Autor Tema: Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo  (Leído 98141 veces)

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #2835 en: Marzo 31, 2020, 06:26:43 pm »



Alison Dance - Sometime Ago (2012)

https://open.spotify.com/album/2sGHCU7uZnaiLo5VCsYF52?highlight=spotify:track:2MelaEex8QwSjLc2jHVwKN

https://tidal.com/browse/album/39518520


Sin información de esta cantante

Discografía:

•   Sometime Ago (2012)


Rápidamente más y mejores, seguro

Saludos

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #2836 en: Abril 02, 2020, 06:32:21 pm »

Buenas y confinadas tardes:

A mi, con mis chicas, se me pasan volando. Deberías probarlo, sobre todo con dos de las que traigo hoy. Son muy especiales.




Alison Dewar - Natural (2007)

https://open.spotify.com/album/6s56MocmULiaMM2mlxexG1

https://tidal.com/browse/album/47986152


Apasionada por la música desde temprana edad, Alison creció cantando y actuando en Johannesburgo, Sudáfrica. Desde las primeras apariciones en el escenario y la televisión, Alison ganó una gran experiencia, lo que ayudó a centrar su interés en forjar una carrera en la industria de la música. Deseosa de explorar una variedad de géneros, interpretó la voz principal con una banda de pop profesional que tocaba regularmente en Pretoria y luego se unió a la banda con sede en Jo'burg, No Surprise, con quien grabó e interpretó material original. Luego, en 1993, un viaje a Europa le presentó a Alison su mayor pasión musical ... el jazz.

Después de un breve período en el Reino Unido, Alison se mudó a Suiza en 1996, donde se enganchó al jazz. Inspirada en las leyendas del jazz (incluida la fallecida, genial, Shirley Horn) y decidida a aprender lo más posible, Alison comenzó una educación formal en música en la Academia de Música Contemporánea de Zúrich. Luego estudió más con la reconocida Escuela de Jazz de Zurich y se matriculó en la Escuela de Jazz de St Gallen.

Alison actuó con el aclamado trío de jazz suizo In-between como vocalista invitada y luego formó su propio cuarteto de jazz exitoso en Suiza antes de mudarse al Reino Unido en 2005.

En 2006, Alison lanzó su primer CD, un EP de cinco pistas titulado ‘Introducing Alison Dewar’. El CD capturó una variedad de estados de ánimo y estilos vocales, desde el alegre “Star Eyes” hasta una interpretación intensamente reflexiva de la hermosa balada de Horace Silver “Peace”. El CD obtuvo elogios de la crítica y entró en la lista de los más vendidos en Ray's Jazz en Foyles, Londres, subiendo al número 7 en su lista. En Europa, el EP de Alison fue votado cd de la semana en la radio italiana, y Softly se convirtió en la pista de la semana y el mes respectivamente en la radio italiana y griega, donde el cd alcanzó el Top 20. La presentación de Alison también recibió transmisión en los Estados Unidos, Francia, Colombia y Sudáfrica.

En 2007 su álbum debut, ‘Natural’, fue lanzado y alcanzó el número 1 en una radio web italiana y el número 2 en la radio griega. En el Reino Unido, fue entrevistada por la revista Jazzwise como ""Un artista que despegaba"" y elegida como ""Artista del mes"" en una radio web con sede en Londres. En el programa Jazz Jury en la radio Jazz DAB (Reino Unido), su grabación de “Hi-Fly” fue votada en general como cuarta entre los nuevos lanzamientos. ‘Natural’ fue seleccionado como CD de la semana en Escocia y Sudáfrica y recibió una transmisión muy favorable en el Reino Unido, Estados Unidos y en todo el mundo.

Discografía:

•   Natural (2007)
•   Introducing Alison (2006)

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #2837 en: Abril 02, 2020, 06:33:49 pm »



Alison Krauss - Essential Alison Krauss (2009)

https://open.spotify.com/album/74AxI3uhUjEF54o2NS3bTa

https://tidal.com/browse/album/3043331


GRAN DISCO. Con su voz sedosa, personalidad cálida y habilidades estimables como violinista, Alison Krauss ayudó a llevar el bluegrass a una nueva audiencia con música que se mantuvo fiel a las raíces del estilo al tiempo que agrega atractivo para el público country y pop. Al mezclar bluegrass con acentos folk y country, Krauss fue aclamada al instante desde el comienzo de su carrera, pero no fue hasta su compilación de platino de 1995, ‘Now That He Found You’, cuando se convirtió en una estrella principal. Entre su debut en 1987, ‘Too Late to Cry’ y ‘Now That I've Found You’, maduró de ser una niña prodigio a ser un músico versátil, ambiciosa y diversa y, en el proceso, hizo algunos de los bluegrass más frescos de finales de los 80 y principios de los 90. Más tarde, con su aparición en la banda sonora de la película O Brother, “Where Art Thou?” y un proyecto colaborativo con Robert Plant, Krauss ganó el reconocimiento de la audiencia pop convencional sin comprometer sus ideales musicales en el camino.

Cuando tenía cinco años, Krauss comenzó a tocar el violín, tomando lecciones clásicas. Pronto se cansó del régimen de juego clásico y comenzó a realizar country y bluegrass. A la edad de ocho años, comenzó a participar en concursos de talentos en su Champaign natal, IL, y sus alrededores. Dos años después, ella tenía su propia banda. En 1983, cuando tenía 12 años, ganó el Campeonato de violines del estado de Illinois y la Sociedad para la Preservación de Bluegrass en Estados Unidos la nombró la violinista más prometedora del Medio Oeste. En 1985, Krauss hizo su debut discográfico en un álbum, tocando en un disco hecho por su hermano Viktor, Jim Hoiles y Bruce Weiss. El álbum se llamaba “Different Strokes” y apareció en la etiqueta independiente Fiddle Tunes. Más tarde ese año, ella firmó con Rounder Records. Tenía 14 años en ese momento.

‘Too Late to Cry’, el álbum debut de Krauss, apareció en 1987 con críticas muy positivas. El álbum fue grabado con la banda de respaldo de Krauss, la Union Station, que contó con el guitarrista Jeff White, el banjoista Alison Brown y el bajista Viktor Krauss. Al año siguiente, el grupo ganó el concurso del Campeonato Nacional de Bandas de Estados Unidos de la Sociedad para la Preservación de Bluegrass. En 1989, Krauss y Union Station lanzaron ‘Two Highways’, que fue nominado para el Premio Grammy a la mejor grabación de Bluegrass. Aunque el álbum no ganó el premio, su siguiente álbum de 1990, ‘I’m Got That Old Feeling’, si lo hizo. El éxito de ‘I'm Got That Old Feeling’ no tenía precedentes para los actos de bluegrass en los años 80 y sentó las bases para el avance de Krauss en los años 90. Para entonces, la alineación de Union Station se había asentado más o menos. Ahora presentaba al mandolinista Adam Steffey, al banjoista / guitarrista Ron Block, al bajista Barry Bales y al guitarrista Tim Stafford; Stafford luego abandonó el grupo y fue reemplazado por Dan Tyminski.

