
• I Love Acoustic 4 (2011)
• Acoustic Love Notes - con Joe D'Mango (2012)
• I Love Acoustic 5 (2012)
• I Love Acoustic 6 (2013)
• I Love Acoustic 7 (2014)
• I Love Acoustic 8 (2015)
• Sab (2016)
• I Love Acoustic 9 (2016)
• I Love Acoustic 10.1 (2017)
•
Ãlbumes en vivo:
• I Love Acoustic - Sweetheart (Deluxe) Edition - 2 discos (2013)
• Lista de reproducción acústica (2013)

Ãlbumes de compilación:
• Acustic Greatest Hits (2013)


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1693 en: Agosto 16, 2018, 10:50:38 am »



Sabrina Furminger - Divalicious! (2007)




Mezcle sabores de jazz, especias pop, aromas de Broadway y sensibilidades de salón en una licuadora musical y añada un par de tacones de aguja de leopardo para una buena medida, y quedará con los estilos vocales de Sabrina Furminger.

Sabrina Furminger recuerda su primera experiencia de divadom como si fuera ayer: seis años, chillando ""Las chicas solo quieren divertirse"" de Cyndi Lauper mientras se pavonea sobre la mesa de picnic en el patio trasero de sus padres.

Desde entonces, ha tocado jazz, teatro musical, ópera y canciones pop en escenarios que van desde salas de conciertos hasta castillos de salón, cafeterías y escenarios de karaoke en tierras lejanas.

Inspirada en la acción de un par de tacones de aguja con estampado de leopardo, finalmente se está poniendo al estilo diva, combinando estándares de jazz, melodías de Broadway y reimaginaciones de melodías pop con arreglos de piano únicos de Joseph Hirabayashi en una aventura musical que solo puede describirse como Divalicious!

Sabrina Furminger es una periodista de cine y televisión con sede en Vancouver. Como columnista de Reel People para el periódico Westender, creó lectores fieles y ganó premios: un Premio de Mujeres en Cine y Televisión de Vancouver en 2016, y Ma Murray en 2017 y 2018, por historias que mostraron a los actores, cineastas. y creadores que pueblan la escena dinámica de la pantalla de Vancouver.

La dedicación y los esfuerzos de Sabrina le han dado una posición de confianza en la comunidad de cine y televisión de Vancouver; ella tiene una buena relación con la gente del cine cuyas carreras, ella y sus lectores, siguen con gran interés. Ella es una cara conocida en los eventos de alfombra roja, jurado del Festival Internacional de Cine de Vancouver e invitada habitual en Roundhouse Radio 98.3fm. Sabrina presenta la serie de cine mensual Her Stories: Women Call the Shots en el Vancity Theatre de VIFF, y escribe The Showbiz, una columna semanal de la industria de cine y televisión en el periódico Vancouver Courier .

Sabrina se graduó de Queen's University en Kingston, Ontario. Sus libros incluyen The Healer de 2011 , así como Men of Science Fiction , una colaboración con el fotógrafo de celebridades Dennys Ilic.

Discografía:

• Divalicious! (2007)

Es todo por hoy.

En unos días seguimos con más chicas de la S

Saludos

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #1694 en: Agosto 18, 2018, 10:55:10 am »
BUenos días compañeros:

Los amantes de este género no podemos pasar este fin de semana sin unas cuantas voces femeninas del jazz




Sabrina Malheiros - Equilibria (10th Anniversary Edition) (2015)

https://open.spotify.com/album/30PH5ZEXo73dKGKd8GPBTn

https://tidal.com/album/50882098


Sabrina Malheiros (nacida en 1979) es una cantante y compositora brasileña de MPB . Su música ha sido descrita como ""nu bossa"", combinando beats house con influencias de jazz y samba y ""voces frescas y sueltas"", y los críticos la han comparado con los contemporáneos brasileños Bebel Gilberto y Céu.

Malheiros nació en la ciudad de Río de Janeiro. Ella es la hija del bajista de Azymuth, Alex Malheiros. Interesada en la música desde una edad temprana, se inscribió en la escuela de música a los seis años, e hizo su primer estudio de grabación antes de los siete años. Ella cita a Azymuth y João Gilberto como primeras influencias en su estilo musical. Como hija de Alex Malheiros, Sabrina tiene un patrimonio musical verdaderamente rico y ha estado actuando en vivo en todo el mundo y grabando desde una edad muy temprana, habiendo lanzado tres álbumes completos de larga duración y colaborando y actuando con íconos musicales como Azymuth, Incognito, Roberto Menescal, Arthur Verocai, el grupo de culto japonés UFO, etc. además de tener remixes clásicos de artistas como 4-Hero, Kenny Dope, Nicola Conte entre otros

La primera grabación comercialmente distribuida de Malheiros fue la canción principal del álbum de Azymuth, de 1991, “Curumimâ€, en el que cantó la voz principal. Su álbum debut, ‘Equilibria’, fue lanzado en 2005. Malheiros escribió o co-escribió nueve canciones de este álbum.
Su segundo álbum, ‘New Morning’, se lanzó en 2008. Ambos álbumes fueron producidos por Daniel Maunick y se lanzaron en la etiqueta Far Out Recordings. Una ""Edición Deluxe"" remasterizada y parcialmente modificada de ‘New Morning’ fue lanzada en 2009, y contiene algunas pistas adicionales y un mayor énfasis en la instrumentación.

Malheiros debutó en el Reino Unido el 18 de mayo de 2005 en el Jazz Cafe de Londres.

Está casada con el músico Daniel Maunick.

Discografía:

• 2005: Equilibria
• 2006: Vibrasons
• 2008: New Morning
• 2009: New Morning (Deluxe Edition)
• 2011: Dreaming
• 2017: Clareia