En 1992, Alison Krauss & Union Station lanzó ‘Every Time You Say Goodbye’, que presentaba una variedad de material típicamente ecléctica. El álbum apareció en las listas de country y los videos de Krauss se mostraron en Country Music Television. ‘I Know Who Holds Tomorrow’ se lanzó en 1994 y tuvo aún más éxito. Pero fue la compilación de 1995 ‘Now That He Found You’, la colección que convirtió a Krauss en una estrella. El álbum alcanzó el número dos en las listas de country y, aún más notable, entró en el Top Ten pop y vendió más de un millón de copias. Su éxito confirmó su estado como la luz principal del bluegrass en los años 90.

Alison Krauss & Union Station siguieron el éxito inesperado de ‘Now That I've Found You’ con ‘So Long, So Wrong’ en la primavera de 1997. ‘Forget About It’ siguió a mediados de 1999. Un año después, Krauss & Union Station se unieron a artistas como John Hartford, Ralph Stanley y otros para la banda sonora multimillonaria de “O Brother, Where Art Thou?”. Una gira norteamericana que exhibió a algunos de los músicos estelares del álbum siguió en el verano de 2002, permitiendo que Krauss y la popularidad de su banda se dispararan. ‘New Favorite’ apareció en noviembre y se convirtió en oro en cuatro meses. Un álbum en vivo siguió poco después, y en 2004 Krauss lanzó ‘Lonely Runs Both Ways’. ‘A Hundred Miles or More’, una colección extraída de los álbumes de Krauss, apareció en 2007. También apareció en 2007 ‘Raising Sand’, una aclamada colaboración multiplatino con Robert Plant. Regresó con Union Station para el ‘Paper Airplane’ de 2011, que fue producido por la banda y diseñado por Mike Shipley .

En 2013, Krauss comenzó a trabajar en un álbum en solitario con el productor Buddy Cannon, pero entre lidiar con problemas vocales y una extensa gira con Union Station, no fue hasta 2017 cuando se lanzó el álbum. ‘Windy City’, una colección de melodías clásicas interpretadas al estilo countrypolitan, también fue el primer álbum de Krauss para Capitol después de una larga asociación con Rounder.

“Krauss es la major vocalista de esta generación…”.-Billboard
The Essential Alison Krauss es el álbum que recoge lo mejor del repertorio, de la que para muchos, es la mejor vocalista americana y en el que remarca su larga carrera como compositora, violinista y productora. Realmente es muy difícil encontrar un artista como Alison Kraus. Los 26 Grammys que atesora la convierten en la artista más premiada de la historia. Ha sabido llevar el bluegrass y la música folk americana a cotas insospechadas. Sin duda la música de la señora KRAUSS es atemporal y prueba de ello es este excelente disco.

Discografía:

•   Windy City (2017)
•   Paper Airplane (2011)
•   Indiana Fiddlers Gathering (2009)
•   A Hundred Miles or More (2007)
•   Raising Sand (2007)
•   Lonely Runs Both Ways (2004)
•   New Favorite (2001)
•   Forget About It (1999)
•   So Long So Wrong (1997)
•   Now That He Found You (1995)
•   I Know Who Holds Tomorrow (1994)
•   Every Time You Say Goodbye (1992)
•   I've Got That Old Feeling (1990)
•   Two Highways (1989)
•   Too Late to Cry    (1987)
•   Different Strokes (1985)

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #2838 en: Abril 02, 2020, 06:35:40 pm »



Alison Lewis - Seven (2016)

https://open.spotify.com/album/3rqsMsSrgOGLDetZ6u5CYY

https://listen.tidal.com/album/59863126


DISCO 5 ESTRELLAS. GRAN VOZ. Alison ha actuado en lugares que van desde clubes íntimos en Europa y Estados Unidos hasta el Museo Skirball en Los Ángeles y el Lincoln Center en Nueva York. Pasó años de gira con Vocolot, el grupo de seis mujeres del mundo a cappella, además de cantar con el coro Glide Memorial Gospel Choir de San Francisco, varias bandas principales, actos de R&B y conjuntos de jazz en eventos de alto perfil en California. Alison fue galardonada como ""Mejor Vocalista de Blues Femenino"" en el sitio web de Garageband, además de ""Mejor Cantante"" en el Concurso de Cabaret de San Francisco 2009. Ha compartido escenarios con personajes notables como Michael Franti y Patti Austin, y cantó el himno nacional para los principales equipos deportivos, incluidos los San Francisco 49ers y los Golden State Warriors.

Sus créditos en cine y televisión incluyen cantar con el coro gospel en pantalla en Sony Picture's, The Pursuit of Happyness, y retratar a una cantante en ABC Family’s, Chasing Life. Alison también ha dedicado una gran parte de su vida a proyectos de servicios humanos, tanto a nivel local como en el extranjero. Gran parte de su inspiración artística, de hecho, proviene de algunos de sus momentos inolvidables en India, Honduras y más allá. En 2009, Alison se mudó de San Francisco a Los Ángeles y lanzó su espectáculo de jazz en solitario, ""At Liberty"", con gran éxito. Ella continúa actuando en vivo en varios clubes, salas de conciertos y lugares de culto, y ofrece voces de sesión para varios artistas independientes, compositores de películas y videojuegos.

El lanzamiento debut en solitario de Alison, ‘Seven’, presenta enfoques maravillosamente originales sobre clásicos del pop y rock conocidos como ""Blackbird"" y ""Like a Rolling Stone"", junto con un toque de clásicos del jazz como ""Cheek to Cheek"", ""Midnight Sun"" y "" My Funny Valentine"", todo hecho extraordinariamente bien y con un estilo y sofisticación completos. Sin embargo, son sus originales los que se destacan por encima de la mayoría de las vocalistas femeninas de jazz que últimamente están apuñalando su propio material. Lewis tiene un don, una habilidad para convertir una frase y hacer que se pegue. Un buen ejemplo de esto es ""Mr Right for Right Now"", un excelente ejemplo de letra finamente elaborada y juegos de palabras. Rematado con la refinada voz cristalina de Lewis y su agradable rango de 5 octavas, es difícil no enamorarse de la voz de esta vocalista de inmediato, puedo ver por qué Hollywood ha contraído la fiebre de Lewis.

Otro buen original es ""Seesaw"", una pieza introspectiva y emotiva, Alison evoca su voz completa, sin falta de control, y su voz es pura y flota sobre la melodía como un pájaro volando. Ella es conmovedora, convincente y centrada, todas las cualidades que esperas en una vocalista. Es refrescante escuchar a una verdadera vocalista lanzar un álbum definitorio como ‘Seven’.

Seven es un tour-de-force, variado en estilos de jazz, de lo mejor de las ofertas vocales de jazz de la actualidad, pero llevado a la tarea por una vocalista altamente calificada y potente.



La canción ""Blackbird"" de John Lennon y Paul McCartney está cargada de la auténtica impronta de Lewis, ya que la suave textura y la brillante resonancia de su voz acunan las palabras, dándoles un brillo compuesto de su propia mezcla. Acompañada por el pianista Mitchel Forman, las voces de Lewis se elevan por encima de las teclas mientras se cubren con los acentos folklóricos del acero del regazo de Andrew Synowiec. Mucho de la entrega de Lewis se basa en su propia creación, mostrando poca influencia de otros artistas en su mentalidad, lo cual es un hallazgo raro.

La atmósfera de reposo de ""Cheek to Cheek"" de Berlín le da una nueva apariencia al original, ya que los motivos de piano son retocados por Forman, atendiendo a la interpretación de Lewis que contempla cada letra profundamente, enfatizando las emociones subyacentes. ""Like a Rolling Stone"" también se renueva con un tono contemplativo, reforzando un sonido country que emana de la guitarra de Synowiec mientras la percusión de la mano de Ray Brinker forja un ritmo rítmico pegadizo. Las geniales vibraciones de jazz que rumian a través de la canción original de Lewis ""Mr. Right for Right Now"" están sujetas a ritmos rápidos estructurados por el bajo de Kevin Axt y adornadas con los acordes de guitarra acústica bluesy de Synowiec, lo que crea una melodía que sin duda podría convertirse en un nuevo estándar del Cancionero clásico estadounidense.

El otro número original de Lewis, ""Seesaw"", está revestido con tonos de velas formados por la prosa de piano de Adam Shulman como el ambiente de antorchas de ""Midnight Sun"", escrito por Lionel Hampton y Sonny Burke, que ilumina suavemente la suavidad vocal de Lewis. Las baladas de ""My Funny Valentine"", escritas por Richard Rodgers y Lorenz Hart, resaltan el tono alentador en el registro de Lewis mientras su voz se inclina y se retrae sin problemas.

Lewis se enorgullece de reimaginar los motivos melódicos de las pistas clásicas, ya sea del reino del pop o del jazz. Ella borra la línea entre los dos. Su voz lleva a los oyentes más profundamente en las letras, descubriendo un espíritu inspirador en el aire melancólico de ""My Funny Valentine"" y un toque de tristeza en el ritmo alegre de ""Cheek to Cheek"". La intuición es su guía y tratar las experiencias de la vida con calidez es su inspiración.

Discografía:

•   Seven (2016)




En un par de días el recambio

Saludos

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #2839 en: Abril 04, 2020, 05:32:16 pm »

Nuevas voces femeninas del jazz contemporáneo. Hoy traigo otras 3 de la letra A.




Alison Ruble - This Is a Bird (2008)

https://open.spotify.com/album/6j1jOi5T5Rw90bCm0Cqj0W

https://listen.tidal.com/album/9071956


“... una cantante de jazz clásico ... una presencia poderosa”.-John Callaway, WTTW-TV Network Chicago, PBS

Después de una década de aprendizaje en la vibrante y exigente escena musical de Chicago, Alison Ruble se ha convertido en los últimos años como una de las principales y más demandadas vocalistas de jazz de la ciudad. Después de haber perfeccionado sus habilidades con un trabajo constante en varias salas de jazz de alto perfil de Chicago, incluyendo The Green Mill, El Showcase de Jazz de Joe Segal y el Jazz Club de Andy, Ruble, ha grabado un estilo distinto que ha atraído cada vez más la atención de críticos y audiencias por igual. Además del extenso trabajo en el club, ha aparecido en una variedad de escenarios de teatro y festivales, incluyendo Jazz at Lincoln Center y Chicago Jazz Festival.

El trabajo de Ruble ha sido descrito como ""brillante y casi perfecto"" por JazzTimes y All Music Guide la cita como ""una vocalista sublime con un espíritu aventurero"". Su álbum debut aclamado por la crítica ""This Is A Bird"" (Origin) fue nombrado uno de los ""Mejores Selecciones del Editor para 2008"" en All About Jazz.com y uno de los ""Mejores CD de Jazz de 2008"" de Public Radio International.

En su siguiente lanzamiento, ""Ashland"" (Origen), Ruble continúa explorando su interés en combinar el clasicismo del gran cancionero estadounidense con la improvisación contemporánea del jazz y el trabajo de los compositores pop estadounidenses más recientes. Si bien a primera vista parece que Alison proviene de fuentes musicales dispares, sus intereses musicales radican menos en la idea del ""eclecticismo"", y se inclinan más hacia un esfuerzo por integrar de manera natural el alcance total de la canción popular estadounidense a través del lenguaje del jazz.

Además de su trabajo como músico, Ruble es muy activa en el área de Chicago como artista visual y ha expuesto en varias galerías y festivales de arte. Sus serigrafías y grabados originales aparecen en la portada de ""This Is A Bird"" y ""Ashland"".

El lanzamiento debut de la vocalista Alison Ruble, ‘This Is A Bird’ reúne a algunos de los músicos más innovadores de la escena para un conjunto de estándares de jazz y melodías pop modernas, arregladas y coproducidas por el guitarrista John McLean. Ruble presenta su rico alto en una variedad de escenarios abiertos que hacen referencia hábilmente al jazz clásico, incluso mientras extiende los límites de The Great American Songbook, incluyendo los arreglos de ""So In Love"", ""If I Had You"" y ""Lazy Afternoon"", a presupuestos más modernos como la composición de Burt Bacharach / Hal David ""Always Something There To Remind Me”.

Alison Ruble es una vocalista sublime con un espíritu aventurero en este su primer CD. Dotada de una rica articulación alta y precisa, combina elementos del pop y el folk en su arreglo infeccioso de ""So in Love"" de Cole Porter, mientras que su escenario sublime, deliberado y funky de ""If I Had You"" arroja una luz muy nueva. La flauta alta y juguetona del guitarrista John McLean y Jim Gailloreto proporcionan un acompañamiento sublime para su cálida voz en ""Skylark"". Ruble también lleva el estándar ""Lazy Afternoon"" a un nuevo territorio, mezclando la guitarra folk de McLean con el saxofón soprano enérgico de Jim Gailloreto mientras el grupo construye gradualmente la tensión a un clímax suave. Ruble se destaca especialmente en la configuración de dúo, incluyendo un moderno ""It's Magic"" con el bajista Larry Kohut y un excelente ""This Nearly Was Mine"" con el pianista Jo Ann Daugherty. Solo el monótono ""Always Something There to Remind Me"" de Burt Bacharach es una decepción, ya que palidece en comparación con el resto del material en el emocionante debut de Alison Ruble como líder."
Discografía:

•   Ashland ‎(2010)
•   This Is A Bird ‎(2008)

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #2840 en: Abril 04, 2020, 05:33:44 pm »



Alissa Sanders - Beginning (2012)

https://open.spotify.com/album/3h1Pc1DC9zvL3CzabYnUI4

https://tidal.com/browse/album/47986734


Alissa Sanders canta una mezcla multilingüe de jazz y música brasileña, que reúne las tradiciones musicales de dos países a través de su voz. Nacida en Hollywood, California, Alissa ha pasado gran parte de las últimas dos décadas en Brasil, estudiando la voz con mentores como Wagner Barbosa, Adiana Godoy y Neto Costa mientras bebía la cultura y la música brasileñas en su vida cotidiana. Con una voz íntima, colorida, elegante y encantadora, Alissa te lleva a un lugar mágico y musical donde la cultura, el arte, la tradición y el espíritu se unen.

En 2018, Alissa comenzó a encontrar su voz. Este nuevo proyecto es su búsqueda del sonido y la identidad artística, así como una búsqueda del alma por su voz como artista. Para ""Finding My Voice"", Alissa dejó Brasil y pasó un año viajando y actuando con músicos en Israel, Etiopía y su ciudad natal de Los Ángeles, encendiendo una pasión por colaborar y mezclar tradiciones musicales. Al regresar a Brasil, invitó a un músico etíope a visitarla y colaborar con ella mientras aprendía sobre música brasileña y compartía sus propias tradiciones musicales. Este experimento comenzó un intercambio musical intercultural que se convirtió en sus programas actuales: ""Playlist"" y ""Brazil Nagô"", una serie web llamada ""Wherever There Is Music"" y “Brazil Meets Ethiopia: An Interactive-Experimental Cultural Exchange”.

Alissa ha actuado en festivales de jazz en São Paulo, Río de Janeiro, Belo Horizonte, Brasil, Carnaval en Salvador, Bahía, con Maximum Hedrum (con Derrick Green de Sepultura y Sam Spiegel de la NASA) en el SXSW Music Festival en Austin, Texas y en Centro Espiritual Agape en Los Angeles, CA. Ha aparecido en televisión en los Estados Unidos en Carson Daly Show de NBC en los Estados Unidos y en Brasil en ""Todo Seu"" con la estrella de MPB Ronnie Von.

Su primer álbum, ‘Beginning’, fue lanzado en 2012. Además de su trabajo en solitario, Alissa canta con el grupo “DNA Urbano”, que lanzó su álbum debut en 2018, ‘Africa Echoes. O som Da Africa’.

En Brasil y en todo el mundo, Alissa continúa explorando la música y su voz, encontrando formas de combinar cultura e identidad a través de su música. 

Es un cálido domingo por la mañana, los pájaros cantan, el follaje está húmedo por el rocío y hay una paz palpable en el aire. Esto podría ser una escena de tus últimas vacaciones, o una realidad que experimentas porque estás escuchando el CD debut de Alissa Sanders 'Beginning'. Alissa Sanders es una talentosa y magistral vocalista de jazz con sede en Los Ángeles que vivió en Brasil durante más de una década empapándose de la gran cultura musical de Brasil, y los resultados se muestran en las pistas en portugues, 'Estrada do Sol', 'Dindi', 'Rosa Morena' y 'Dunas'. Por la facilidad con que Sanders canta estas canciones, es muy fácil olvidar que ella no es nativa de Brasil.

'Beginning' se divide entre pistas de jazz portuguesas e inglesas. Sanders canta con una dulce y hermosa voz que es tan suave como la seda. Ella lleva una canción sin esfuerzo en ambos idiomas. “Heaven Sound”, escrito por Alissa, es una pieza bien elaborada de letras trascendentes y románticas. Te hace querer ir a otro lugar, y si lo permites, la canción te llevará allí. “Dindi” es una delicia bilingüe para los sentidos, que cambia maravillosamente entre portugués e inglés. La voz de Sanders te envuelve como una manta cálida. La profundidad de su rango se exhibe en los estándares de jazz “Prelude to a Kiss”, “Come Rain or Come Shine” y “My Funny Valentine”. Los arreglos son excelentes y no abrumadores, dejando la voz de Sanders al frente y al centro, donde pertenece.

Discografía:

•   DNA Urbano - Africa Echoes. O som Da Africa (2018)
•   Alissa Sanders - Beginning (2012)



Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #2841 en: Abril 04, 2020, 05:35:44 pm »



Alla Ray - Coffee & Cake (2019)

https://open.spotify.com/album/1KiARoGV4LpO6b8xr2L4xW?si=IUrts3ZHSBykbRpi6y-cKA

https://tidal.com/browse/album/121589184


Alla Ray es una cantante y compositora que ahora vive en Nueva York. Como dice el refrán, no hay profeta en su tierra. El verdadero nombre de la artista es Alla Smorodinskaya. Ella nació en San Petersburgo. Primero, como cualquier chica inteligente, se graduó de la escuela secundaria. Después pasó a la Universidad Estatal de Servicio y Economía de San Petersburgo, donde, en 2014, Alla defendió su tesis para su licenciatura en ciencias económicas.

La cantante y compositora Alla Ray celebra el lanzamiento de su nuevo álbum con Coffee & Cake con Alla Ray el 5 de diciembre a las 9:30 pm en Feinstein's / 54 Below. Ray, cuyos singles han figurado en las listas de Top 10 del Reino Unido, se ha presentado recientemente con su Big Band ante una audiencia con entradas agotadas en el Friar's Club, además de debutar en The Cutting Room. En su nuevo álbum, Ray experimenta con una mezcla de números de jazz y pop, combinando su amor por los estándares clásicos con los originales, algunos de los cuales escribió especialmente para un reciente y limitado renacimiento de la obra de Lyle Kessler de 1983, Orphans (dirigida por Aaron Latham en el Bridge Theatre en la calle 54) y Broadway.

Alla Ray comenzó su carrera en 2006 mezclando jazz y electrónica, pasando a ser jazz y rock. En el período comprendido entre 2007 y 2009, lanzó dos álbumes en Rusia, Bielorrusia y Ucrania, y en 2009 comenzó a escribir su álbum de originales en estilo Glam Rock. El mismo año ganó el segundo lugar en Emergenza 2009 (Concurso Internacional de Música en Moscú). Ray fue elegida para representar a Rusia en Emergenza 2010 en Londres. Después de su actuación en el club Dingwalls, Right Recordings le ofreció un contrato discográfico. Desde entonces, lanzó un álbum y seis sencillos en el Reino Unido y Alemania bajo el nombre artístico de “Shockolady”. En 2013 cambió su nombre artístico a Alla Ray, lanzando dos sencillos que alcanzaron el Top 10 en las listas de baile del Reino Unido en 2014. En 2015 se mudó a los EE. UU. y después de inspirarse en un viaje a Nueva Orleans comenzó a escribir su nuevo álbum.

""Las grandes vibraciones de Alla Ray, Gatsby, te llevarán a los tiempos rugientes donde las reglas y el tiempo no importaban cuando los cuernos tocaban el jazz en tu corazón, despertando sueños de la vida más allá de hoy"". - El mundo de Broadway

En el nuevo álbum de la Sra. Ray ‘Coffee & Cake’, que se lanzó en el legendario Feinstein's / 54Below, experimenta con una sensual mezcla de Pop y Jazz.

Discografía:

•   Coffee & Cake (2019)
•   On Fire (EP) (2014)


Dejo que paséis el finde con estas y traigo más el lunes

Saludos

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #2842 en: Abril 06, 2020, 05:27:34 pm »
De nuevo con vosotros y con tres nuevas voces femeninas del jazz contemporáneo.

Aquí van:




Alla van Delft & Fabrizio Selli - By Time Machine to the 80s (2017)

https://open.spotify.com/album/7MlBuow0D5bIOro9euD8qr

https://tidal.com/browse/album/70378653


Alla van Delft es cantante, compositora, productora y ex modelo con un trasfondo multicultural. Sus antepasados provienen de Azerbaiyán, los Países Bajos y la República Dominicana. Actualmente vive en Alemania.

Van Delft tiene una carrera como músico de jazz, blues y pop. Durante mucho tiempo también trabajó como modelo para diseñadores y marcas como Lacoste, Lacoste, Alba Moda, Adidas, Hucke Berlin, Pronovia, Ladybird, Armani y otros. Ella también tenía su propia agencia de modelos y también fue jueza en concursos de belleza como la elección de ""Miss Rusia"". Sin embargo, por razones privadas, ella cerró la agencia.

Por el contrario, Alla van Delft continuó persiguiendo sus ambiciones musicales como cantante, compositora, letrista, pianista y productora. Tiene una educación como profesora de música y es heredada de su madre, una cantante de ópera. Sin embargo, recurrió al jazz y al blues y ya actuó durante sus estudios. Alla van Delft, que ve a Etta James, Beth Hart, George Benson, Ella Fitzgerald, Sting, Brenda Russell y Charles Kelley como modelos a seguir, ha actuado como protagonista de varias formaciones, incluidas Modul, Jazz Group, Credo y Dark Side Of The Water. Actualmente es la mujer principal de la banda de jazz LK Jazz XXpRReSS de Alemania.

La cantante actualmente lidera el proyecto The Time Machine con el músico milanés Fabrizio Selli, que los dos describen estilísticamente como ""Borderline Jazz"". ‘The Time Machine Goes To 80s’ es el primero de varios álbumes planeados. Además de sus propias canciones, van Delft también interpreta composiciones extranjeras conocidas como ""Fragile"" de Sting o ""Billie Jean"" de Michael Jackson. El ingeniero de mezclas Chris Nesbitt de Atlanta, EE. UU., es responsable del diseño de sonido; el ganador del premio ASCAP Tempo (EE. UU.) brinda apoyo vocal a la cantante.

Como compositora de música pop, Alla van Delft ya puede demostrar muchos éxitos: escribe canciones pop para el proyecto pop internacional “Mrs. X” y trabaja con Sefi Carmel, el destacado productor y compositor de cine de Londres. Ya se han lanzado varios álbumes de larga duración, EPs y sencillos. Es un proyecto de gran dimensión con más de 40 músicos de muchos países de todo el mundo y desarrolla música pop al estilo de ""Pop a la carta"". Las canciones de Alla ""Being Black Being Blue"" y ""Criminals"", cantadas por la Sra. X, fueron nominadas para los Premios Indie Songwriter Awards en Estados Unidos en 2018.

Alla van Delft dirige su propio sello musical llamado PR Delft Music con un repertorio de jazz, blues y pop. Con su sello, ella apoya activamente varios proyectos de caridad, incluidos algunos que apoyan el desarrollo de la música de iglesia en Alemania. Por ejemplo, ella apoyó activamente la publicación del álbum del coro de la parroquia ortodoxa de Paderborn.

La cantante de Lübbeck Alla vanDelft presenta nada más y nada menos que una máquina del tiempo musical con el pianista Fabrizio Selli de Milán. ‘By Time Machine to the 80s’ es el primer álbum de la serie planificada ""Time Machine"". La cantante llama a la música del álbum ""Borderline Jazz"". Hay un poco de humor extraño en él, pero significa jazz, que explora naturalmente los límites, retoza en todos los géneros siendo un claro rechazo a todos los puristas. Todo lo que agrade, lo que se balancea y lo que lo hace feliz está permitido.

Van Delft había tenido la idea de esta máquina del tiempo musical durante algún tiempo. Pero fue solo con un compañero agradable como Fabrizio Selli (piano, teclados, composición) como se hizo posible implementar este concepto sofisticado. Y así, después de meses de trabajo en el estudio de grabación, se colocó la primera piedra para una producción extraordinaria. Hay predecesores, como Postmodern Jukebox, que tienen éxitos pop jazz. Pero un proyecto con tanta coherencia como Time Machine nunca se ha implementado. Para convencer en esta formación minimalista, una cosa es particularmente importante: excelentes músicos.

Lo esencial trata de reescribir éxitos mil veces escuchados, pegadizos y omnipresentes, como completamente nuevos, reduciéndolos a lo esencial. Y así, canciones simples como “Sunshine Reggae” y “Lessons In Love” se convierten en pequeñas obras de arte. Obras de arte que se han reorganizado con una mano ligera a bossas o números de swing. Completamente desnudos para que solo quede su sustancia. Y es precisamente por eso que tiene mucha más profundidad que el brillo a menudo superficial de los originales con sus arreglos perfectos. No puedes hacer que la música sea más honesta y directa que la que Alla van Delft y Fabrizio Selli hacen con su viaje en el tiempo a los años 80.

Discografía:

•   Alla van Delft & Fabrizio Selli - By Time Machine to the 80s (2017)

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #2843 en: Abril 06, 2020, 05:29:04 pm »



Allegra Levy - Looking At The Moon (2017)

https://open.spotify.com/album/65nZIco6qPbqc9BHGE21aY

https://tidal.com/browse/album/90343468


BUEN DISCO. ""Ella te devuelve la vida"" - New York Music Daily
""Levy es la nueva chica pinup para la moda"" - Midwest Record
""Si Allegra Levy aún no está en el radar de todos los oyentes de jazz, este álbum debería rectificar la situación"". - Jazzhistoryonline.com

La mayoría de los vocalistas de jazz cantan estándares. Allegra Levy escribe los suyos. Desde la triste canción principal de su álbum debut audazmente autobiográfico, ‘Lonely City’, hasta su lanzamiento de seguimiento aclamado por la crítica en 2017, ‘Cities Between Us’, la cantante y compositora ha escrito una colección lírica de familiares originales empapados en el Great American Songbook. Levy, oriunda de Connecticut y ahora con sede en Nueva York, ha sido denominada ""como talento"" y ""sin duda una cantante para ver"" por la revista JazzTimes. Su último álbum en el sello SteepleChase, ‘Looking At The Moon’ de 2018, fue nombrado Editor's Pick en Downbeat Magazine y JazzTimes. Recientemente grabó un cuarto álbum en SteepleChase con sus propias letras con las canciones del reconocido trompetista de jazz John McNeil.

De 2014 a 2015, Levy se desempeñó como artista en residencia en el mundialmente famoso Blue Bar en el Hong Kong Four Seasons Hotel. También ha aparecido en la mayoría de los mejores clubes de la ciudad de Nueva York, incluidos The Jazz Standard, Birdland Theatre, Zinc Bar, The Bitter End y Cornelia Street Café. Educada en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra en Boston, Levy es conocida por su voz alta ricamente dulce pero oscilante, así como por escribir canciones pegadizas y emotivas basadas en la tradición con un guiño al progresismo. ""Fresco ... exótico ... y mucho más allá de lo común"", dijo The New York Times sobre su primer CD, de SteepleChase Lookout. Su última grabación presenta un poderoso trío femenino que incluye a Carmen Staaf en el piano, Carmen Rothwell en el bajo y Colleen Clark en la batería, con el artista invitado John McNeil en la trompeta.

 ""Sus letras son extraordinariamente inteligentes, llenas de imágenes impactantes y una angustia generalizada ... Si hay alguien vivo para cantar estas canciones dentro de cincuenta años, muchas de ellas serán parte del repertorio estándar"". - New York Music Daily

Los álbumes creados con melodías relacionadas con la luna no son nada nuevo. Mel Tormé entregó su fabuloso Swingin 'on the Moon en 1960. Seis años más tarde, Frank Sinatra dio forma al Moonlight Sinatra más sombrío. Si bien el concepto puede carecer de originalidad, la vocalista Allegra Levy explora bellamente el tema lunar con este ensamblaje de tonos suaves. Y, después de los dos lanzamientos anteriores de Levy, ‘Lonely City’ y ‘Cities Between Us’, ambos centrados en composiciones originales, es intrigante y muy satisfactorio escucharla navegar 13 portadas.

Trabajando en un ambiente de trío íntimo y sin batería: la pianista Carmen Staaf, el guitarrista Alex Goodman y el bajista Tim Norton, abre con un soñador ""Moon River"" y mantiene un silencio nocturno a través de ""Moonglow"", ""Moonlight In Vermont"", ""Polka Dots and Moonbeams"", ""No Moon At All"" y el cierre ""I'll Be Seeing You"". Incluso ""I Got the Sun in the Morning"", típicamente interpretado con bullicio, viene envuelto en cachemir. Levy agrega una versión ingeniosamente furtiva de ""Moon Ray"" de Artie Shaw, una ""Blue Moon"" imaginativamente angular, y una animada y de tempo medio ""It's Only a Paper Moon"".

Las reflexiones sobre la luna más contemporáneas completan la lista de reproducción, incluida una hermosa lectura impulsada por Goodman de ""Harvest Moon"" de Neil Young, una ""Moonshadow"" original de Cat Stevens, y una interpretación translúcida de la inquietante ""Pink Moon"" de Nick Drake. En todo momento, el ambiente distintivo cálido y frío de Levy, a partes iguales de Julie London y Chris Connor, y la perfecta articulación brillan de manera notable.

Discografía:

•   Looking at the Moon (2018)
•   Cities Between Us (2017)
•   Lonely City (2014)
•   Allegra Levy and Elden Kelly - A New Face (2008)

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #2844 en: Abril 06, 2020, 05:31:41 pm »



Allie Webb - A Lark EP (2014)

https://open.spotify.com/album/2ORCgGe6dOD2t7pyvhNpzE

https://tidal.com/browse/album/28231075


No muchos cantantes de jazz pueden decir que aprendieron su oficio cantando en algunos de los mejores hoteles de China, pero así es con Allie Webb. Ahora en los Estados Unidos, ha lanzado un EP de cinco pistas titulado ‘The Lark’.

Webb es una vocalista relajada que tiene una voz clara con una buena calidad tonal. Es una voz hecha para un salón lleno de humo a altas horas de la noche cuando las luces son bajas. Ella se rodea de un grupo de respaldo básico compuesto por el pianista Sang Hee Cho, el bajista Eric Good, el baterista Jim Watson, además del vocalista / guitarrista Marcus Weakley en una pista. Llevan la melodía sin interferir en su voz.

Tres de las pistas son del Great American Songbook. La canción de Johnny Mercer / Johnny Mandel ""Emily"", ""You’ Be So Nice To Come Home To"" de Cole Porter, y la composición ""Skylark"" de Hoagy Carmichael / Johnny Mercer han sido interpretadas muchas veces. Webb les brinda un tratamiento ligero y ventoso que tiene un flujo fácil y agradable. ""Triste"" de Antonio Carlos Jobim recibe un tratamiento directo.

La canción más creativa es una versión de ""Paparazzi"" de Lady Gaga, que pasa del pop al jazz. En muchos sentidos, la canción es casi irreconocible y sugiere un talento para ser capaz de transformar canciones pop modernas en direcciones inesperadas.

En su primer lanzamiento, ‘A Lark’, Allie Webb se mueve sin problemas entre el jazz clásico, Lady Gaga y Jobim. Ella comienza el álbum con una versión fluida de ""Emily"" que parece inspirada en la versión de Bill Evan de la canción. Ella y el pianista Sang Hee Cho se tocan maravillosamente, y el dúo establece un tono elegante para el resto del álbum. Después de ""Emily"", Webb convierte el éxito de baile de Lady Gaga ""Paparazzi"" en un número sensual y de influencia latina. Ella interpreta juguetonamente la canción con estilo, y es un placer escucharla. ""You'd Be So Nice To Come Home To"", presenta un brillante solo de piano de Cho, y Webb demuestra que está cómoda con el jazz directo. Con ""Skylark"", sin embargo, Webb nuevamente sorprende al convertir la balada clásica en una canción alegre, maravillosa y casi bailable. Ella termina el álbum con una versión relajante de ""Triste"" de Jobim, cantando en portugués con el guitarrista y vocalista brasileño Marcus Weakley. Webb captura perfectamente el espíritu de la canción, y casi puedes imaginarte sentado al lado del océano, con una brisa cálida. ‘A Lark’ es realmente un primer esfuerzo excepcional, y estamos ansiosos por ver qué lanzará a continuación.

Discografía:

•   A Lark (EP) (2014)


Espero que las disfrutéis.

Saludos y hasta pronto con nuevas voces femeninas

Luisma

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #2845 en: Abril 08, 2020, 11:15:38 am »
Buenos días foreros.

Traigo tres nuevas voces femeninas. Con estas ya superamos la primera centena de la letra A.

A ver si os gustan




Allison Adams Tucker - April In Paris (2014)

https://open.spotify.com/album/7avVYQyv8DYPP3eFFzLxzF

https://listen.tidal.com/album/29733520


Nacida en San Diego, California, la vocalista de jazz multilingüe Allison Adams Tucker fue criada por padres musicales con formación clásica, y comenzó a actuar frente al público a los 5 años. Estudió piano, flauta, violín, danza y voz de la escuela primaria y tiene una licenciatura en interpretación vocal de lingüística / música y un AA en italiano. La paleta vocal de Allison ha sido coloreada por su experiencia en una variedad de géneros musicales a lo largo de su vida, desde cappella madrigales isabelinos hasta punk rock, country y jingles comerciales. Desde 2005, Tucker ha encontrado el ajuste más natural para ser cantante de jazz. La libertad de expresión y la inclinación intelectual del género fueron atractivas, al igual que su apertura para absorber estilos y acentos a lo largo de los viajes del vocalista.

Al crecer en la frontera con México, Allison estuvo expuesta a la mezcla de culturas y su amor por los idiomas y las culturas del mundo también comenzó a una edad temprana. Ha estudiado y canta en 6 idiomas además del suyo, vivió en Japón y España, y ha viajado a más de 15 países. Esta pasión por los viajes está presente en la música que elige hoy, con ritmos, melodías y letras de Brasil, Italia, Francia, América Latina, Japón y los Estados Unidos. Para Allison, se trata de la conexión humana, y la música es el lenguaje universal.

El álbum debut de Allison ‘Come With Me’ (Allegato Music 2008), coproducido por el guitarrista de jazz Peter Sprague (Dianne Reeves, David Benoit, Chick Corea, Sergio Mendes) y arreglado por Kamau Kenyatta (Gregory Porter, Hubert Laws, Earl Klugh, Patti Austin), recibió el reconocimiento internacional, fue nominado al Mejor Álbum de Jazz 2009 por los Premios de Música de San Diego, y continúa recibiendo transmisiones en emisoras de radio en 18 países.

El segundo álbum de Allison ‘April in Paris’ (Allegato Music 2014) que celebra canciones de la primavera de todo el mundo, fue grabado en París en el 1er Día Internacional Anual de Jazz de la UNESCO al final de una gira de 9 conciertos por Italia y Francia con músicos internacionales y arreglistas de cinco países. Los arreglos incluyen a Kamau Kenyatta, Danny Green, Emmanuel Massarotti,

El tercer álbum de Allison ‘Wanderlust’ (Origin Records 2016) fue grabado en la ciudad de Nueva York bajo la dirección del galardonado productor Matt Pierson (Brad Mehldau, Milton Nascimento, Joshua Redman, Jane Monheit). ‘Wanderlust’ presenta un impresionante conjunto de estrellas que no solo une las costas oeste y este, sino que agrega sabores de todo el mundo. Allison y el pianista de Los Ángeles Josh Nelson se unen a los grandes del jazz de Nueva York, Chris Potter, Matt Moreno, Scott Colley y Antonio Sánchez, junto con el percusionista Rogério Boccato y el guitarrista Romero Lubambo (ambos de Brasil) y el guitarrista francés Stéphane Wrembel. Las canciones de ‘Wanderlust’ son postales musicales desde puntos de interés distantes, desde Roma hasta París y Takeda, Japón, e incluso destinos que existen exclusivamente en el ojo de la mente.

Allison regresó a la ciudad de Nueva York en enero de 2019 para volver a visitar su pasado pop-punk y grabar su cuarto álbum ‘Retro Trilogy’, una trilogía de reinvenciones de jazz de 3 décadas de música de los años 70, 80 y 90, incluida una canción original, se lanzará en 3 EP separados en plataformas de transmisión y estará disponible como un CD. Los músicos incluyen piano, Rhodes, melódica - Kevin Hays; bajo, guitarras - Tony Scherr; batería, vibráfono - Kenny Wollesen; guitarra - Yotam Silberstein; guitarra - Peter Sprague y percusión - Bashiri Johnson. Arreglos de Allison, Kevin Hays, Josh Nelson, Danny Green, Yotam Silberstein y Peter Sprague.

Como artista de sesión, la voz de Allison se puede escuchar en comerciales nacionales y en la banda sonora del videojuego ""The Saboteur"" cantando jazz francés en compañía de Nina Simone, Ella Fitzgerald, Madeleine Peyroux y otros. Esto ha resultado en un seguimiento de culto por parte de la audiencia de jugadores que normalmente no escuchan jazz.
 
Como artista internacional, Allison ha entretenido audiencias en Japón, Europa, México y los EE. UU., Incluyendo presentaciones en Blue Note New York, Ronnie Scott's London, Herb Alpert's Vibrato Los Angeles, San Jose Jazz, The Jazz Kitchen Indianapolis, Idyllwild Jazz en el Pines Festival, Hawaii Public Radio, Takatsuki Jazz Street Festival Osaka, Body & Soul Tokyo, Le Baiser Sale 'Paris, Music Inn Rome, Lucca Jazz Donna Festival Tuscany, entre otros.

Discografía:

•   Retro Trilogy (2020 previsto)
•   Wanderlust (2016)
•   April in Paris (2014)
•   Come With Me (2008)

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #2846 en: Abril 08, 2020, 11:17:13 am »



Allison Paris - Second Chances (2003)



Cantante norteamericana de jazz que después de pasar por un aneurisma cerebral grabó este primer disco. Allison Paris es una vocalista de jazz basada en la costa sur del condado de Suffolk de Long Island. Las trece canciones de este CD se clasifican como parte de las cuatro estaciones anuales del calendario y reflejan la montaña rusa emocional de una relación de amor. Las canciones están ordenadas ingeniosamente para que aparezcan en el orden correcto justo cuando el verano sigue a la primavera.

Allison Paris y su grupo hacen un buen trabajo en este proyecto musical. Por lo que parece, ha trabajado a menudo con estos músicos y hay una gran interacción entre ellos. No es poca cosa dar vida a algunos de estos caballos de guerra que han estado sobreexpuestos a lo largo de los años. Después de un saxo tenor obligado y más tarde solo de Jeff Lang, Paris ofrece una versión sincera de ""Lover Man"".

De hecho, el grupo es bastante bueno para brindar apoyo a París durante la sesión, especialmente Lang y el trompetista Carl Fischer. En ""Mean to Me"", después de que Paris profundiza en la canción Ahlert / Turk, Fischer toma un breve solo de nota alta y nuevamente en la siguiente ""Invitation To The Blues"". Bobby Forrester, que era un tecladista muy solicitado, falleció al poco tiempo y se cree que esta fue su última grabación.

Como pensamiento constructivo, ""Mood Indigo"" se ve empañado por el uso de cuerdas de sintetizador, bajo el trabajo de trompeta de Fisher, que imaginan esto como un número de salón y abaratan la presentación. Del mismo modo, la mitad de estas canciones, aunque del Great American Songbook, están listas para retirarse por algunos años. Estoy seguro de que los patrocinadores de un club suburbano están felices de escuchar a una buena cantante interpretando buenas canciones, pero me pregunto si los conciertos de la gran ciudad no exigirán un poco más en la lista de canciones.

Dejando de lado las objeciones, estos músicos hacen un buen trabajo con el material que ha sido seleccionado y proporcionan el estímulo tanto para las voces como para una audiencia fácil de usar.

Personal: Allison Paris, voz; Jim Ahrend, piano, arreglos; John Ray, bajo; Kevin Dunne, batería; Carl Fischer, trompeta, flugelhorn; Jeff Lang, saxo C-Melody, saxo barítono, saxo tenor, flauta; Brian Ungar, guitarra; Bobby Forrester, órgano.

Discografía:

•   Second Chances (2003)

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #2847 en: Abril 08, 2020, 11:19:21 am »



Allyson Morris - I Saw the Light (2013)

https://open.spotify.com/album/1LomuaIAjTQTdmgkvTmfs1

https://tidal.com/browse/album/22954863


Allyson, una rubia escultural con encanto de pueblo pequeño, se crió en Chatham, Ontario, y ahora llama a Toronto su hogar. Era una especie de bloomer tardío, que por supuesto puede ser una verdadera ventaja para su estilo de música. Su profundo sentimiento, su rico vocabulario musical y sus experiencias de vida, todo esto se combina para crear el estilo único y seguro que es Allyson Morris.

Allyson ha actuado con muchos músicos maravillosos en los últimos años. Algunos de los notables artistas galardonados de Juno que descubrieron a Allyson y actuaron con ella incluyen: los pianistas Bernie Senensky y Bill King; Los guitarristas Reg Schwager y Bill Bridges; Percussionist Art Alvalos; Los bateristas Ben Riley y Jorn Andersen; Saxofonistas Charlie Huntley y Sean O'Connor; Trompetista Ray Podhornik.

La vocalista canadiense Allyson Morris editó un disco lleno de temas cálidos y elegantes. En él encontramos versiones de temas muy conocidos, empezando por el que le da título, “I Saw the Light”, una inolvidable composición del año 1972 del genial Todd Rundgren. Merece la pena escuchar la recreación que realiza Allyson Morris de este tema y de otros muy conocidos, como es el caso de “The Nearness of You”, con el que se abre el disco de esta artista canadiense.

Discografía:

•   I Saw the Light (2013)



Bueno, ya podéis echar un rato con ellas.

Pronto traigo nuevas voces.

Saludos

Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #2848 en: Abril 10, 2020, 03:29:47 pm »

De nuevo con vosotros y con tres nuevas voces femeninas. ¿Las conocíais ya?




Alma Bencze Quartet - Invitation (2019)

https://open.spotify.com/album/4bix12SLx2R9Vz54T9WTnp?si=Y6q7Cf0bSEm4xJOb5KMBWg

https://tidal.com/browse/album/112442771


Alma Bencze nació en 1984 en Budapest, en una familia de músicos clásicos. Tomó su primera clase de canto profesional relativamente tarde, a los 25 años, pero Esta fue una experiencia que cambió su vida y la llevó a dejar su trabajo y a presentar su solicitud de inscripción en el departamento de Jazz de la Universidad Kodolányi János en 6 meses. Pronto comenzó a actuar en los clubes de Budapest con diferentes bandas y fue invitada a la Competencia Internacional de Jazz de Bucarest en 2010. En 2013 fundó su propia banda llamada Alma Bencze Quartet, y desde entonces es una intérprete que actúa en los clubes más populares de Budapest.

Alma Bencze estudió canto de jazz en el Colegio János Kodolányi, donde se graduó en 2013. Los músicos del Cuarteto han estado tocando juntos durante varios años, y la banda es la columna vertebral de los clubes más populares de Budapest. Su repertorio incluye reelaboraciones cuidadosa e individualmente orquestadas. Intentan interpretar las canciones no solo a través de la música, sino también considerando las letras, de modo que este componente, que a menudo se considera secundario, también puede ser una parte completa de la experiencia musical. El resultado: una pulsación melódica y cautivadora del sistema proporcionado por los marcos compuestos conjuntamente y una mezcla muy refrescante de la libertad de improvisación inherente al jazz, que se ofrece con amor no solo a los fanáticos del género, sino a todos los amantes de la música.

Discografía:

•   Invitation (2019)


Luisma

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Re:Mejores Discos de Jazz Vocal Femenino Contemporaneo
« Respuesta #2849 en: Abril 10, 2020, 03:31:17 pm »



Alma Micic - Introducing Alma (2004)

https://open.spotify.com/album/7HkHDbmvhR8UxbZQ9aEXVg

https://listen.tidal.com/album/47964348


BUEN DISCO. Alma Micic nació y creció en Belgrado, Serbia. A los 16 años comenzó a actuar con un cuarteto local en un momento en que el jazz estaba haciendo un gran regreso en Belgrado. Pronto se convirtió en vocalista destacada de Radio Belgrade Big Band y comenzó a viajar y aparecer en muchos festivales locales de jazz, así como en transmisiones de radio y televisión. En 1995, recibió una beca para asistir al prestigioso Berklee College of Music en Boston, MA. Alma se graduó en 1999 con un BM en Jazz Performance.

Desde que se mudó a Nueva York en 2000, Alma ha lanzado cuatro álbumes aclamados por la crítica y ha aparecido en lugares como Jazz Standard, Scullers, Iridium Jazz Club, Cecil's Jazz Club y también en festivales y salas de conciertos del resto de los Estados Unidos e internacionalmente.

Alma Micic ha aparecido en revistas como Downbeat, JazzTimes, Jazzwise, All About Jazz, así como en Boston Phoenix, Boston Globe, Riverdale Press y el New York Times.

El canto de Alma ha sido descrito como ""confiado, conmovedor, vulnerable, rítmicamente inteligente, con el vibrato más sensual que probablemente escuches"" (All About Jazz). Ha recibido numerosos premios como el Premio Cleo Laine a la Música excepcional y BRIO Premio del NY Arts Council.

""Alma personifica aquello de lo que trata el canto de jazz"".- Ron Della Chiesa, Radio WGBH

""No hay duda al respecto: Alma Micic es una cantante de jazz de primer nivel"".- All About Jazz

Alma Micic, aunque todavía joven en el momento del lanzamiento de su primer álbum, el que aquí os cito, realmente se encuentra segura de sí misma, tanto rítmica como armónicamente, ella se balancea, tiene un gran sentido del espacio y el tiempo, y elige el material que incluye evitando las melodías cliché habituales de los vocalistas.

Micic es clara, confiada, conmovedora, vulnerable, rítmicamente inteligente, con el vibrato más sensual que probablemente escuches, combinado con un enfoque único y un sentido de entonación, especialmente en las baladas, por ejemplo. ""Something to Live For"", que hace una presentación muy original. Allí ella te llevará a un mundo de su propia creación, uno que con gusto volverás a visitar con la ansiosa riqueza de volver a conectarte con un amor perdido hace mucho tiempo y encontrar lo que no tenías la primera vez.

Las presentaciones destacadas incluyen ""I Remember You"", un inquietante arreglo para piano / voz de ""Day Dream"", ""Close Your Eyes"", una lectura blusey de ""Yesterdays"" y el magnífico ""But Beautiful"". ""Quiet Nights / Corcovado"" es ajustado y único en el tempo elegido, ya que se toma como una samba en lugar de la bossa habitual. Está tan arriba como lo he escuchado, pero funciona como una sección de ritmo, todo excepto por hacer que el protagonista parezca apresurado (aunque no lo está), en contraste con la relajación completa del resto del disco.
Entre las sorpresas hay una versión inspirada de Shorter ""Infant Eyes"" y su propio original, ""That April Day"". Una hermosa pieza que es perfecta para ella.
Si a los dieciséis años Micic era vocalista principal de la Radio Big Band de Belgrado en su Serbia natal, a los veinte años había actuado en festivales de jazz en toda Europa, y finalmente se graduó de Berklee College of Music con honores. Ahora reside en Nueva York, donde formó su actual banda de conciertos y grabación, que consiste en el pianista Brandon McCune (que a veces evoca comparaciones con Red Garland, Herbie Hancock, incluso Bill Evans, con ciertos toques armónicos y carreras), el bajista Sean Conly y el baterista Israel Bannerman.

Aunque el grupo apoya a Micic con calidez, empatía y madurez, a veces interactúan más con ella como si fuera un instrumento más. Esto genera una sensación de mayores posibilidades, una sensación de respeto por el líder y una relación más interesante en general. Una especie de equilibrio entre sensibilidad respetuosa y afirmación. Así es como suena su primer esfuerzo, yo os dejo el resto de su discografía para que vosotros apreciéis la evolución.

Pistas notables son “Corcovado”, compuesto por AC Jobim. Esta pista comienza y termina con un estribillo de piano repetitivo, con tambores de percusión y samba surrealista. Cantada en inglés, Micic no difunde su atractivo exótico. Este es un giro más interesante para un estándar reconocido. “Something To Live For”, compuesta por B. Strayhorn y D. Ellington, con lo más sencillo de los pinceles de Bannerman y el bajo de Conly, Micic y McCune comparten la pista con elegancia y tranquilidad efímera. Las voces de Micic caen como gotas de lluvia en vuelo.

“Sejdefu Majka Budjase”, esta canción tradicional montenegrina, cerca de la Serbia natal de la Sra. Micic, se canta con claridad y clase. Me gustaría escuchar más canciones en el repertorio de la tierra natal de la Sra. Micic, ya que su lenguaje y pasión en el género se suman a la calidad de su fascinación. “I Remember You”, compuesta por J. Mercer y V. Schertzinger, muestra piano y batería, pero agrega el estilo propio de Scat acentuado de la Sra. Micic en un swing boyante. Las letras son el foco menor, ya que los ritmos jazzy fusionados palpitan.

Discografía:

•   That Old Feeling (2017)
•   Tonight (2013)
•   Hours (2008)
•   Introducing Alma (2004)